Tetsu Yamauchi - basse
Eleanor - chant
U. Harada - batterie
Tetsu, Pipi - guitare électrique
K. Ohno - claviers
L'album solo de Blues Rock "Tetsu" a été enregistré en 1972 par Tetsu Yamauchi, l'ancien leader du groupe progressiste Japonais Samurai, qui a acquis une renommée internationale lorsqu'il a remplacé Andy Fraser au sein du groupe Free.
La musique est une sorte de Prog jazzy très solide, signé par l'ancien bassiste des Faces et de Free.
L'orgue est particulièrement remarquable. Certains morceaux comportent une voix féminine dont l'identité b'a pas été révèlée, mais ces titres fonctionnent tout aussi bien que les morceaux Funk instrumentaux...
Producteurs -- Keith Stegall et Scott Hendricks
Basse – Michael Rhodes, Roger Wills
Batterie, percussions – Bruce Rutherford, Eddie Bayers
Guitare électrique – Brent Mason
Violon – Rob Hajacos
Guitare – Bruce Watkins, Robbie Flint
Piano – Dirk Johnson, Hargus "Pig" Robbins
Steel Guitare – Paul Franklin
Fort du succès de son album "Here In The Real World", Alan Jackson affirme son style unique avec une nouvelle collection de chansons et de Hits qu'il interprétera en concert tout au long de sa carrière.
Son style de Country traditionnelle avec une touche de modernité fonctionne bien.
Chaque morceau de "Don't Rock The Jukebox", sorti en 1991, a un charme particulier.
L'album s'ouvre sur ce qui est peut-être son titre phare, "Don't Rock the Jukebox". C'est une belle chanson qui parle de l'envie d'écouter des chansons tristes après une rupture.
Jackson rend hommage à deux de ses héros: Hank Williams avec "Midnight in Montgomery" et George Jones avec "Just Playin' Possum".
Les musiciens qui l'accompagnent font un travail tout à fait correct. Rien ne se démarque, ce qui est exactement ce qu'on recherche dans ce genre de musique. Les solos de guitare, le dialogue entre la lap steel et le violon sont toujours présents, mais discrets.
N.B.: "Midnight in Montgomery" est le seul morceau à s'écarter des progressions d'accords majeurs habituelles de la musique Country, et ça fonctionne à merveille...
J'aime bien ce Country Man , je l'ai découvert sur la tard , je ne possède que "Freight Train" sur mes étagères qui est excellent
Je croit qu'il ne peut plus travailler , il est atteint de la maladie de Charcot-Marie-Tooth, une affection neurologique dégénérative
"L'Aurora Delle Orme" de Le Orme, sorti en 1970, est une compilation de singles du groupe et probablement quelques titres inédits.
Des chansons de 1967 à 1970, la période Big Beat de la formation. Des morceaux agréables et mémorables, assez typiques du style du groupe.
Comparé aux autres albums de Le Orme, celui-ci peut sembler un peu faible sur le plan progressif. Mais considérant que ces chansons datent de la première période et représentent une sorte de transition entre Beat et Prog, ce travail vaut la peine d'être écouté car il y a des très bons morceaux.
Par exemple "Irène", "Lacrime Di Sale", ou "Fiori E Colori".
En outre, les deux titres bonus, qui sont les plus progressifs, montrent que Le Orme était sur la bonne route...
Golden Kanine est un groupe Indie Folk Suédois, originaire de Malmö, fondé par Linus Lindvall et Andreas Olrog.
Le groupe élargit un cadre Rock classique avec des instruments tels que la mandoline, le banjo, le piano, l'harmonium, le violon, le trombone.
Ce qui ressort de "Oh woe!", sorti en 2011, est un mélange irrésistible de Rock Indie Lo-Fi intimiste et de Folk contemporain dansant. Là-dessus, la voix du chanteur se détache, épanchant par là-même une sensibilité à fleur de peau et ce dernier passe de la mélancolie et de la tristesse à la gaîté sans crier gare.
De même, l'ambiance des morceaux, malgré une instrumentation plutôt roots pour ne pas dire rustique, peut être Pop comme plutôt intimiste à l'image des derniers titres de ce magnifique opus.
L’atout massue du disque réside dans les compositions même des morceaux. Là où on s’attendrait à une musique qui rue dans les brancards et des titres fiers à bras, on découvre des morceaux d’une sensibilité extrême: même l’enlevé "Burial" est porté par une humeur mélancolique qui assombrit l’énergie, naturellement solaire du morceau et fait naviguer l’auditeur entre gaieté de façade et tristesse diffuse.
En dépit de son instrumentation pour le moins rustique, l’écriture peut être carrément Pop ou devenir introspective...
Basse – William Emms
Batterie – Heddy Korachi-Alaoui, Pete Emms
Claviers – JP Fellows
Trompette – Charlie Beringer, Natty Defriend
Chant – Catherine Turner
Chant, Guitare – Paul Van Oestren
Sur l'album de 2011, "Tales to Be Told", The Bookhouse Boys évoluent, passant d'un groupe de bar déjanté à un ensemble orchestral inconstant.
Johnny Flynn rejoint le groupe de neuf musiciens au violon, mais pour le reste, rien ne change. On perçoit une assurance nouvelle, un son plus audacieux et plus abouti.
C'est le style parfois maladroit du groupe qui fait son succès, car cette approche plus assurée semble s'être faite au détriment de morceaux percutants. Tout paraît plus calme, plus maîtrisé, plus calculé.
On trouve des moments d'adrénaline intense où tout s'envole.
Catherine Turner, cantonnée aux chœurs et à l'accompagnement de Van Oestren lorsque la chanson exige une touche sensuelle, prend le micro sur trois titres. "To Forgive" est le meilleur, et un sérieux prétendant au titre de chanson phare de l'album.
Cet album mérite d'être salué pour avoir approfondi le son si particulier et décalé du gtoupe...
Producteur, Chant principal, claviers – James Christian
Chœurs – James Christian, Robin Beck
Basse – Chris McCarville
Batterie – BJ Zampa
Guitare, Claviers – Tommy Denander
Guitare solo – Jimi Bell
Le groupe House Of Lords allie le professionnalisme des musiciens de studio aux sonorités Rock grand public d'antan.
Il suffit de quelques instants d'écoute de "Come to My Kingdom" pour se rendre compte que le groupe a bel et bien réussi cet exploit musical, pour le meilleur et pour le pire.
Musicalement, cet album est quasiment identique au précédent "World Upside Down".
Le style à la fois grandiose et mélodique qui a toujours caractérisé House of Lords est bien présent, notamment sur un morceau triomphant comme "In the Light", le titre Soft Rock "I Believe" et la mélodie entraînante "I Don't Wanna Wait All Night".
Tout dans "Come to My Kingdom" respire les années 80. Dommage qu'il arrive vingt ans trop tard!..
Je connais les deux premiers albums que j'ai achetés à leur sortie. Deux véritables réussites. A noter d'ailleurs que le groupe sous la houlette de James Christian, le chanteur, était passé en 2009.....au Pacific Rock à Cergy Pontoise dans l'indifférence générale. Je n'y étais pas allé car j'avais eu l'info trop tard.
Producteur, Chant principal, guitare acoustique, chœurs – James Christian (4)
Guitare acoustique – Billy Seidman
Chœurs – Robin Beck
Basse – Chris McCarvill
Batterie – BJ Zampa
Guitare – Jimi Bell
Claviers – Jeff Batter
La musique de "Precious Metal" de House Of Lords, sorti en 2014, est du Hard Rock de très bonne facture. Elle est très mélodique, avec une prédominance de guitares, mais aussi un rythme très soutenu.
De belles harmonies et un côté accrocheur contribuent à l'agrément de l'ensemble. En somme, rien de révolutionnaire au niveau des éléments, mais grâce à un son solide et à un jeu impeccable, le résultat est vraiment excellent.
L'écoute de cet album transporte immédiatement l'auditeur dans le passé, directement dans la seconde moitié des années 80. Des groupes comme Dokken viennent à l'esprit en découvrant House of Lords en 2014, avec des influences de Dio dans les passages les plus intenses.
La musique est basée sur la mélodie et l'harmonie, à la frontière entre le Hard Rock et le Metal, avec une certaine emphase sur des éléments grand public comme des refrains entraînants et faciles à reprendre en chœur.
Avec des morceaux assez classiques et prévisibles, cet album devrait satisfaire les fans de House of Lords ainsi que les amateurs de Hard Rock et de Metal grand public.
En résumé, "Precious Metal" ne révolutionnera pas le genre, mais il offrira assurément un moment de plaisir aux amateurs de Hard Rock...
Genre: Soundtrack, Score, Prog Rock, Symphonic Rock
Le premier album de Goblin, "Profondo Rosso", paru en 1975, est une bande originale. Entièrement instrumental et magnifique, il regorge de thèmes superbes et il est interprété avec beaucoup de brio.
On y trouve pourtant un court solo de batterie qui peut faire réfléchir: pourquoi un solo de batterie dans une musique de film?
La musique jouée est du Jazz à couper le souffle, comme si on avait plongé Pink Floyd dans un nuage de cocaïne et qu'on leur avait ordonné de prendre leurs instruments et de jouer.
Le talent musical est exceptionnel, quel solo de basse sur "Deep Shadows"!.
Les morceaux phares sont la chanson éponyme, "Death Dies" et "Deep Shadows"...
Poe (Playboys of Edinburg) 1971 - Up Through The Spiral
Style: Psychedelic Rock, Classic Rock, Pop Rock, Hard Rock
Guitare acoustique, percussions, chant, guitare solo, piano, basse – Jerry McCord
Batterie, percussions, chant – Don Faires
Guitare, percussions, chant – James Williams
Claviers, basse, guitare – Val Curl
Percussions, chant – Michael Williams
"Up Through The Spiral" de Poe (Playboys of Edinburg), sorti en 1971, contient d'excellents morceaux de Hard Rock psychédélique, avec un son fuzzy et puissant, comme "Tune In", "Sons of Belial" et "Automatic Writing", par exemple, mais aussi des titres plus faibles. Le son oscille entre une psychédélie fuzzy et une pop psychédélique douce. Ces derniers sont d'ailleurs les moins réussis. l'album manque d'homogénéité.
Cet album a ses bons moments. Globalement, ce n'est certainement pas un des albums de rock psychédélique les plus mémorables. C'est un mélange de Pop, de Prog et de Heavy-Psyché
La première moitié du disque est un mélange de Folk, de Pop et de Psyché léger. musicalement, deux morceaux ressoertent du lot, le Rock assez énergique "You've Got To Try" et le morceau aux accents beatlesiens "Up Up Through The Spiral".
Sur la seconde face, la légèreté laisse place à la puissance. On voit clairement où sont les points forts avec "Sons Of Belial" qui est une véritable claque. "Fallin' Off" et "Automatic Writing" sont aussi des titres percutants qui le confirment.
Le seul véritable point faible, "Sweet Morning, rappelle la légèreté de la première face.
Dans l'ensemble, "Up Through The Spiral" est un excellent disque psychédélique. Que l'on soit attiré par des sonorités puissantes et percutantes ou que l'on préfère quelque chose de plus léger et Pop, tous les mélomanes avertis devraient être ravis d'écouter ce LP...
Alan Jackson 1992 – A Lot About Livin' (And A Little 'Bout Love)
Genre: Country Rock, Country
Producteur – Keith Stegall, Scott Hendricks
Guitare acoustique – Bruce Watkins, Keith Stegall
Slide Guitare acoustique – Robbie Flint
Basse électrique – Glenn Worf
Contrebasse [Basse verticale] – Roy Huskey Jr.
Batterie – Eddie Bayers
Violon – Hank Singer, Rob Hajacos, Stuart Duncan
Guitare électrique – Brent Mason
Steel Guitare – Paul Frankli , Weldon Myrick
Piano – Hargus "Pig" Robbins
Chant [Harmonie] – Bruce Rutherford
Trois ans après son premier single numéro un, Alan Jackson propulsE son style de Country Honky Tonk novateur au sommet des Charts, ouvrant la voie à une nouvelle génération d'artistes.
Toujours avec le producteur Keith Stegall, Jackson a écrit plus de la moitié des titres de "A Lot About Livin' (And A Little 'Bout Love)", dont deux singles, "She's Got the Rhythm (And I Got the Blues)" et "Tonight I Climbed the Wall", ainsi que "Chattahoochee".
Les morceaux rythmés sont ceux qui mettent le mieux en valeur la voix de Jackson.
Le joyau de l'album est sans conteste son dernier titre, le classique de Geddins et Douglas, "Mercury Blues". Reprenant le morceau dans ses racines Country et s'appropriant le son particulier de la Fender Telecaster, Jackson l'interprète avec une énergie incroyable.
A ce stade de sa carrière, Jackson s'est imposé comme l'un des artistes Country les plus constants et talentueux...
Producteur – Gian Piero Reverberi
Batterie, Percussions – Michi Dei Rossi
Orgue électrique, Piano électrique – Antonio Pagliuca
Voix, basse, guitare acoustique – Aldo Tagliapietra
"Collage" de Le Orme, sorti en 1971, est sa première véritable incursion dans le Prog, après avoir été auparavant plutôt un groupe de Pop psychédélique.
Ce style les accompagnera pendant la majeure partie de la décennie et les propulsera au rang des plus grands groupes de Prog Italiens de tous les temps.
Avec cet album, Le Orme fait une entrée remarquée sur la scène prog, adoptant une approche dramatique en mêlant Prog et improvisations psychédéliques avec une maîtrise impeccable.
Dès le premier morceau, les claviers de Tony Pagliuca, influencés par Keith Emerson, affirment avec force leurs intentions. La voix envoûtante de Tagliapietra, d'une beauté saisissante, semble à plusieurs reprises prête à basculer dans l'Opéra.
L'écriture, teintée de psychédélisme, apporte une chaleur émotionnelle bienvenue. Bien qu'il ne s'agisse pas du meilleur album de Le Orme, il marque un début extrêmement prometteur et il constitue une œuvre marquante de la Scène Italienne.
L'approche romantique et dramatique du groupe, sans doute influencée par des formations comme Genesis et Van der Graaf Generator, qui connurent un immense succès en Italie à l'époque, allait notamment marquer de nombreux groupes par la suite, tels que Banco et PFM.
"Collage" est un album fondamental pour comprendre l'évolution de la Scène Italienne: un véritable chef-d'œuvre...
Producteur, Guitare, chant – Todd Rundgren
Basse, chant – John Siegler
Batterie – John Wilcox
Claviers, chant – Ralph Schuckett
Synthétiseur, trompette, chant – Roger Powell
"Another Live"de Todd Rundgren's Utopia, paru en 1975, surpasse "Utopia" et "Initiation", les deux précédents albums de Todd Rundgren explorant le Prog Rock synthétique.
Pourtant, la musique n'est pas plus complexe, ni plus ambitieuse ou exigeante; elle est tout simplement meilleure.
La seconde moitié du disque est consacrée à des reprises ("Something's Coming" de West Side Story, "Do Ya" de The Move) ou à des classiques de Rundgren ("Heavy Metal Kids", "Just One Victory"), des morceaux plus axés sur la mélodie que ceux de la première partie, ou même que ceux d'"Utopia" ou d'"Initiation".
Les titres épiques de Prog Rock qui composent la première partie sont plus percutants qu'auparavant, sans doute parce que le groupe a affiné son style et développé un son unifié et stimulant.
C'est encore un peu excessif et impénétrable, mais des moments intrigants surgissent à la surface de façon alarmante...
Le groupe Argentin Crucis joue un Rock Progressif symphonique exceptionnel, impeccable, avec une production soignée.
L'album éponyme, sorti en 1976, est un disque original et captivant, à la frontière du Prog Symphonique et du Heavy Prog, qui révèle l'influence d'Emerson, Lake and Palmer et de King Crimson.
On y retrouve d'excellents solos d'orgue Hammond, de synthétiseur Moog et de clavinet, joués par Anibal Kerbel.
Kerpel se montre toutefois moins enclin aux démonstrations de maîtrise et aux reprises de musique classique que Keith Emerson. Avec un son percutant et accessible, Crucis contribue largement à faire connaître l'Argentine sur la Scène Prog grâce à cet album techniquement abouti, magistralement interprété, bien composé et d'une grande richesse sonore.
Le dernier morceau est certainement le meilleur, un titre tellement agréable à écouter, avec ses nombreux fragments qui s'entremêlent. C'est tout simplement époustouflant, et les instruments sonnent d'une clarté et d'une qualité exceptionnelles.
Tout s'harmonise à la perfection. Les percussions sont excellentes, mais les synthés sont tout simplement incroyables, tout comme les guitares et la basse, qui ont une présence remarquable.
"Crucis" est une réussite totale, un album immersif et fantastique.
Bien que le style de Prog de ce groupe ne puisse être qualifié d'original, il est excellent. Tous les membres du groupe font preuve d'un talent musical remarquable, chaque instrument étant parfaitement audible et ses parties bien écrites...
Producteur, chant principal, guitare acoustique, chœurs – James Christian
Basse, chœurs – Chris McCarvill
Batterie, chœurs – BJ Zampa
Guitare solo, chœurs – Jimi Bell
"Indestructible", sorti en 2015, illustre l'essence même de House Of Lords: des morceaux puissants et percutants, aux mélodies accrocheuses et aux arrangements grandioses.
Il est composé de onze titres qui fusionnent avec brio le meilleur du Rock puissant et mélodique.
Ce nouvel opus marque les dix ans d'existence du nouveau line-up et les promesses sont là.
Il s'ouvre sur "Go To Hell", avec des chants Grégoriens qui sont remplacés très vite par des guitares acérées mises en avant, ce qui fait que les mélodies sont un peu noyées mais le refrain est de bon aloi et au final, c'est une entrée en matière bien rentre dedans du plus bel effet. La chanson titre, "Indestructible", est un peu plus sombre mais avec une trame mélodique très présente. "Pillar Of Salt" montre une autre facette du groupe: ce morceau est plus mid tempo, tout en finesse et mélodie. On repart de plus belle avec "100 Mph", avec son super refrain, ces sons de voitures et ces guitares acérées.
La suite est une succession de mid-tempos où la voix de James Christian fait des merveilles comme le très beau "Call My Bluff" et son refrain un peu plus mélodique, "We Will Always Be One" ou "Eye Of The Storm" et des titres plus pêchus avec des guitares bien en avant, des mélodies accrocheuses et des refrains entêtants comme "Die To Tell", l ’excellent "Another Dawn" où le chant et les mélodies imparables transportent l'auditeur, ou encore "Stand And Deliver" qui clôture l’album de très belle manière...
Producteur -- Neil Kernon
Basse – Roy Stephen Davis
Batterie – Alan Kelly
Guitare – Steve Harris
Claviers – Pat McKenna
Chant – Tony Mills
"Excess All Areas", sorti en 1987, est un album du groupe Britannique, Shy. Le son y est excellent, aussi bien le chant, que les claviers et lkes guitares, mais il n'y a rien de particulièrement original ni de reconnaissable.
C'est un AOR / Hard Rock mélodique accrocheur.
Les dix titres sont bien réalisés et offrent tout ce que le genre a à offrir, c'est-à-dire un bon chant, des mélodies entraînantes, des morceaux percutants et d'autres plus doux. L'ensemble est parfaitement harmonieux et le résultat est, en quelque sorte, un régal pour les oreilles!
La production impeccable et les parties claviers / guitares sont tout simplement excellentes.
"Excess All Areas" n'est rien de moins qu'un petit chef-d'œuvre de Hard Rock mélodique / AOR Britannique...
