"There Are but Four Small Faces"
La discographie des Small Faces, déjà déroutante, devient déconcertante. Conçu pour le marché Américain en 1968, "There Are But Four Small Faces" est basé sur leur album éponyme de 1967 pour Immediate Records, l'album qu'il ne faut pas confondre avec l'album de 1966 intitulé "Small Faces" sur Decca, mais l'ordre de passage est considérablement modifié, en supprimant sept chansons de l'album de 1967 et en ajoutant cinq chansons sorties en singles: les Hits "Itchycoo Park", "Tin Soldier" et "Here Come the Nice", ainsi que les faces B "I'm Only Dreaming" et "I Feel Much Better".
Contrairement au cadre pastoral illustré sur la pochette, ce remaniement préserve les modes nerveux de l'album "Small Faces" de 1967, en mettant l'accent sur leur propulsion Pop, leur Soul artistique et leur Rock endiablé.
En tant qu'introduction, c'est un disque de premier ordre, qu'il ait été présenté en 1968 ou des décennies plus tard.
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Back Against the Wall (1987)
L'album "Back Against the Wall" de The Groundhogs, paru en 1987, est un bon mélange sombre de leur Blues 'infecté' par le Rock. D'une manière ou d'une autre, ils ne succombent pas aux sons d'enregistrement 'modernes' de l'époque. Ils ont leur propre son et il est immédiatement reconnaissable.
Bien que parfois stylistiquement similaire à "Razor's Edge", cet opus a été mieux produit et est plus proche du matériel du début des années 70 à la fois en termes de structure de chanson et de son.
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All the Girls in the World Beware!!! (1974)
Avec cet album, Grand Funk continue à se rapprocher du courant Pop Rock dominant. Ils sont considérablement aidés dans cet objectif par la production ultra lisse de Jimmy Ienner, un producteur surtout connu pour son travail avec The Raspberries: des chansons comme "Runnin'" et "Memories" bénéficient d'arrangements de cuivres et de cordes riches mais percutants qui renforcent le son du groupe sans atténuer son côté énergique.
La combinaison de la production brillante de l'album et de l'énergie du groupe a donné lieu à quelques succès impressionnants: "Some Kind of Wonderful" est une chanson Soul exubérante, imprégnée d'orgue, qui met en valeur les fortes harmonies du groupe, tandis que "Bad Time" mélange une mélodie délicate, chargée de cordes, avec un rythme endiablé de la section rythmique pour créer une power ballade unique en son genre.
Aucune des autres chansons n'a d'accroche aussi convaincante que ces Hits, mais elles sont interprétées avec énergie et poussent souvent le son du groupe dans de nouvelles directions intéressantes: "Memories" est une ballade mélancolique avec une mélodie de style Country et la chanson-titre est un portrait humoristique d'un tueur de femmes en puissance sur une jam funky à la Santana entraînée par des riffs d'orgue et des congas à la vitesse de l'éclair. "Good and Evil" est une autre surprise, un morceau mid-tempo sombre dont les voix distordues effrayantes et les effets d'orgue gothiques créent un son qui rappelle celui d'Alice Cooper du milieu des années 70.
En fin de compte, "All the Girls in the World Beware" plaira certainement à tous les fans de Grand Funk qui ont apprécié "We're an American Band" ou "Shinin' On".
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Traffic Welcome to the Canteen – 1971
L'album live, enregistré en 1971, intitulé "Welcome to the Canteen" est publié en Septembre et il marque la rupture entre Traffic et le label United Artists Records.
Il n'apparait pas le nom de "Traffic" sur la couverture, mais il est porté au crédit des membres du groupe individuellement, incluant Dave Mason.
Mason jouant deux chansons de son récent album solo, "Alone Together", et l'album se terminant par une reprise de la chanson du Spencer Davis Group "Gimme 'Some Lovin'".
"Welcome to the Canteen" reste un de leurs albums les plus populaires.
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Quicksilver Messenger Service 1975 : Solid Silver
En 1975, les membres originaux Greg Elmore, Gary Duncan, Dave Freiberg, John Cippolina, et Dino Valenti, se réunissent brièvement, le temps d'enregistrer l'album "Solid Silver" qui contient des performances faites par Nicky Hopkins sur quelques morceaux, plus la contribution de divers musiciens de la région de San Francisco, dont Pete Sears du Jefferson Starship.
"Solid Silver" est, en réalité, une réunion plutôt qu'une véritable continuation de leur travail précédent, rétablissant même brièvement le noyau classique de Dino Valente, John Cipollina, David Freiberg, Greg Elmore, et Gary Duncan.
Les résultats sont intéressants, parfois même plutôy glorieux et envolés, et pas seulement sur les compositions de Valente, qui remplissent six des dix cases de l'album.
La majeure partie de l'album représente un Folk Rock, ou un Blues Rock acidulé de la dernière heure, pas très éloigné des niveaux de virtuosité atteints plus tôt dans la décennie par le Jefferson Airplane, les membres jouant à fond comme si c'était aussi urgent que n'importe lequel de leurs enregistrements classiques de la fin des années 60. Mais c'est peut-être aussi ce qui explique l'échec commercial de l'album - sorti en 1975, il sonne comme s'il était pris dans une distorsion temporelle de six ou sept ans dans le passé, ce qui, pour certains auditeurs, était exactement là où le groupe et son son appartenaient.
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1971: Muswell Hillbillies
Le premier album de The Kinks pour le label RCA, "Muswell Hillbillies", paru en 1971, est empli d'influences Country, Bluegrass et Music Hall.
Il est souvent considéré comme leur dernier grand album, le dernier album du Golden Age des Kinks. Encore un album-concept centré sur le thème de la vie moderne et des désagréments qu’elle provoque. Ses chansons évoquent la vie des ouvriers et, à nouveau, l'enfance des frères Davies. Son titre fait d'ailleurs référence au quartier de Muswell Hill où ils ont grandi.
Malgré de bonnes critiques et des attentes élevées, l'album se vend médiocrement. Il n'atteint que le numéro 48 dans le classement de 'Record World', et le numéro100 dans celui de 'Billboard'.
Les Kinks ne sonneront plus jamais comme ça, hélas! La fin d’une époque...
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1970: Shazam
L"album, "Shazam" de The Move, paru en en Février 1970, confirme l’inventivité du groupe malgré les départs en cascade. Ses six titres témoignent d’une musique plus progressive, plus expérimentale, sortant du cadre imposé des singles à succès mais qui conserve tout de même un air de Beatles, inluence difficilement oubliable pour le groupe.
Cet album est une sorte de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" progressif, composé d’une musique extrêmement énergique, forgée par des années passées sur scène à jouer fort. Il perpetue la pratique du groupe de citation musicale et de versions richement réarrangées de chansons d'un autre interprète. "Hello Susie" (une composition de Wood), qui fut un Hit au Top 5 pour Amen Corner en 1969, cite "Big Bird" de Booker T. Jones et Eddie Floyd, et l'album inclut une reprise d'une chanson de Tom Paxton, "The Last Thing on My Mind". Elle comprend également un long remake un peu plus lent de "Cherry Blossom Clinic", qui se termine par une section instrumentale étendue citant fortement des morceaux classiques: "Jesu, Joy of Man's Desiring" une version de Myra Hess de "Herz und Mund und Tat und Leben" de Johann Sebastian Bach, "L'apprenti Sorcier" de Paul Dukas joué à la basse, et "Chinese Dance" tiré de "Casse-Noisette" de Tchaikowsky joué dans un style assez Heavy Metal.
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1968: Ogdens' Nut Gone Flake
C'est le 24 Mai 1968, que, en Angleterre, les Small Faces ont connu leur œuvre la plus significative avec leur album de style psychédélique "Ogden’s Nut Gone Flake", où les compositions du groupe ont atteint leur apogée.
Ce disque est largement considéré comme un album classique, et fait paraître une couverture ronde novatrice, la premiére en son genre, conçue pour ressembler à une boîte de tabac antique.
Il restera numéro 1 dans les 'UK Albums Charts' pendant six semaines (il n'atteint que le numéro 159 aux Etats Unis).
Ce concept album en deux actes est composé de six chansons originales sur la face une, et d'un conte de fées lunatique psychédélique sur la face deux relatant les aventures de "Happiness Stan" et son besoin de savoir où la lune est allé quand elle disparait.
Les critiques sont fort élogieuses, et l'album se vend bien, mais le groupe est alors confronté au problème pratique qu'ils avaient créé un chef-d'œuvre studio qui était pratiquement impossible de recréer sur scène.
"Ogden’s Nut Gone Flake" n'a été joué dans son intégralité qt'une seule fois, et mémorablement, en direct en studio sur le programme de télévision de la BBC appolé "Colour Me Pop".
Malheureusement, malgré ce chef d’œuvre, les Small Faces n’arriveront jamais à quitter leur image de groupe Pop, et cette incapacité à changer leur face publique poussera Marriott à quitter le groupe précipitamment à la fin de l’année 1968.
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Hogs in Wolf's Clothing (1998)
Pendant l'année 1997, The Groundhogs ont enregistré l'album, "Hogs in Wolf's Clothing", qui est un 'tribute to Blues legend Howlin' Wolf'.
C'est leur premier album en dix ans et celui-ci comporte quinze morceaux dont "Smokestack Lightnin'", "Baby, How Long" et "Commit A Crime".
Ce nouveau CD, sorti en Janvier 1998, est, en quelque sorte, un retour aux sources...avec le line up original du groupe, c'est à dire Tony McPhee, à la guitare et au chant, bien sûr, Pete Cruickshank, à la basse, Steve Rye, à l'harmonica, et Ken Pustelnik et Clive Brooks, à la batterie.
Un Must!
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Born to Die (1976)
Le titre dit tout: Bien qu'il ne soit pas imprégné de riffs Heavy Metal ou d'effets sonores gothiques, cet opus de 1976 de Grand Funk Railroad crée une ambiance suffisamment lugubre pour rivaliser avec les moments les plus sombres de Black Sabbath.
À ce stade de leur carrière, les membres du groupe étaient épuisés, ce qui se reflète dans l'humeur des paroles: la chanson titre est une rumination funèbre sur l'inévitabilité de la mort et "I Feel for Your Love" explore la dépression créée par la fin d'une relation.
Le résultat est un album qui semble être une anomalie dans le catalogue du groupe: l'humeur sombre de l'album est en contradiction avec leur style habituellement énergique et, par conséquent, cela lui enlève une grande partie de son punch.
Même si la production est solide et que la performance instrumentale du groupe est bonne, aucun de ces éléments ne facilite l'écoute d'un album aux chansons oppressantes et lugubres. Cependant, quelques points lumineux apparaissent: "Sally" est un Rock mid-tempo teinté de Country qui met en valeur le jeu d'harmonica de Mark Farner et "Take Me" est un Rock entraînant et lascif qui apporte brièvement une dose d'énergie bien nécessaire aux débats.
Parmi les morceaux les plus sombres, "Love Is Dyin'" se distingue par sa mélodie Rock forte, à base de guitares, et ses sentiments tristes, créant ainsi une chanson à la fois entraînante et émotionnellement touchante.
En fin de compte, "Born to Die" est un album si sombre qu'il peut rebuter certains fans du groupe, mais il reste une curiosité intéressante pour les inconditionnels de Grand Funk Railroad.
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The Low Spark of High Heeled Boys – 1971
L'album "The Low Spark of High Heeled Boys" marque l'apogée commerciale et artistique de la seconde naissance de Traffic, qui avait commencé en 1970 avec "John Barleycorn Must Die". Trois autres musiciens, le bassiste et violoniste Ric Grech, le batteur Jim Gordon et le percussionniste "Reebop" Kwaku Baah, sont venus s'ajouter au trio qui a réalisé cet album entre-temps, bien qu'apparemment les sessions aient comporté diverses combinaisons de ces musiciens, plus quelques invités.
Mais alors que leur album précédent était issu de sessions pour un album solo de Steve Winwood et conservait cette orientation, "The low Spark of High Heeled Boys" contenait des changements de rythme par rapport aux contributions habituelles de Steve Winwood, à savoir des morceaux de jam midtempo et introspectifs.
N.B.: "The Low Spark of High Heeled Boys" était l'une des plus grandes chansons de Traffic, ainsi que la plus longue à ce jour.
Le résultat est un album qui est devenu rapidement Disque d'Or puis Disque de Platine aux États-Unis, où le groupe effectuait de nombreuses tournées.
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1964 : Pain In My Heart
L'album 'Pain In My Heart" de Otis Redding, paru en 1964, révèle un chanteur de 22 ans qui dégage une puissance, une énergie et une audace étonnantes, bien que tout cela soit emballé avec plus de retenue que ses disques suivants.
C'est le seul disque que Redding a enregistré du vivant de son idole, Sam Cooke, et sa version de "You Send Me" est la moins stylisée de toutes ses interprétations des chansons de Cooke; plus tard, après la mort de Cooke, il s'y investira davantage.
Le fait même qu'il reprenne un classique de la Soul de Cooke montre une différence essentielle entre les premiers albums de Redding et de Cooke, car comme Redding était sur un label de Soul, personne n'a essayé d'en faire un chanteur Pop comme cela avait été fait chez RCA avec Cooke.
En reprenant "The Dog" de Rufus Thomas, "Louie Louie" de Richard Berry, "Lucille" de Little Richard, ou même "Stand By Me" de Ben E. King, il fait déjà la majorité de ce que nous attendons de lui dans les années à venir son écriture, à part "Security", "These Arms Of Mine" et "That's What My Heart Needs", est toujours un peu moins que mémorable, mais c'est un premier album de premier ordre à posséder absolument.
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1972: Everybody's In Show-Biz
Le double album "Everybody's in Show-Biz" de The Kinks, paru en 1972, comprend des titres enregistrés en studio et lors de deux concerts donnés au Carnegie Hall.
L'album inclut la ballade douce-amère "Celluloid Heroes", hommage aux grands noms disparus d'Hollywood, et "Supersonic Rocket Ship", d'influence Antillaise, qui sera leur dernière entrée dans le Top 20 pour plus de dix ans.
L'album rencontre un succès comparable à son prédécesseur aux États Unis, se classant 47e pour 'Record World' et 70e pour 'Billboard'. Il marque la transition entre le rock du début des années 1970 et l'incarnation théâtrale des Kinks qui occupera les quatre années suivantes.
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1970: Looking On
En tournant la page de sa première mouture, The Move a perdu progressivement de son importance sur la scène Britannique.
En fait, c’est l’arrivée de Jeff Lynne qui, paradoxalement, signera réellement la fin pour The Move.
De cette période résulte leur troisième album "Looking On" (Décembre 1970), avec quatre chansons composées par Wood, deux par Lynne et une par Bevan.
Le disque montre le groupe peinant à mélanger éléments progressifs et hard rock boogie.
Les harmonies vocales sont néanmoins toujours présentes, et la palette d’instruments est variée — la plupart de ceux-ci sont joués par Wood, signe que l’entente au sein du groupe n’était plus tout à fait cordiale.
L'album comprend pourtant un single numéro 7 dans les Charts, " Brontosaurus" de Wood, qui fut le dernier enregistrement du groupe pour Regal Zonophone. Le deuxième single tiré de l'album, "When Alice Comes Back to the Farm", ne rentre même pas dans les Charts.
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1969: The Autumn Stone
"The Autumn Stone" de The Small Faces, paru en 1969, est le seul double LP de l'histoire d'Immediate Records, et il est sorti au moment où la société entrait dans sa phase terminale, dans un effort désespéré pour rentabiliser la bibliothèque de cassettes des Small Faces.
Lorsque Steve Marriott a démissionné dans les derniers jours de 1968, le groupe était à mi-chemin de l'enregistrement d'un nouvel album qui aurait été son troisième pour le label et une suite au populaire "Ogden's Nut Gone Flake" de 1968.
Laissée en plan par le départ de Marriott, et avec un avenir incertain pour le groupe, le label a choisi de sortir la première anthologie de l'œuvre des Small Faces. Le résultat fut "The Autumn Stone", un mélange de singles à succès (remontant jusqu'à leurs années Decca Records, avec "Whatcha Gonna Do About It" et "All or Nothing") et jusqu'à leur dernier single, "The Universal", plus trois chansons enregistrées en public au Newcastle Town Hall au début de 1968, quelques morceaux de l'album, et quelques titres inédits de la fin de leur histoire, vraisemblablement destinés à leur troisième LP Immediate, jamais terminé.
C'était la première (et, pendant plus de 20 ans, la meilleure) vue d'ensemble du travail et de l'histoire du groupe, décrivant sa transition d'un groupe Soul blanc de l'ère de l'Invasion Britannique à un groupe psychédélique plus décontracté et expérimental.
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Wigwam Hard 'n' Horny (1969)
"Hard 'n' Horny", produit par Otto Donner et conçu par Erkki Hyvönen, a été publié en Novembre 1969. C'est toujours l'un des excellents premiers disques les plus excitants fait par un groupe Rock Finlandais.
Il se présente comme une étape importante dans la musique Rock Finlandaise. Il s'agit du tout premier album de Rock Finlandais assez bon pour être comparé à la scène internationale. C'est aussi l'un des premiers enregistrements en Finlande où le groupe a la liberté artistique complète de leur label. En fait, c'est Blues Section qui avait ouvert la voie en montrant qu'un LP de Rock Finlandais pourrait être plus que simplement une collection de singles.
"Hard 'n' Horny" montre finalement qu'il y a au moins un groupe Finlandais qui avait atteint le niveau international.
Stylistiquement, l'album est évidemment séparé en deux catégories différentes: La face 1 comprend cinq compositions de Jukka Gustavson, tandis que la face 2 est occupée par le concept "Henry" de Jim Pembroke. Cette division stylistique entre les faces 1 et 2 montre qu'il y a deux talentueux compositeurs dans le groupe dont les vues musicales sont très différentes. Pourtant, cette bipolarité musicale ne fait qu'aggraver la richesse et la variété du matériel. En quelque sorte l'équilibre qui s'est créé fonctionne très bien. Les talents de Gustavson et de Pembroke mis ensemble donnent à l'album un sentiment de salubrité.
Sur la face 1, le style personnel de Gustavson et une excellente musicalité sont très prononcés.
La face 2 est une expérience complètement différente: "Henry Concept" en neuf parties de Pembroke est de loin le morceau le plus avancé et équilibré de la musique Rock produit en Finlande jusque-là. C'est une forme de concept basé lâchement sur la vie d'un Henry.
Elle ressemble à la fin de la production des Beatles, une impression renforcée par les paroles surréalistes.
Il y a quelques musiciens invités sur le LP: Fritz Jenkins (contrebasse sur "Henry’s Mountain Range And Thereabouts", et le DDT Jazz Band qui peut être entendu jouant du Jazz de style Dixieland sur "Henry’s Hard ‘n’ Horny All-Niter").
Enfin, les arrangements de cordes ont été écrits et réalisés avec une grande idée pour le style global par Otto Donner.
En outre, ce sera le dernier album pour un certain nombre d'années qui inclut un guitariste permanent dans le groupe.
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Good Singin' Good Playin' (1976)
Après le surprenant "Born to Die", la formation originale de Grand Funk Railroad s'est réunie pour enregistrer "Good Singin' Good Playin'" en 1976. Un producteur improbable du nom de Frank Zappa est également de la partie.
Le résultat final est l'un des meilleurs albums du groupe. La production de Zappa abandonne le style brillant qui a dominé le reste de la production du milieu des années 70, optant plutôt pour une approche en live dans le studio avec un minimum d'overdubs. Ce style fonctionne bien, permettant au groupe de canaliser le solide art de la chanson qu'ils ont développé pendant leurs années de succès dans un paysage sonore lâche et énergique qui rappelle les meilleurs moments de leur première production en power-trio.
En effet, des chansons comme "Can You Do It" et "Out to Get You" (avec un solo de guitare de Zappa) crépitent avec le genre d'énergie Hard Rock qui avait été perdue sur "All The Girls in the World Beware" et "Born to Die".
Cependant, les chansons ne sont pas enterrées sous les théâtres du power-trio: "Just Couldn't Wait" est une fusion dynamique d'accroches Pop et de puissance de feu Rock qui met en valeur les harmonies souvent sous-estimées du groupe et "Release Your Love" injecte des refrains accrocheurs à une tranche de Rock influencée par la Country. Un autre point fort est "Miss My Baby", une power ballade angoissante et épique qui montre le son du groupe dans ce qu'il a de plus subtil et atmosphérique.
En résumé, "Good Singin' Good Playin'" est un album qui plaira aux fans du groupe et qui pourrait même séduire d'autres amateurs de Rock classique grâce à sa combinaison de chansons bien ficelées et de production sans fioritures.
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Traffic Shoot Out at the Fantasy Factory – 1973
Après la guérison de Winwood d'une péritonite, sort un deuxième album avec pochette d'apparence cubique, (le sixième de Traffic) le plus musclé "Shoot out at the Fantasy Factory".
"Shoot Out at the Fantasy Factory" marque une légère baisse de qualité. Les problèmes se situent à la fois au niveau de la composition et de l'interprétation.
Le parolier Jim Capaldi est co-crédité avec Steve Winwood en tant que producteur de l'album. La musique de Winwood semble recycler ses propres idées quand elle n'emprunte pas aux autres.
La section rythmique a été remplacée par David Hood et Roger Hawkins, deux as des studios de Muscle Shoals, qui se sont révélés compétents mais pas aussi cinétiques que leurs prédécesseurs, de sorte que le jeu semble souvent mécanique. Capaldi ne chante aucune chanson, et la flûte et le saxophone de Wood, si souvent à l'origine des chansons de Traffic, sont largement absents. Ce qui reste, c'est un bon album, bien que superficiel, dans le style familier du groupe.
Les tournées leur ont permis d'acquérir un public suffisamment nombreux pour que l'album soit un succès commercial.
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1965: The Great Otis Redding Sings Soul Ballads
"The Great Otis Redding Sings Soul Ballads" est le second album d'Otis Redding, sorti en 1965. C'est l'un des premiers édités par Volt, un sous-label de Stax, et le premier d'Otis Redding sur ce nouveau label.
Comme le premier album de Redding, "Pain in My Heart" (1964), "Soul Ballads"é présente à la fois des classiques de la soul et des originaux écrits par Redding et d'autres artistes de Stax. Comme son titre l'indique, il s'agit, pour l'essentiel des titres, de ballades.
L'album présente les musiciens de Booker T. & the M.G.'s, avec la section de cuivres The Memphis Horns. Isaac Hayes, non crédité sur les notes de pochette, est peut-être également présent au piano, probablement sur les chansons "Come to Me" ou "Security". Bien que l'album et ses singles remportent un succès modéré dans les Charts musicaux, il comprend le premier single de Redding classé dans le Top 10 R&B, "Mr. Pitiful".
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