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Sophie's Dream 1976 - Sophie's Dream

Genre: Prog Rock

Bugle, producteur – Martyn Ford
Accordéon – Jack Emblow
Chœurs -- Kay Garner, Liza Strike
Basse – Habi Kull
Batterie, percussions – Thomas Waeber
Piano à queue – Valérie Portmann
Guitare – Hugh Burns, Rolf Müller
Chant principal, claviers – Jürg Keller
Percussions – Morris Pert
Synthétiseur – Steve Nye
Saxophone ténor – Alan Skidmore
Trompette – Paul Cosh

Sophie's Dream a été un groupe Suisse assez confidentiel, ayant enregistré un album éponyme à Londres, ce qui explique la présence de musiciens Anglais, avant de le sortir en Allemagne chez EMI en 1976.
La première face est une longue épopée en six mouvements, avec des hauts et des bas: passages funky, Krautrock Psychédéliques et bruts, et quelques touches de piano classique. Dans l'ensemble, cette face est plutôt réussi, même si les voix, aussi bien homme que femme manquent un peu de relief.
La seconde face, par contre n'est pas du tout à la hauteur: c'est un mélange de Soul, de Blues, de Jazz Pop et de ballades, réparti en six titres un peu trop commerciaux.
N.B.: Sophie's Dream a également sorti plusieurs singles, dont la plupart chantés en dialecte Suisse...

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Biffy Clyro 2009 – Only Revolutions

Genre: Alternative Rock

Producteur – Biffy Clyro, GGGarth
Clarinette basse – Jonathan Sacdalan, Julie Feves
Violoncelle – Erika Duke, George Kim Scholes, Rudolph Stein, Steve Richards
Cor d'harmonie – Joe Meyer
Claviers -- Ben Kaplan et Jamie Muhoberac
Trombone – Alan Kaplan, Steven Holtman
Trompette – Rick Baptist, Wayne Bergeron
Tuba – Douglas Tornquist
Violon – Gerardo Hilera, Joel Derouin, John Wittenberg, Julian Hallmark, Ken Yerke, Natalie Leggett, Philip Vaiman, Roberto Cani, Sara Parkins, Sid Page, Tammy Hatwan, Vladimir Polimatidi
Batterie, chant – Ben Johnston
Basse, chant --James Johnston
Chant, guitare -- Simon Neil

"Only Revolutions" du groupe Ecossais Biffy Clyro, sorti en 2009, révèle ce combo dans sa forme la plus directe et accessible.
Ils tempèrent ses penchants progressifs, privilégiant des morceaux courts et concis, et ils mettent en avant son côté mélodique, notamment grâce à l'enregistrement avec un orchestre symphonique.
L'album propose quelques titres plus doux, comme "God & Satan", "Many of Horror" et "Know Your Quarry", mais c'est bien lorsqu'il laisse libre cours à son énergie que Biffy Clyro excelle.
"That Golden Rule", "Bubbles", "Mountains" et "Boom, Blast & Ruin" sont des morceaux Rock survoltés, au rythme effréné et aux changements de tempo fréquents. Ces titres phares sont incisifs et puissants, tout en étant dotés de mélodies et de riffs mémorables.
L'équilibre Pop / Rock est parfois précaire, comme en témoigne le titre d'ouverture, "The Captain", qui penche, peut-être, un peu trop vers la Pop.
Parmi les morceaux Rock les plus marquants, "Mountains" et le premier single "That Golden Rule" sont excellents, et "Bubbles" est encore meilleur. Avec Josh Homme de Queens of the Stone Age à la deuxième guitare, "Bubbles" a tout pour plaire: des riffs percutants, des jams aventureuses, un refrain accrocheur, une dynamique incisive…
Et c’est le morceau le plus long et le plus réussi, avec cinq minutes de Rock intense, alors que la plupart des autres chansons se terminent une ou deux minutes en molns....

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Zakk Wylde 1996 – Book Of Shadows

Genre: Southern Rock, Hard Rock, Heavy Metal

Producteur -- Howard Albert , Ron Albert
Basse – James LoMenzo , Zakk Wylde
Batterie, claviers – Joe Vitale
Mixé par – Bob Clearmountain
Piano – Joe Vitale
Chant, chœurs, guitare électrique, guitare acoustique, harmonica, piano, claviers – Zakk Wylde

Après plusieurs années passées avec Ozzy Osbourne et un album enregistré avec le trio de Heavy Rock sSudiste, Pride & Glory, le guitariste Zakk Wylde a sorti son premier album solo, "Book of Shadows", en 1996.
Naturellement, l'album est une véritable vitrine pour la guitare, chaque morceau regorgeant d'un ou deux solos éblouissants. Rien d'étonnant, bien sûr, la surprise résidant dans la diversité musicale qui s'y déploie.
Wylde offre, certes, à l'auditeur des morceaux Rock puissants, mais il s'aventure aussi par moments dans le Blues, la Country et le Folk.
Cette diversité rend "Book of Shadows" plus accessible à un large public que la plupart des albums de guitaristes. Cependant, ses talents de compositeur restent limités, car si le jeu instrumental est mémorable, les mélodies, elles, le sont plus rarement.
Néanmoins, la qualité des morceaux instrumentaux est telle qu'ils méritent amplement l'écoute des amateurs de guitare, et certains titres devraient ravir les fans de Boogie Rock pur et dur...

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Abstract Truth 1970 – Totum

Genre: Prog Rock, Psychedelic Rock

Basse, chant – Brian Gibson
Flûte, Saxophone – Sean Bergin
Guitare, sitar, chant – Ken E Henson
Percussions – Robbie Pavid

"Totum", sorti en 1970, est un album du groupe Sud-Africain éphémère, Abstract Truth .
Le style musical est un mélange parfaitement réussi de Folk Progressif et de Rock Psychédélique.
L'album comprend plusieurs reprises, et elles sont plutôt bien réussies. La version de "Scarborough Fair" en est un bon exemple car c'est une interprétation magistrale de cette ballade Anglaise classique.
L'album est assez long, mais cela a bien peu d'importance car les morceaux sont suffisamment intéressants pour captiver l'auditeur. Certains diront qu'ils auraient dû se passer de certaines reprises, mais cela dépend des goûts de chacun.
Le dernier morceau, 3"Total Totum (Acid Raga)", se démarque nettement des autres; c'est un excellent titre Raga Rock, certainement un des points forts de l'album.
Globalement, "Totum" est un album réussi et cohérent.
A écouter absolument!...

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Sagittarius 1969 - The Blue Marbles

Genre: Folk Rock, Psychedelic Rock, Sunshine Pop

"The Blue Marble" de Sagittarius, paru en 1969, est un bon album.
C'est un des premiers albums où le synthétiseur Moog est omniprésent. Bien sûr, les Beatles l'avaient utilisé la même année sur "Abbey Road". Bref, le Moog ne fonctionne pas toujours, mais parfois il s'intègre bien et le résultat est des plus corrects.
C'est de la Pop légère et ensoleillée, avec beaucoup de Moog par-dessus. Seulement quelques mélodies ou riffs sont vraiment mémorables, mais ça reste un album correct, facile à écouter.
En fait, la seconde face est globalement très agréable, même si elle n'a rien d'exceptionnel.
Quant à la première face, elle présente quelques défauts. Tout d'abord, il est surprenant que Gary Usher ait choisi d'ouvrir l'album avec une reprise de "In My Room" des Beach Boys. Certes, il a co-écrit la chanson et sa version est plutôt réussie. Mais cela donne tout de même l'impression que si cette interprétation est le point fort de "The Blue Marble", l'album est de second ordre. Cette impression est renforcée par le morceau suivant, "From You Unto Us', qui est quelque peu déroutant.
Pour le reste, l'album s'écoute avec plaisir.
Ce n'est pas un chef-d'œuvre, mais le morceau titre, "In My Room", "Gladys" et "Cloud Talk" sont de véritables délices psychédéliques planants.
C'est surtout l'une des premières utilisations du Moog dans la musique psychédélique…

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The Dudek, Finnigan, Krueger Band 1980 – DFK

Genre: Rock, Pop

Producteurs -- Andy Johns et James Newton Howard
Basse – Trey Thompson
Congas – Bobbye Hall
Batterie, percussions – Bill Meeker
Slide Guitare, Guitare, Chant – Les Dudek
Guitare, chant – Jim Krueger
Claviers – James Newton Howard
Claviers, chant – Max Groenthal, Mike Finnigan

"DFK", sorti en 1980 est l'unique album du "supergroupe", The Dudek, Finnigan, Krueger Band.
Nombreux sont ceux qui connaissent le guitariste Les Dudek comme musicien de studio pour des artistes tels que Boz Scaggs, The Allman Brothers Band, Cher, Stevie Nicks et Steve Miller Band, mais il a également sorti quelques bons albums solo à la fin des années 70 et au début des années 80.
Il est accompagné par Mike Finnigan, ancien claviériste de Dave Mason / Big Brother & the Holding Company / Crosby, Stills & Nash, de Jim Krueger, guitariste de Dave Mason, de Bill Meeker, batteur de Jazz / Rock, et de Trey Thompson, bassiste. On retrouve également Max Gronenthal (claviers / chant), James Newton Howard (claviers, également producteur de l'album) et Bobbye Hall (congas).
L'album "DFK", à tendance Pop, mêle subtilement Jazz, Funk, Rock et Prog, dans la lignée de groupes comme Ambrosia, Toto, Steely Dan et les Doobie Brothers.
Ce disque met avant tout en avant ses chansons, et il y en a de très bonnes.
Avec ses mélodies entraînantes, son jeu d'ensemble précis et ses solos de guitare et de clavier savoureux, c'est un véritable régal du début à la fin. Les riffs de guitare entrelacés de Dudek et Krueger mettent en valeur le Pop Rock mémorable de "It's All About You". "Angels Fall" et "Just Like the Weather" possèdent une légère touche de Prog décalé qui s'allie à leurs qualités Pop bien écrites. On retrouve également "Drinkin' Alone", un morceau Rock entraînant avec des solos de guitare impressionnants de Dudek, le funky "Just Be Happy", le Hard Rock "That's Wrong" avec un solo de slide guitar incisif de Dudek, et le mélange de Fusion, de Funk et de Rock de "You Cut So Deep", un titre aux superbes harmonies vocales et à l'interaction agréable entre claviers et guitare.
Le chant, assuré par les trois membres principaux, est d'une grande qualité, ce qui confère aux morceaux une belle variété.
Bref, c'est un disque à écouter sans tarder!...

[Titis]

Biffy Clyro 2009 – Only Revolutions

Genre: Alternative Rock

Producteur – Biffy Clyro, GGGarth
Clarinette basse – Jonathan Sacdalan, Julie Feves
Violoncelle – Erika Duke, George Kim Scholes, Rudolph Stein, Steve Richards
Cor d'harmonie – Joe Meyer
Claviers -- Ben Kaplan et Jamie Muhoberac
Trombone – Alan Kaplan, Steven Holtman
Trompette – Rick Baptist, Wayne Bergeron
Tuba – Douglas Tornquist
Violon – Gerardo Hilera, Joel Derouin, John Wittenberg, Julian Hallmark, Ken Yerke, Natalie Leggett, Philip Vaiman, Roberto Cani, Sara Parkins, Sid Page, Tammy Hatwan, Vladimir Polimatidi
Batterie, chant – Ben Johnston
Basse, chant --James Johnston
Chant, guitare -- Simon Neil

"Only Revolutions" du groupe Ecossais Biffy Clyro, sorti en 2009, révèle ce combo dans sa forme la plus directe et accessible.
Ils tempèrent ses penchants progressifs, privilégiant des morceaux courts et concis, et ils mettent en avant son côté mélodique, notamment grâce à l'enregistrement avec un orchestre symphonique.
L'album propose quelques titres plus doux, comme "God & Satan", "Many of Horror" et "Know Your Quarry", mais c'est bien lorsqu'il laisse libre cours à son énergie que Biffy Clyro excelle.
"That Golden Rule", "Bubbles", "Mountains" et "Boom, Blast & Ruin" sont des morceaux Rock survoltés, au rythme effréné et aux changements de tempo fréquents. Ces titres phares sont incisifs et puissants, tout en étant dotés de mélodies et de riffs mémorables.
L'équilibre Pop / Rock est parfois précaire, comme en témoigne le titre d'ouverture, "The Captain", qui penche, peut-être, un peu trop vers la Pop.
Parmi les morceaux Rock les plus marquants, "Mountains" et le premier single "That Golden Rule" sont excellents, et "Bubbles" est encore meilleur. Avec Josh Homme de Queens of the Stone Age à la deuxième guitare, "Bubbles" a tout pour plaire: des riffs percutants, des jams aventureuses, un refrain accrocheur, une dynamique incisive…
Et c’est le morceau le plus long et le plus réussi, avec cinq minutes de Rock intense, alors que la plupart des autres chansons se terminent une ou deux minutes en molns....

J'ai découvert le groupe avec cet album , je l'avais acheté après une critique presse dans Rock Hard et je n'ai pas été déçu , je prend toujours plaisir à le ressortir

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Hatfield And The North 1993 -Live 1990

Genre: Jazz-Rock, Psychedelic Rock, Prog Rock

Producteurs -- Duncan Smith et Will Ashurst
Basse, chant – Richard Sinclair
Batterie – Pip Pyle
Guitare – Phil Miller
Claviers – Sophia Domancich

"Live 1990" d'Hatfield And The North est un album live sorti en 1993, paru avec une formation de ce groupe issu de la scène de Canterbury reformée.
Il s'agit de leur première apparition depuis leur séparation en 1975. Le claviériste d'origine, Dave Stewart, a refusé de participer et il a été remplacé par la pianiste de Jazz Française, Sophia Domancich, alors membre du groupe Equip'Out du batteur Pip Pyle.
Cette formation se limita à une unique apparition dans l'émission "Bedrock" de Central TV. Outre plusieurs titres du répertoire classique du groupe, une grande partie du concert était consacrée à des morceaux plus récents.
Ce fut le dernier album live de Hatfield And The North jusqu'à sa reformation en 2005-2006...

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Axe 1969 – Axe Music

Genre: Psychedelic Rock, Prog Rock

Guitare acoustique – Roger Hilliard
Basse – Mick Dobbs
Batterie – Steve Gordon
Guitare – Tony Barford
Chant – Vivienne Jones (Count Vivienne)

En 1969, nombre d'artistes majeurs de l'époque, qui avaient auparavant exploré ce genre musical, l'avaient déjà abandonné. Cependant, le Psychédélisme demeurait un ingrédient essentiel de la musique créée par les artistes.
Le groupe Axe est resté incroyablement confidentiel: seuls douze acétates de l'album original, "Axe Music", ont été produits.
Il fallut attendre 1991 pour qu'une version étendue des sessions soit publiée, incluant trois titres studio supplémentaires et un morceau live.
Le morceau d'ouverture, "Here To There", est un bref avant-goût de ce qui attend l'auditeur. Il enchaîne avec l'instrumental "Ahinam (Take 2)", qui exploite les effets phaser sur les riffs de guitare puissants. L'impressionnante performance de Steve Gordon à la batterie compense l'absence de chant. Ces deux chansons sont excellentes, mais ensuite vient le cœur de l'album. "Another Sunset, Another Dawn" est le meilleur titre, offrant à chacun une première véritable immersion dans la voix envoûtante de Count Vivienne. Le morceau reprend le son de guitare incandescent qu'on retrouve sur le reste de l'album. Un parfait exemple de voix féminine éthérée accompagnée d'une ambiance planante et entraînante. On arrive ensuite au morceau le plus long, "The Child Dreams". Il ne faut pas longtemps pour que le riff de guitare captivant, mêlé à la voix douce de Vivienne, nous plonge dans un état hypnotique. Le titre se conclut sur une impression cauchemardesque portée par le chant. Axe s'approprie totalement "A House is not a Motel" de Love, extrait de l'album "Forever Changes". Le son de guitare si particulier et envoûtant, la puissance de la batterie et le savoir-faire incroyable prouvent sans aucun doute qu'Axe méritait une bien plus grande renommée. Après trois titres exceptionnels, "Peace of Mind"reste un morceau agréable, malgré l'absence de cette excitation débordante. Comme toujours, le chant est exceptionnel et il sauve la chanson. L'album enchaîne ensuite avec un autre instrumental, le poignant "Dark Vision". Le dernier morceau studio, "Strange Sights & Crimson Nights", rappelle un peu "Peace of Mind" et la voix envoûtante de Vivienne parvient à transcender les quelques faiblesses de la chanson. Enfin, on découvre la version live du morceau d'ouverture, "Here to There". La qualité sonore n'est pas optimale, mais ce titre reste un témoignage précieux d'une époque révolue.
En résumé,"Axe Music" fut le seul album d'Axe et, bien que le groupe n'ait pas connu d'autres projets, il a créé l'une des plus belles œuvres musicales du genre psychédélique, une œuvre qui a incontestablement traversé les époques...

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NQB 1972 - Two sides of NQB

Genre: Rock & Roll, Glam

Batterie, chant – Anniquea Andreasson
Basse électrique, chant – Wiveca Säven
Guitare, chant – Elisabet Åhlander
Chant principal – Irene Nilsson

NQB fut l'un des tout premiers groupes de Rock féminin Suédois, avec Py Bäckman, originaire d' Iggesund dans le Hälsingland, parmi ses membres.
Le groupe a beaucoup tourné, tant dans les parcs folkloriques Suédois qu'à l'étranger, durant cette période.
Le groupe s'appelait alors New Quidesty Blaise.
En 1971, Il a adopté le nom NQB, lassé des fautes d'orthographe et souhaitant simplifier.
"Two sides of NQB" est sorti en 1972 et ce disque montre que ce groupe était à la hauteur, même à cette époque-là...
Rien de bien original, mais le savoir faire est là!

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Hollis Brown 2013 - Ride On the Train

Genre: Rock

Producteur -- Adam Landry
Piano, orgue – Michael Hesslein

Hollis Brown est un groupe de Rock New-Yorkais dont le nom est inspiré d'une vieille chanson de Bob Dylan.
"Ride On The Train" de Hollis Brown, paru en 2013, est d'une simplicité agréable, d'une franchise rassurante. On y retrouve des influences des Black Crowes, de Sons Of Bill et de Steve Earle, certes, mais la musique de Hollis Brown ne s'appuie ni sur des artistes précis, ni même sur un lieu particulier.
Ce groupe puise son inspiration aussi bien dans le Blues du delta, les plaines du Midwest, le boogie des bayous ou encore l'atmosphère des grandes villes. Le résultat est si familier, si dépouillé, que le groupe risque davantage d'être ignoré que salué.
Pourtant, même si Hollis Brown offre une musique confortable, "Ride On The Train" prouve que le banal, lorsqu'il est bien fait, ne se démodera jamais.
Parmi les titres phares, citons "Walk On Water", "Faith & Love", "Gypsy Black Cat", "When The Weather's Warm" et le morceau titre, mais "Ride On The Train" marque l'arrivée d'un nouveau groupe 'ancien', qui méritait certainement bien plus qu'une simple première partie...

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Astra 2009 - The Weirding

Genre: Psychedelic Rock, Prog Rock

Producteur – Astra
Basse – Stuart Sclater
Batterie, percussions, flûte – David Hurley
Guitare électrique, synthétiseur – Brian Ellis
Chant, guitare électrique, guitare acoustique, synthétiseur, Mellotron, orgue, piano, piano électrique – Conor Riley
Chant, guitare électrique, guitare acoustique, synthétiseur, Mellotron – Richard Vaughan

À la fin des années 90, le Rock Progressif semblait avoir définitivement disparu.
Mais dix ans plus tard, le genre a connu un regain de popularité, comme en témoignent l'arrivée de groupes tels qu'Astra et son premier album, "The Weirding", sorti en 2009, dont la pochette est fortement inspirée par Roger Dean.
"The Weirding" ne se résume pas à une simple démonstration de virtuosité à la guitare.
Le groupe explore également les sonorités planantes des premiers Pink Floyd et King Crimson sur le morceau titre. Cette même approche se retrouve tout au long de l'album, comme en témoignent des titres tels que "Silent Sleep" et "Ouroboros", qui respectent le format classique du Rock Progressif: des morceaux de plus de dix minutes.
Contrairement à beaucoup d'autres groupes de Rock Progressif modernes, Astra se souvient d'une époque où le genre consistait davantage à créer des changements d'ambiance radicaux qu'à se livrer à de simples prouesses instrumentales abrutissantes...

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The Divine Comedy 2006 - Victory For The Comic Muse

Genre: Acoustic, Britpop

Accordéon – Ian Watson
Guitare acoustique, guitare électrique – John Evans
Saxophone baryton, saxophone ténor – Charlotte Glasson
Violoncelle – Chris Worsey, Ian Burdge
Clarinette – Chris Richards
Batterie – Tim Weller
Basse électrique – Dougie Payne
Basse électrique, contrebasse – Simon Little
Flûte – Eliza Marshall
Cor d'harmonie – Matthew Gunner
Harpe – Camilla Pay, Céline Saout
Oboe, Cor Anglais – Ilid Jones
Percussions – Rob Farrer
Trombone – Mike Kearsey
Trompette – Daniel Newell
Alto – John Metcalfe, Reiad Chibah
Violon – Alison Dods, Andrew Haveron, Anna Kirkpatrick, Calina De La Mare, Gillon Cameron, Lucy Wilkins, Rick Koster, Ruth Rogers, Sonia Slany
Chant, claviers, guitare acoustique, guitare électrique, banjo – Neil Hannon

Peu d'artistes seraient capables de composer une Pop de chambre baroque aussi sophistiquée et intelligente.
Neil Hannon est un génie, et l'album "Victory For The Comic Muse", sorti en 2006, le prouve. Toutes les chansons sont si bien écrites et arrangées qu'il semble évident qu'il pourrait en composer indéfiniment.
C'est un excellent album. Peut-être rien de révolutionnaire, mais toujours très agréable. Il n'y a cependant pas beaucoup d'artistes capables de créer une œuvre aussi somptueuse et raffinée que les paroles et la musique de "Count Grassi's Passage Over Piedmont", tout en la rendant si naturelle.
Album étrangement sous-estimé, mais diablement plus excitant... On retrouve les ingrédients d'un Hannon inspiré, avec de l'emphase réjouissante ("The light of day", "Arthur C Clarke's..."), des mélodies parfaites ("Mother dear") et les arrangements fastueux de rigueur ("The plough").
Et un disque qui contient une chanson telle que "A lady of a certain age" ne peut être que précieux : 5 minutes 47 en apesanteur qui rappellent que bien peu d'artistes peuvent rivaliser avec le talent de Hannon dans ce domaine qu'est la Pop sophistiquée et élégante...

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Kadavar 2012 - Kadavar

Genre: Acid Rock, Psychedelic Rock, Hard Rock

Basse – Philipp Lippitz (Mammouth)
Batterie – Christoph Bartelt (Tiger)
Chant, guitare – Christoph Lindemann

Kadavar est un groupe de Heavy Psyché Doom moderne plutôt réussi, comparable aux formations de Rock Gothique underground allemandes du début des années 70 comme Night Sun, Dschinn, ou Tiger B. Smith.
Cependant, à l'instar d'Orchid et d'autres groupes de cette décennie s'inspirant de Black Sabbath, ils souffrent parfois d'une certaine répétitivité dans leurs riffs.
L'album "ponyme des Berlinois Kadavar, sorti en 2012, se démarque parmi le flot de sorties de l'année, notamment grâce à des influences sonores très différentes.
Cet opus, un Stoner Rock à la Hawkwind, Black Sabbath et Blue Cheer, est imprégné de fortes touches de Heavy Psyché et le résultat est plutôt réussi. Le son est ultra Heavy, le duo guitare / basse rustique se livre à une véritable joute rythmique, même pendant les solos.
C'est un son qu'on n'avait pas entendu depuis longtemps, et même si les morceaux sont surtout construits pour mettre en valeur des solos et des ambiances immersives, des titres comme "Black Sun" et "Purple Sage" laissent entrevoir un grand potentiel pour ce groupe.
Un son fuzz, des riffs entraînants et c'est tout simplement excellent. L'album est passé assez vite, mais le son à lui seul est suffisamment chaleureux et groovy pour donner envie de le garder précieusement...

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House Of Lords 1988 – House Of Lords

Genre: Hard Rock, Arena Rock

Producteurs -- Andy Johns et Gregg Giuffria

Sous l'influence de Gene Simmons, bassiste de Kiss, House of Lords n'est qu'une seconde version de Giuffria.
Signé chez Simmons Records, Simmons a exigé un nouveau nom de groupe après avoir pris les rênes de la direction. House of Lords enregistra les titres de son premier album éponyme, initialement prévus pour compléter le troisième album studio de Giuffria. Simmons modifia rapidement la composition du groupe, intégrant le chanteur James Christian et se séparant de David Glen Eisley, l'ancien leader de Giuffria.
Simmons était déterminé à tirer le meilleur parti de ce groupe. Le son est plus Heavy que le faste et l'exubérance de Giuffria, tout en conservant une certaine élégance.
La sortie de "House of Lords" en 1988 réduisit la présence de Greg Giuffria aux claviers, afin de rivaliser avec la pléthore de groupes de Glam Rock Mollywoodiens qui inondaient la scène underground.
House Of Lords joue du Hard Rock comme si sa vie en dépendait. Dommage que le groupe préfère imiter les autres plutôt que de développer un style plus personnel.
Parmi les meilleurs titres, on peut retenir "Pleasure Palace", "Edge Of Your Life", "Hearts Of The World", et deux jolies ballades, "Jealous Heart" et "Love Don't Lie"...

[alcat01]

Taï Phong 1975 – Taï Phong

Genre: Prog Rock

Producteur – Jean Mareska
Batterie, percussions – Stephan Caussarieu
Piano, Orgue, Synthétiseur, Claviers – Jean-Alain Gardet
Chant, basse, guitare acoustique, synthétiseur – Taï Sinh
Chant, guitare électrique, guitare acoustique, guitare slide – Khanh Maï
Chant, guitare électrique, guitare acoustique, violon – Jean-Jacques Goldman

La formation des frères Taï Sinh et Khanh Mai, Taï Phong, est résolument un groupe à part dans le paysage Progressif Français.
Il a compté en son sein jusqu'en 1979, Jean-Jacques Goldman, ce qui lui vaut une relative célébrité.
Taï Phong a su développer un style singulier, entre passages langoureux et envolées nerveuses. Le chant, anglophone, n'est pas le domaine réservé d'un seul homme, mais il est alternativement assuré par Goldman et Khanh Mai.
Ces particularités font de "Taï Phong", paru en 1975, un album assez hétérogène. D'un côté, on trouve les énergiques "Goin' Away" et "Crest": seuls titres à n'être écrit par aucun des deux frères, ils contiennent les passages les plus complexes de l'album et laissent entrevoir la face yessienne du groupe.
De l'autre, des morceaux exécutés sur des tempos beaucoup plus lents, développant une musique propre à la nostalgie et à la rêverie comme le slow "Sister Jane": s'il reste assez convenu sur le fond, celui-ci s'avère assez imparable, le dialogue entre la voix haut perchée de Goldman et les chœurs s'y révélant particulièrement efficace.
Les trois derniers morceaux sont, de loin les plus typiquement progressifs de l'album: les titres s'allongent, les ambiances se posent et la musique très émotionnelle de Taï Phong prend alors toute sa dimension. C'est Khanh qui assure les parties vocales: sa voix douce et fragile fait merveille, parfaitement soutenue par un énorme travail sur les claviers (piano, Moog et orgue Hammond). L'influence la plus criante est certainement Pink Floyd, comme en attestent les développements instrumentaux planants de "Fields of Gold" et sa ligne de basse hypnotique. Citons également l'excellente montée en puissance sur "Out of the Night" où la guitare se fait tout à fait gilmourienne.
"Taï Phong" est un album de très grande classe et sa diversité est tout à fait délibérée.
Le premier album éponyme de Taï Phong, sorti en 1975, est un disque de prog symphonique que l'on peut recommander sans hésiter à tous les fans de prog symphonique.
Il ne présente aucun défaut majeur. c'est assurément un disque solide du début à la fin...

[Pablitta]

Sleepy Sun 2010 - Fever

Genre: Stoner Rock, Psychedelic Rock

Avec son album "Fever", sorti en 2010, Sleepy Sun a propulsé le Blues psychédélique vers une nouvelle dimension.
Le groupe passe d'une ambiance à l'autre tout en conservant la cohérence de l'ensemble. On a l'impression d'écouter un morceau Folk indie intimiste avec une batterie minimaliste, et l'instant d'après, on est plongé dans des solos de guitare endiablés au son puissant et à la batterie Blues Rock groovy.
L'harmonica et le thérémine s'intègrent parfaitement et ils contribuent à la richesse de l'album. Ce que l'on remarque dès la première écoute, c'est la fusion naturelle des voix masculine et féminine, qui ne font plus qu'une.
Sans aucun doute, les points forts de ce disque sont le chant et la batterie, qui offrent respectivement une performance envoûtante et planante.
Cela ne diminue en rien la qualité des autres éléments: la basse et la guitare les mettent en valeur et les soutiennent à bon escient, tout en ayant également leurs moments de gloire...

Connaissais pas. Fort appréciable.
Merci pour ce coup d'éclairage.

[alcat01]

Robbie Krieger 1977 – Robbie Krieger & Friends

Genre: Jazz, Pop

Basse – Bob Glaube, Kenny Wild, Reggie McBride, Sal Marquez
Bongos – Eddie Talamantes
Clavichorde – Ron Stockert, Sal Marquez
Congas – Perico
Batterie – Bruce Gary, Ed Green
Guitare – Robbie Krieger
Orgue – Greg Mathieson, Jimmy Smith, Stu Goldberg
Piano – Sal Marquez
Saxophone – Joel Peskin
Synthétiseur – Sal Marquez, Stu Goldberg
Timbales – Eddie Talamantes, Bruce Gary
Trombone – Jock Ellis
Trompette – Gary Barone, Sal Marquez
Chant – Afreeka Trees, Robbie Krieger, Sharon Robinson

Le premier album solo de Krieger, sorti en 1977, s'intitule "Robby Krieger & Friends', les « 'amis' étant une douzaine de musiciens de studio de renom.
Il s'agit du premier album de Robby après l'échec du Butts Band et il entame alors une longue carrière d'albums instrumentaux.
Cinq des huit morceaux sont de bons instrumentaux Rock, montrant que Krieger fait sa propre Fusion Jazz avec style.
Les trois autres titres témoignent de son intérêt constant pour le Funk Rock. "Uptown" sonne presque comme un thème de film de Blaxploitation, avec deux chanteuses qui répètent le titre à plusieurs reprises.
Krieger ne semble pas chercher à ressasser le passé sur cet album.
"Robbie Krieger & Friends" est un album atypique dans la carrière de Krieger, un disque aux accents Jazz amplement mérités! La guitare est mise à rude épreuve sur les rythmes Fusion, souvent plus Jazz que Rock, avec des claviers particulièrement réussis de Stu Goldberg et Sal Marquez, ce dernier ayant signé la plupart des arrangements Soul...

[alcat01]

Zakk Sabbath 2020 – Vertigo

Genre: Heavy Metal, Blues Rock, Doom Metal

Guitare solo, chant, harmonica, production -- Zakk Wylde
Basse – Blasko
Batterie – Joey "C" Castillo

Pour enregistrer "Vertigo", sorti en 2020, Zakk Sabbath a repris la version Nord-Américaine de l'album éponyme de Black Sabbath, modifiée avec l'ajout de "Wicked World", au lieu de la version originale Britannique avec "Evil Woman".
C'est un vibrant hommage acceptable et parfois divertissant. Zakk sait manifestement jouer de la guitare et l'album comporte quelques moments passables, mais sa voix est vraiment faiblarde par rapport à Ozzy.
C'est manifestement la faiblesse de cet opus, Zakk s'en sort vocalement de façon crédible, mais ça devient trop vite lassant.
L'ancienne section rythmique de Danzig est une solide équipe d'accompagnement et, Blasko, comme Wylde, a aussi été musicien de studio pour Ozzy; il y a donc une communauté musicale assez logique.
Malgré tout, personne n'atteint la magnificence des membres de Black Sabbath, et l'album n'est malheureusement captivant que sporadiquement.
Cela ne vaudra jamais l'original, et c'est tant mieux!..

[Danzik]

Taï Phong 1975 – Taï Phong

Genre: Prog Rock

Producteur – Jean Mareska
Batterie, percussions – Stephan Caussarieu
Piano, Orgue, Synthétiseur, Claviers – Jean-Alain Gardet
Chant, basse, guitare acoustique, synthétiseur – Taï Sinh
Chant, guitare électrique, guitare acoustique, guitare slide – Khanh Maï
Chant, guitare électrique, guitare acoustique, violon – Jean-Jacques Goldman

La formation des frères Taï Sinh et Khanh Mai, Taï Phong, est résolument un groupe à part dans le paysage Progressif Français.
Il a compté en son sein jusqu'en 1979, Jean-Jacques Goldman, ce qui lui vaut une relative célébrité.
Taï Phong a su développer un style singulier, entre passages langoureux et envolées nerveuses. Le chant, anglophone, n'est pas le domaine réservé d'un seul homme, mais il est alternativement assuré par Goldman et Khanh Mai.
Ces particularités font de "Taï Phong", paru en 1975, un album assez hétérogène. D'un côté, on trouve les énergiques "Goin' Away" et "Crest": seuls titres à n'être écrit par aucun des deux frères, ils contiennent les passages les plus complexes de l'album et laissent entrevoir la face yessienne du groupe.
De l'autre, des morceaux exécutés sur des tempos beaucoup plus lents, développant une musique propre à la nostalgie et à la rêverie comme le slow "Sister Jane": s'il reste assez convenu sur le fond, celui-ci s'avère assez imparable, le dialogue entre la voix haut perchée de Goldman et les chœurs s'y révélant particulièrement efficace.
Les trois derniers morceaux sont, de loin les plus typiquement progressifs de l'album: les titres s'allongent, les ambiances se posent et la musique très émotionnelle de Taï Phong prend alors toute sa dimension. C'est Khanh qui assure les parties vocales: sa voix douce et fragile fait merveille, parfaitement soutenue par un énorme travail sur les claviers (piano, Moog et orgue Hammond). L'influence la plus criante est certainement Pink Floyd, comme en attestent les développements instrumentaux planants de "Fields of Gold" et sa ligne de basse hypnotique. Citons également l'excellente montée en puissance sur "Out of the Night" où la guitare se fait tout à fait gilmourienne.
"Taï Phong" est un album de très grande classe et sa diversité est tout à fait délibérée.
Le premier album éponyme de Taï Phong, sorti en 1975, est un disque de prog symphonique que l'on peut recommander sans hésiter à tous les fans de prog symphonique.
Il ne présente aucun défaut majeur. c'est assurément un disque solide du début à la fin...

Très bon album que ce 1er opus de Taï Phong , le seul que j'ai eu d'eux, et en vinyl bien sur !

La pochette est somptueuse en plus : merci pour cette plongée dans les 70's.