2009 Symphonic Live 2002
Au début, il n'y avait pas beaucoup d'émissions disponibles en DVD, mais celle-ci était l'une des premières. En termes de qualité, ce spectacle était supérieur aux autres car il ne s'agit pas d'une relecture de VHS.
La plupart des chansons sont vraiment rehaussées par l'utilisation de l'orchestre symphonique: "Long Distance Runaround", "Gates of Delirium" et "And You and I" sont tout simplement époustouflants. Même les chansons récentes comme "Don't Go" et "Magnification" ressortent grandies.
Yes est réellement au meilleur de sa forme, en particulier Jon Anderson qui fait preuve d'humour tout au long du concert. Il interagit très bien avec la foule, avec toutes ces années d'expérience derrière lui. Sa voix est toujours excellente. Steve Howe prouve qi'il est un guitariste des plus talentueux. Même le jeune Tom Brislin aux claviers donne l'impression de jouer avec facilité!
Le CD est pratiquement le reflet du DVD est c'est une grande réussite musicale!
1978 Molly Hatchet
Molly Hatchet a enregistré et sorti son premier album, "Molly Hatchet", en 1978, qui inclut les Hit singles "Bounty Hunter" et la reprise du "Dreams I'll Never See" de The Allman Brothers Band.
Le groupe est sorti de l'ombre avec la parution de ce disque.
Avec des influences évidentes telles que Lynyrd Skynyrd, the Allman Brothers Band, Mountain et d'autres groupes de Hard Rock, Molly Hatchet n'a pas mis longtemps à attirer des fans.
Les chansons "Bounty Hunter" et "Dreams I'll Never See" ont, bien sûr, grandement aidé à construire une base solide de ces fans.
Au final, c'un excellent premier album d'un groupe qui, comme le veut la tradition sudiste, a connu des hauts et des bas. Et Danny Joe Brown prouve qu'il est un chanteur avec lequel il faut compter.
"Molly Hatchet" est finalement devenu Disque de Platine.
1975: Hair Of The Dog
En 1975, le guitariste Manny Charlton prend donc la place de producteur et il le restera avec les cinq prochains LPs. Le premier résultat en est l'album "Hair Of The Dog", l'album le plus réussi du groupe aux États-Unis.
"Hair of the Dog", sorti en 1975, sonne logiquement comme une véritable libération et s'impose immédiatement comme l'album ultime du groupe. Nazareth y retrouve sa puissance rythmique et sa lourdeur digne de Black Sabbath, son incroyable groove sudiste et son swing à la Aerosmith à travers des compositions jouissives et des riffs monumentaux.
Le titre initialement prévu "Son of a Bitch" était trop sensible pour la maison de disques, c'est pourquoi ce titre et le titre de l'album a été renommé "Hair of the Dog". Le titre réel se trouve ainsi inclus uniquement dans les chœurs. Ce titre est, par ailleurs, largement diffusé par les radios dans les années 1970.
La version Américaine de l'album inclut une chanson initialement enregistrée par The Everly Brothers, et également repris par Roy Orbison, la ballade "Love Hurts", le plus important succès du groupe au Royaume-Uni et aux États-Unis où il entre dans le Top 10.
Le LP deviendra l'un des albums référence pour le Heavy Metal des années plus tard. Ce n'est pas seulement le titre de "Track", qui est repris aujourd'hui par des dizaines de groupes de Metal, mais aussi "Miss Misery", "Changin’ Times'" et "Beggar's Day", qui a été joué par Nils Lofgren.
"Changin’ Times" avec sa structure sonne un peu comme un nouveau "Black Dog", mais dans l'ensemble ce morceau laisse encore une trace plus agressive que le titre de Led Zeppelin.
L'album contient aussi la ballade"Guilty" qui a été remplacée, sur la version Américaine de l'album par une autre ballade "Love Hurts", qui ne sortira en Europe que comme un single.
La nouvelle recette commerciale est donc désormais celle de la power-ballad. La reprise des Everly Brothers "Love Hurts", maintes fois imitée depuis, permet enfin au groupe d'exploser aux Etats-Unis.
Cela entraîne Nazareth pendant des mois dans les Charts et ce titre est devenu leur plus gros succès à ce jour.
Monumental l'album, je l'écoute moins de nos jours mais il a tellement tourné que je le connais par coeur.
Comme noté plus haut, la version américaine est différente, je possède les deux Lp ainsi que l'édition CD Salvo records.
Titis
Sorti un an après Eat a Peach, Brothers and Sisters fait preuve d'une plus grande sobriété musicale, ce qui, associé à deux grands succès populaires, "Ramblin' Man" et "Jessica", l'a propulsé en tête des hit-parades pendant un mois et demi et lui a valu d'être disque de platine.
C'est le premier album à présenter la nouvelle formation du groupe, avec Chuck Leavell aux claviers et Lamar Williams à la basse, ainsi que l'émergence de Dickey Betts en tant que chanteur aux côtés de Gregg Allman.
Les morceaux apparaissent sur l'album dans l'ordre dans lequel ils ont été enregistrés, et les trois premiers, jusqu'à "Ramblin' Man", mettent en scène Berry Oakley - leur son est dur comme du rock et net. Les chansons suivantes avec Williams ont la basse enfouie dans le mixage, et un son globalement plus boueux. L'interaction entre Leavell et Betts est magnifique sur certaines chansons, et le slide de Betts sur "Pony Boy" est une démonstration éblouissante qui a surpris tout le monde.
Malgré ses ventes, Brothers and Sisters n'est pas tout à fait un album classique (bien qu'il ait été leur meilleur pendant les 17 années suivantes), surtout dans le sillage des quatre albums précédents, mais il a servi de modèle pour des performances scéniques époustouflantes et a prouvé que le groupe pouvait survivre à la mort de deux de ses membres clés.
Pour ABB, je décroche avec celui-ci car le coté country" a tendance à prendre le dessus
Nazareth, j'arrête ai7usso avec les Poils du Chien, car cela commence à ralentir et se répéter par après.
Les pochettes "métal" seront décevanye avec le contenu musical.
Un autre groupe de Jacksonville formé en 71 et avec trois guitaristes, Molly aurait pu être la petite sœur de Léonard (même s'ils devront attendre 8 ans pour enregistrer leur premier essai), d'autant plus que leur premier album respectifs est d'assez loin leur meilleur
Les pochettes de Frazette ne m'ont jamais enthousiasmée, vu qu'elles ne correspondent pas à la musique du groupe
Un nouveau line up de Camel, plus grand, a fait ses débuts sur Nude, un album conceptuel racontant l'histoire d'un soldat japonais échoué sur une île déserte pendant la Seconde Guerre mondiale et qui y reste, inconscient du monde extérieur, pendant 29 ans.
Plus ambitieux que l'album précédent, I Can See Your House from Here, Nude est à bien des égards tout aussi impressionnant. Bien qu'il s'agisse d'un effort moins accessible, il comporte un certain nombre de passages assez intrigants, d'autant plus qu'il se targue d'une plus grande part d'improvisation, d'orchestration et même d'influences worldbeat.
Il n'est pas aussi épicé que les premiers disques de rock progressif de Camel, mais il est tout à fait atmosphérique, créant son propre monde envoûtant.
New! Improved! 1969
A son départ, Randy Holden a été remplacé par Bruce Stephens (ancien guitariste chanteur de Mint Tatto) et une face de l'album "New! Improved!" marque alors un net changement dans un style plus léger et moins agressif.
La consistance du disque prend un caractère transversal, lié aux classiques de la côte Ouest.
Dans les faits, le groupe revêt un son assez habituel qui mêle des ballades Rock, des accents Rock traités avec une voix souple et un soupçon de Country Rock, toujours soutenu par des solos de guitare inhabituels (Bruce Stephens se révèle avoir un talent énorme, sans toutefois obtenir, même de près, le génie futuriste de Leigh Stephens ou Randy Holden).
"New! Improved!" est le dernier album du groupe avec le batteur Paul Whaley, du moins pour un certain temps. Il est remplacé par Norman Mayell, ancien membre du groupe Sopwith Camel de San Francisco.
Cela ne devrait pas surprendre les fans de Gallagher que Live! en Europe apporte la chaleur. Les performances live présentent le Rory Gallagher que vous n'entendez tout simplement pas sur ses enregistrements solo. Les feux d'artifice de guitare sont plus prononcés et prolongés sur ses œuvres en public, mais sa passion et son énergie sont ce qui distingue cet enregistrement live de ses œuvres en studio. C'est cette énergie qui transparaît sur Live in Europe et crée un album plus grand que ce qu'il devrait être. Cela étant dit, ce n'est pas tout à fait aussi puissant que son Irish Tour '74 malgré des set-lists très similaires.
Pas de vrais morceaux médiocres ici, mais "Pistol Slapper Blues" et "Going to My Hometown" mettent en évidence le chef-d'œuvre de Rory en tant que musicien. Les deux morceaux s'appuient sur sa capacité acoustique (guitare et mandoline respectivement) avec une grande cohésion avec le groupe. "Bullfrog Blues", un classique de Gallagher, est un retour merveilleusement exécuté à cette époque. Les vocaux sont relativement contrôlés tout au long de l'album et pas aussi agressifs que certaines de ses autres œuvres en live. Cela pourrait intéresser certains. Pour ceux qui ne connaissent pas le travail de Gallagher, oui, Rory joue de la guitare, de l'harmonica, de la mandoline et il chante.
Dans l'ensemble, l'un des meilleurs albums live de Rory Gallagher et une belle capsule temporelle de ses premières années post-Taste.
La nouvelle vague de Heavy Metal britannique est née en réaction au Punk Rock. C'est l'énergie effrontée et l'éthique du Punk qui ont alimenté le désir de groupes comme Iron Maiden et Def Leppard de ressusciter les leçons enseignées par les créateurs du Heavy Metal du début des années 70 et de les traduire une fois de plus en une forme musicale passionnante.
Peu de groupes ont incarné cette combinaison aussi clairement que Tygers of Pan Tang, dont le premier album Wildcat de 1980, étonnamment brut, devait beaucoup plus au punk qu'au metal en raison de sa vitalité innocente et des capacités techniques limitées du groupe.
Tout ceci permet simplement d'expliquer pourquoi un album aussi imparfait était encore considéré comme un bon album dans les paramètres de son époque et de son lieu.
Menés par les riffs staccato du guitariste Robb Weir et la voix rauque du chanteur Cox, des hard rocks directs mais un peu maladroits comme " Money ", "Suzie Smiled" et "Insanity" sont le plat principal de "Wildcat". Les paroles du chanteur sont particulièrement ridicules sur le premier album " Euthanasia " et le premier single " Don't Touch Me There ", mais le groupe tout entier monte d'un cran sur " Slaves to Freedom " et " Killers ", qui comportent tous deux de solides accroches, un changement de rythme occasionnel, et laissent présager de futures améliorations.
En fait, la plupart des qualités d'amateurisme du groupe disparaîtront avec Cox après cet album, car l'arrivée d'un nouveau chanteur compétent, Jon Deverill, et d'un second guitariste virtuose, John Sykes, élèvera les Tygers à un niveau de musicalité et de finesse tout à fait supérieur.
Suit un second album, "Flirtin' with Disaster" publié en 1979 qui marche tellement bien aux États-Unis qu'il finit par se vendre à plus de deux millions d'exemplaires.
Le titre de l'album a été publié comme un single et avec l'aide de la radio, il est devenu le plus gros Hit de Molly Hatchet à ce jour.
Lorsque Flirtin' with Disaster est arrivé dans les bacs, les Hatchet étaient déjà une véritable force avec laquelle il fallait compter sur le circuit du rock sudiste, avec une base de fans presque équivalente à celle de contemporains comme Skynyrd et les Allmans (qu'ils ont repris sur leur premier album éponyme).
Avec une pochette d'album signée Frank Frazetta qui indique clairement que le groupe est sérieux - le sérieux de la fête et du rock - Flirtin' with Disaster est un tour de force de 40 minutes mené par une triple attaque de guitares et le growl rauque de Danny Joe Brown. L'album se construit lentement de "Whiskey Man" au classique soul rock "It's All Over Now" et culmine avec le brillant morceau-titre - considéré par beaucoup comme le meilleur moment de Hatchet enregistré sur bande analogique.
Il s'agit d'un disque de rock pur et dur, simple et sans fioritures ni concepts nobles. Juste dix chansons conçues pour faire vibrer jusqu'à ce que le soleil se lève sur les marécages de Floride. Et il le fait mieux que la plupart de ses contemporains.
Hier soir, j'ai eu une coupure de courant qui a duré huit heures!
Enfin, ce matin, retour à la normale...
Je peux me replonger dans la musique...
1976: Close Enough For Rock ’N’ Roll
"Close Enough For Rock’N’Roll" est un album de Nazareth paru en 1976.
La première chanson "Telegram" a été un morceau qui a servit d'ouverture de leurs concerts pendant des années.
Même l'image romantique qu'ont de nombreux étrangers de la vie d'une rock star a été désillusionné par exemple, dans "Telegram".
Ils se mettent alors strictement dans le Glam Rock dans une espèce d'attitude de bien-être dans lequel ils furent contraints de s'installer au début de leur propre management.
Black Sabbath se motivait avec ses texte sombre et ses sons de Doom Metal, Uriah Heep se consacrait à des textes de Fantasy, auquels feront appel plus tard quelques groupes de Power Metal et Nazareth met donc le cap sur le Sleaze Rock, dans les traces duquel de nombreux groupes de Metal s'engouffreront dans les années 1980.
Nazareth raconte dans ses chansons des histoires de plus en plus sur le côté sombre de la vie.
Il s'avère, en fait, bien souvent que dans les textes de Nazareth, on retrouve des gangs de rue brutaux, la criminalité et la toxicomanie de toute sorte. Si furieuses et amères que soient les paroles de pas mal de leur chansons, elles sont à l'opposé de l'aspect convivial et authentique de McCafferty et Co en public.
1975: Win, Lose or Draw
Win, Lose or Draw continue dans la tradition établie par l'ABB depuis son premier disque - des originaux funky et des ballades épicées de blues classique et d'œuvres instrumentales teintées de jazz.
"Can't Lose What You Never Had" est une chanson de Muddy Waters qui est entièrement retraitée par The Allman Brothers Band. Leur version est plus lancinante et inquiétante que l'original, avec des passages de slide guitare insidieux. Gregg Allman personnalise un peu les paroles classiques, sur un support syncopé palpitant et entrelacé. Dicky Betts prend la plupart des solos. L'interaction musicale est plus soignée que jamais.
C'est un disque qu'il faut écouter plusieurs fois pour bien en saisir toutes les petites subtilités soignées...
1982 - The Single Factor
Avec Andrew Latimer le seul membre survivant de Camel, "The Single Factor" est dûment enregistré et publié en Avril 1982. Camel inclue naïvement une simple note de bas de page que la maladie d'Andy Ward ne semble pas due à une blessure à la main.
La composition à la demande a produit un curieux mélange de chansons, mais entrer en studio a donné un point lumineux positif inattendu. Au cours de l'enregistrement de "Nude" au studio 3 d'Abbey Road Studios, Alan Parsons Project est alors en train d'enregistrer juste en bas du hall dans le studio 2. Curieux de nature, le chanteur Chris Rainbow et le bassiste chanteur David Paton sont venus voir les sessions de Camel et de nouvelles amitiés se sont forgées. À l'insu de tous, à l'époque, cela a jeté les bases d'un nouveau line up.
Finalement, "The Single Factor" se fera avec une toute nouvelle formation, incluant Rainbow et Paton, ainsi que Anthony Phillips (ex-Genesis), Francis Monkmon (Sky), et les batteurs invités Simon Phillips (The Who, Jeff Beck, Toto), Dave Mattacks (Fairport Convention) et Graham Jarvis (Cliff Richard). Le temps avait guéri le fossé entre Latimer et Bardens et malgré leur styles musicaux opposés, Bardens fait une apparition en invité sur l'album, en nouant de nouvelles amitiés.
"Camel inclue naïvement une simple note de bas de page que la maladie d'Andy Ward ne semble pas due à une blessure à la main.
La composition à la demande a produit un curieux mélange de chansons, mais entrer en studio a donné un point lumineux positif inattendu."
Alors là on atteint des sommets...
A partir d'un certain âge, si on vous donne 10 ans de moins, un conseil : prenez-les !.
Blue Cheer 1969
L'album "Blue Cheer", de style similaire au précèdent, est publié par Philips à la fin de 1969. C'est un succès grâce à "Hello L.A., Bye Bye Birmingham" (une reprise d'un classique du groupe Delaney And Bonnie).
A ce moment-là, "Blue Cheer" présente un line up qui a fini par s'installer autour de Dickie Peterson (basse, chant), avec Bruce Stephens (guitare, chant), Ralph Kellogg (claviers) et Norman Mayell (batterie). Ici et là, en guise de guitariste, chanteur, mais, surtout, d'un excellent compositeur, apparaissent les traces de Gary Yoder, ancien guitariste de KAK.
Le ton est bien différent des premiers albums. Le Blues y est psyché, avec des interventions à la guitare plus limitées en chorus mais aussi plus inventives dans les orchestrations.
Certains morceaux sont 'presque' acoustiques, avec quelques relents de Country et de Rock plus nets que relève d'autant plus le piano. Il reste quelques Blues bien appuyés mais sans le côté Heavy, laissant même la part belle à la slide.
Le groupe a donc changé le vieux niveau sonore de sa psyché primitive obsessionnelle et métallique et la voix de Dickie Peterson affiche une évolution tonale d'âge mûr et la fureur brute et sauvage évoquée dans les albums précèdants semble être assez loin dans le temps.
Pour le groupe, c'est un virage musical, mais celui-ci mérite, quand même, d'être écouté!
L'album démarre avec le furieux "Walk on Hot Coals", où la guitare cinglante de Rory Gallagher et le piano insistant de Lou Martin s'affrontent dans le contexte d'un des rocks classiques de Rory, et présente une image bien équilibrée des influences éclectiques de Gallagher. Un passage acoustique et enjoué du "Banker's Blues" de Big Bill Broonzy (étrangement crédité à Gallagher), le ragtime "Unmilitary Two-Step" ainsi qu'un morceau country inhabituellement simple "If I Had a Reason" avec Rory au lap-steel et Martin faisant son meilleur honky-tonk, brisent efficacement le blues-rock qui reste l'âme de l'album. La pièce maîtresse de l'album, le sombre "Seventh Son of a Seventh Son", enferme le groupe dans un groove marécageux pendant plus de huit minutes, alors que Gallagher abrège son propre solo pour laisser place au piano agressif de Martin. Sur "Hands Off", le guitariste prend même du saxophone, et il montre son slide inspiré de Muddy Waters sur le train chugging "Race the Breeze", l'un des meilleurs morceaux du guitariste.
Spellbound représente une évolution étonnante pour the Tygers of Pan Tang, surtout si l'on considère qu'il est sorti à peine six mois après leur premier album, très rude et peu raffiné. Pour faire simple, l'arrivée du nouveau chanteur polyvalent Jon Deverill et du brillant guitariste John Sykes a permis d'améliorer considérablement la musicalité et les capacités d'écriture des Tygers, permettant au producteur Chris Tsangarides d'obtenir une performance infiniment supérieure (même si elle n'est pas aussi innocemment charmante) du groupe d'un point de vue technique. Avec un métal musclé se situant quelque part entre Def Leppard et Saxon, le groupe revitalisé avait toutes ses bases couvertes et seul MCA pouvait gâcher le potentiel de morceaux mémorables comme "Gangland", "Take It" et le particulièrement accrocheur "The Story So Far".
Parmi les autres points forts, citons "Mirror", l'une des meilleures ballades du groupe, et "Don't Stop By", où Sykes prend le premier grand solo de sa carrière, démontrant à la fois une maîtrise technique stupéfiante et une musicalité fluide qui deviendront sa marque de fabrique. Et malgré quelques ratés, comme l'interlude instrumental inutile "Minotaur" et le plutôt unidimensionnel "Silver and Gold", Spellbound reste l'un des premiers albums les plus cohérents et les plus impressionnants de la Nouvelle Vague de Heavy Metal britannique, et devrait satisfaire tous ceux qui l'écoutent pour la première fois.
Cela ne devrait pas surprendre les fans de Gallagher que Live! en Europe apporte la chaleur. Les performances live présentent le Rory Gallagher que vous n'entendez tout simplement pas sur ses enregistrements solo. Les feux d'artifice de guitare sont plus prononcés et prolongés sur ses œuvres en public, mais sa passion et son énergie sont ce qui distingue cet enregistrement live de ses œuvres en studio. C'est cette énergie qui transparaît sur Live in Europe et crée un album plus grand que ce qu'il devrait être. Cela étant dit, ce n'est pas tout à fait aussi puissant que son Irish Tour '74 malgré des set-lists très similaires.
Pas de vrais morceaux médiocres ici, mais "Pistol Slapper Blues" et "Going to My Hometown" mettent en évidence le chef-d'œuvre de Rory en tant que musicien. Les deux morceaux s'appuient sur sa capacité acoustique (guitare et mandoline respectivement) avec une grande cohésion avec le groupe. "Bullfrog Blues", un classique de Gallagher, est un retour merveilleusement exécuté à cette époque. Les vocaux sont relativement contrôlés tout au long de l'album et pas aussi agressifs que certaines de ses autres œuvres en live. Cela pourrait intéresser certains. Pour ceux qui ne connaissent pas le travail de Gallagher, oui, Rory joue de la guitare, de l'harmonica, de la mandoline et il chante.
Dans l'ensemble, l'un des meilleurs albums live de Rory Gallagher et une belle capsule temporelle de ses premières années post-Taste.
Rocky_Sullivan
Je me souviens que j'écoutais ce disque en boucle ainsi que le Irish tour, il y a longtemps déjà...
Deux grands disques de blues rock, à conseiller à tous les amateurs du genre
