Guitare, chant, production – Boubacar Traoré
Producteur – Habib Koité
Choeurs, Guitare – Habib Koité
Chœurs, guitare, harmonica – Boubacar Sidibé
Balafon, Percussion – Le Meilleur De Baba Sissoko
Balafon, Violin – Kélétigui Diabaté
Basse – Abdoul Wahab Berthe
Batterie – Souleymane Ann
Batterie, percussions, djembé, chœurs – Sidiki Camara
À l'instar d' Ali Farka Touré, Boubacar Traoré, également connu sous le nom de Kar Kar, est un maître du style Malien unique, teinté de Blues.
Son album "Maciré", paru en 1999, en est le parfait exemple.
Des rythmes chaloupés et doux, aux subtiles polyrythmies, imprègnent ces chansons très personnelles, interprétées par le ténor plaintif et rauque de Traoré. Le morceau titre est particulièrement poignant, mêlant son amour pour son frère à son respect pour le général Soumaré, l'un des artisans de l'indépendance du Mali.
Le style de guitare de Traoré fusionne avec subtilité des univers lointains en un son cohérent, chaleureux et intimiste: l’atmosphère suspendue, rêveuse et introspective est typiquement Africaine, l’élégance évocatrice des ornements rappelle fortement le folklore Britannique, et la trame inspirante puise sans aucun doute dans le Blues Américain.
L’album est d’une finesse exquise, bucolique, mais les compositions ne sont pas aussi brillantes que le style lui-même.
L'interprétation et la production de cet album sont magnifiques, et Traoré est toujours très captivant...
Avec son album "Fever", sorti en 2010, Sleepy Sun a propulsé le Blues psychédélique vers une nouvelle dimension.
Le groupe passe d'une ambiance à l'autre tout en conservant la cohérence de l'ensemble. On a l'impression d'écouter un morceau Folk indie intimiste avec une batterie minimaliste, et l'instant d'après, on est plongé dans des solos de guitare endiablés au son puissant et à la batterie Blues Rock groovy.
L'harmonica et le thérémine s'intègrent parfaitement et ils contribuent à la richesse de l'album. Ce que l'on remarque dès la première écoute, c'est la fusion naturelle des voix masculine et féminine, qui ne font plus qu'une.
Sans aucun doute, les points forts de ce disque sont le chant et la batterie, qui offrent respectivement une performance envoûtante et planante.
Cela ne diminue en rien la qualité des autres éléments: la basse et la guitare les mettent en valeur et les soutiennent à bon escient, tout en ayant également leurs moments de gloire...
Connaissais pas. Fort appréciable.
Merci pour ce coup d'éclairage.
La formation des frères Taï Sinh et Khanh Mai, Taï Phong, est résolument un groupe à part dans le paysage Progressif Français.
Il a compté en son sein jusqu'en 1979, Jean-Jacques Goldman, ce qui lui vaut une relative célébrité.
Taï Phong a su développer un style singulier, entre passages langoureux et envolées nerveuses. Le chant, anglophone, n'est pas le domaine réservé d'un seul homme, mais il est alternativement assuré par Goldman et Khanh Mai.
Ces particularités font de "Taï Phong", paru en 1975, un album assez hétérogène. D'un côté, on trouve les énergiques "Goin' Away" et "Crest": seuls titres à n'être écrit par aucun des deux frères, ils contiennent les passages les plus complexes de l'album et laissent entrevoir la face yessienne du groupe.
De l'autre, des morceaux exécutés sur des tempos beaucoup plus lents, développant une musique propre à la nostalgie et à la rêverie comme le slow "Sister Jane": s'il reste assez convenu sur le fond, celui-ci s'avère assez imparable, le dialogue entre la voix haut perchée de Goldman et les chœurs s'y révélant particulièrement efficace.
Les trois derniers morceaux sont, de loin les plus typiquement progressifs de l'album: les titres s'allongent, les ambiances se posent et la musique très émotionnelle de Taï Phong prend alors toute sa dimension. C'est Khanh qui assure les parties vocales: sa voix douce et fragile fait merveille, parfaitement soutenue par un énorme travail sur les claviers (piano, Moog et orgue Hammond). L'influence la plus criante est certainement Pink Floyd, comme en attestent les développements instrumentaux planants de "Fields of Gold" et sa ligne de basse hypnotique. Citons également l'excellente montée en puissance sur "Out of the Night" où la guitare se fait tout à fait gilmourienne.
"Taï Phong" est un album de très grande classe et sa diversité est tout à fait délibérée.
Le premier album éponyme de Taï Phong, sorti en 1975, est un disque de prog symphonique que l'on peut recommander sans hésiter à tous les fans de prog symphonique.
Il ne présente aucun défaut majeur. c'est assurément un disque solide du début à la fin...
Très bon album que ce 1er opus de Taï Phong , le seul que j'ai eu d'eux, et en vinyl bien sur !
La pochette est somptueuse en plus : merci pour cette plongée dans les 70's.
Je ne connais que celui-là, mais je le trouve très bon!
The Divine Comedy 2006 - Victory For The Comic Muse
Genre: Acoustic, Britpop
(...)
Peu d'artistes seraient capables de composer une Pop de chambre baroque aussi sophistiquée et intelligente.
Neil Hannon est un génie, et l'album "Victory For The Comic Muse", sorti en 2006, le prouve. Toutes les chansons sont si bien écrites et arrangées qu'il semble évident qu'il pourrait en composer indéfiniment.
C'est un excellent album. Peut-être rien de révolutionnaire, mais toujours très agréable. Il n'y a cependant pas beaucoup d'artistes capables de créer une œuvre aussi somptueuse et raffinée que les paroles et la musique de "Count Grassi's Passage Over Piedmont", tout en la rendant si naturelle.
Album étrangement sous-estimé, mais diablement plus excitant... On retrouve les ingrédients d'un Hannon inspiré, avec de l'emphase réjouissante ("The light of day", "Arthur C Clarke's..."), des mélodies parfaites ("Mother dear") et les arrangements fastueux de rigueur ("The plough").
Et un disque qui contient une chanson telle que "A lady of a certain age" ne peut être que précieux : 5 minutes 47 en apesanteur qui rappellent que bien peu d'artistes peuvent rivaliser avec le talent de Hannon dans ce domaine qu'est la Pop sophistiquée et élégante...
Là, on tutoie ... le divin
Fabuleux album ! Comme quasiment tout The Divine Comedy d'ailleurs.
Guitare, chant, production – Boubacar Traoré
Producteur – Habib Koité
Choeurs, Guitare – Habib Koité
Chœurs, guitare, harmonica – Boubacar Sidibé
Balafon, Percussion – Le Meilleur De Baba Sissoko
Balafon, Violin – Kélétigui Diabaté
Basse – Abdoul Wahab Berthe
Batterie – Souleymane Ann
Batterie, percussions, djembé, chœurs – Sidiki Camara
À l'instar d' Ali Farka Touré, Boubacar Traoré, également connu sous le nom de Kar Kar, est un maître du style Malien unique, teinté de Blues.
Son album "Maciré", paru en 1999, en est le parfait exemple.
Des rythmes chaloupés et doux, aux subtiles polyrythmies, imprègnent ces chansons très personnelles, interprétées par le ténor plaintif et rauque de Traoré. Le morceau titre est particulièrement poignant, mêlant son amour pour son frère à son respect pour le général Soumaré, l'un des artisans de l'indépendance du Mali.
Le style de guitare de Traoré fusionne avec subtilité des univers lointains en un son cohérent, chaleureux et intimiste: l’atmosphère suspendue, rêveuse et introspective est typiquement Africaine, l’élégance évocatrice des ornements rappelle fortement le folklore Britannique, et la trame inspirante puise sans aucun doute dans le Blues Américain.
L’album est d’une finesse exquise, bucolique, mais les compositions ne sont pas aussi brillantes que le style lui-même.
L'interprétation et la production de cet album sont magnifiques, et Traoré est toujours très captivant...
Pour moi cet album est un chef-d'œuvre, j'ai trouvé le cd il y a Quelques années et je le trouve toujours aussi génial
Guitare, chant, production – Boubacar Traoré
Producteur – Habib Koité
Choeurs, Guitare – Habib Koité
Chœurs, guitare, harmonica – Boubacar Sidibé
Balafon, Percussion – Le Meilleur De Baba Sissoko
Balafon, Violin – Kélétigui Diabaté
Basse – Abdoul Wahab Berthe
Batterie – Souleymane Ann
Batterie, percussions, djembé, chœurs – Sidiki Camara
À l'instar d' Ali Farka Touré, Boubacar Traoré, également connu sous le nom de Kar Kar, est un maître du style Malien unique, teinté de Blues.
Son album "Maciré", paru en 1999, en est le parfait exemple.
Des rythmes chaloupés et doux, aux subtiles polyrythmies, imprègnent ces chansons très personnelles, interprétées par le ténor plaintif et rauque de Traoré. Le morceau titre est particulièrement poignant, mêlant son amour pour son frère à son respect pour le général Soumaré, l'un des artisans de l'indépendance du Mali.
Le style de guitare de Traoré fusionne avec subtilité des univers lointains en un son cohérent, chaleureux et intimiste: l’atmosphère suspendue, rêveuse et introspective est typiquement Africaine, l’élégance évocatrice des ornements rappelle fortement le folklore Britannique, et la trame inspirante puise sans aucun doute dans le Blues Américain.
L’album est d’une finesse exquise, bucolique, mais les compositions ne sont pas aussi brillantes que le style lui-même.
L'interprétation et la production de cet album sont magnifiques, et Traoré est toujours très captivant...
Pour moi cet album est un chef-d'œuvre, j'ai trouvé le cd il y a Quelques années et je le trouve toujours aussi génial
Chœurs, chant – Wilmer Waarbroek
Flûte basse – Jeroen Goossens
Violoncelle – Maaike Peterse, Maaike
Flûte contrebasse – Jeroen Goossens
Batterie – Ed Warby
Guitare électrique, guitare acoustique, basse, mandoline, synthétiseur analogique, orgue Hammond, synthétiseur Solina Strings – Arjen Anthony Lucassen
Flûtes – Jeroen Goossens
Guitare – Steve Hackett
Bouzouki irlandais – Michael Mills
Claviers – Jordan Rudess, Keith Emerson
Sifflet bas – Troy Donockley
Piano – Rick Wakeman
Synthétiseur – Rick Wakeman
Sifflet aigu – Troy Donockley
Uilleann Pipes – Troy Donockley
Violon – Ben Mathot
Chant – Cristina Scabbia, JB, John Wetton, Marco Hietala, Michael Mills, Sara Squadrani, Tommy Karevik
"The Theory Of Everything" d'Ayreon, sorti en 2013, est un double album d'une heure et demie. Il comprend 42 titres, ce qui signifie que les chansons sont courtes, dont beaucoup semblent inutilement coupées en deux. Les morceaux s'enchaînent comme une seule et même pièce de théâtre, ponctuée de brefs interludes instrumentaux.
Stylistiquement, l'album se rapproche de "The Human Equation", mais il n'atteint pas tout à fait le même impact. On y retrouve la panoplie habituelle d'instruments et une pléiade de chanteurs de talent.
Musicalement, il est d'une grande richesse, et avec des invités comme Jordan Rudess, Keith Emerson, Rick Wakeman et Steve Hackett, ce n'est pas vraiment surprenant.
Il ne s'agit pas, cette fois, d'un récit de science-fiction avec des extraterrestres et des voyages dans le temps; c'est simplement l'histoire d'un jeune garçon surdoué, incroyablement intelligent mais incapable de mener une vie sociale normale.
Son père, égoïste, souhaite utiliser un médicament expérimental pour satisfaire ses propres besoins, tandis que la mère refuse catégoriquement de soumettre son fils à cet essai clinique.
Malgré une légère déception, cet album reste typique d'Ayreon, ce qui est une excellente chose. C'est une œuvre remarquable dans le genre Opéra Rock...
Sur "Abra Kadavar", paru en 2013, Kadavar joue un Hard Rock chaleureux, dans le style des années 70. Tour à tour énergique et groovy, avec des solos de guitare incontournables et une puissance bien dosée.
Cet opus est supérieur à l'excellent premier album, éponyme, du groupe. Les compositions sont plus abouties, le jeu plus précis et la production semble de meilleure qualité.
"Abra Kadavar regorge de riffs et d'improvisations 'géniaux', comme en 1974, et c'est quasiment un gage de qualité.
Ce groupe est très bons dans son domaine et il sait composer des morceaux qui déchirent et cet album est assez sympathique et il mérite qu'on s'y intéresse si on aime le Rock rétro et planant à la Black Sabbath...
Producteur – Andy Johns, House Of Lords
Basses, Basse 8 cordes – Chuck Wright
Batterie, batterie électronique, chœurs – Ken Mary
Guitare, chœurs – Michael Guy
Claviers, chœurs : Gregg Giuffria
Guitare solo – James Christian
Avec "Sahara", sorti en 1990, House of Lords reste fidèle à son style. Pas d'évolution artistique, pas d'intégration d'influences extérieures.
Le mélange de Hard Rock mélodique et percutant est parfaitement maîtrisé.
"Sahara" contient suffisamment de titres qui donnent envie aux fans de Hard Rock mélodique d'y reveni. Quelques morceaux sont moins bons, mais il n'y rien de mauvais.
Le principal atout de cet opus réside principalement dans sa variété: on y trouve des morceaux Rock puissants comme le titre d'ouverture "Shoot" ou le rapide "Kiss of Fire", le morceau titre épique avec son intro atmosphérique aux percussions tribales et aux claviers mélancoliques, une excellente reprise de "Can't find my way home" de Blind Faith, l'incontournable ballade "Remember my Name", et le titre érotique "Laydown staydown", aussi vulgaire que peut l'être un groupe nommé House of Lords. "American Babylon" n'est pas des plus palpitants, mais ses rimes sont plutôt amusantes. Les autres morceaux, "Chains of Love" et "It ain't Love", s'intègrent parfaitement et concluent l'album en beauté.
Les fans du premier album l'apprécieront sans doute, mais ceux qui ne sont pas friands de Hard Rock mélodique ne seront certainement pas convertis...
L'album éponyme de Il Bacio Della Medusa, paru en 2008, rend bien hommage aux maîtres du Rock Progressif Italien.
Mais c'est un album puissant et moderne. Il pourrait tout aussi bien passer pour du Hard Rock sophistiqué que pour du Progressif Symphonique.
En 2004, le mouvement Retro Progressif connaissait un passage à vide, et il semblait que tous les groupes Italiens émergents étaient soit des fanatiques de Prog Metal, soit des groupes Neo-progressifs à la Néerlandaise chantant en Anglais.
Et c'est alors que débarque Il Bacio della Medusa, avec ses flûtes, ses chants italiens déjantés, sa dynamique explosive, avec même un accordéon, et une profusion d'idées qu'il ne pouvait maîtriser à l'époque.
Rétrospectivement, c'est un excellent album, dont le seul défaut réside peut-être dans ces guitares un peu trop saturées, qui contrastent avec l'approche globale.
"Il Bacio della Medusa" est un album très réussi pour un groupe à l'avenir prometteur. Du Prog Italien passionné, où le Rock direct et sans concession trouve sa place au milieu des passages les plus Progressifs.
Fortement recommandé...
Producteur – Todd Rundgren
Basse – Denny Gerrard
Batterie – Frank De Felice
Guitare, chant – Fred Keeler
Claviers, chant – Gord Fleming
Le groupe Canadien éphémère et peu connu, Jericho, a sorti un album éponyme en 1971, produit par Todd Rundgren à ses débuts.
Jericho s'était formé en 1970. Ce quatuor était composé de vétérans de la scène musicale Canadienne. Le batteur Frank de Felice avait été membre de Grant Smith and the Power. Le claviériste Gord Fleming avait joué dans Luke & The Apostle et, avec le guitariste Fred Keeler, il avait fait partie des Shays (le premier groupe de David Clayton-Thomas). Le bassiste Denny Gerrard avait été membre des Paupers.
L'ancien guitariste soliste des Paupers, Chuck Beal, aurait apparemment été à l'origine de la formation du groupe et de leur signature chez Bearsville, label affilié à Ampex.
Contrat en poche, le groupe était entré aux studios Bearsville de Woodstock, avec le jeune Todd Rundgren à la production et à l'ingénierie du son.
"Jericho" est un album solide, à la production soignée, avec quatre titres Blues / Hard Rock puissants!
Enregistré en 1971, l'album présente une sélection majoritairement originale de compositions de Fleming et Keeler. Sa réputation sur scène le présente comme un groupe de Blues, une réputation confirmée par des titres comme "Baby's Gone Again" et une reprise de "Fool Killer" de Moses Allison. L'influence de The Band était également perceptible sur des morceaux comme le Rock d'ouverture "True Fine Girl", "SS #4" et l'hymne festif "Goin' To The Country". "Lonely As Me", "Cheater Man" et "Can’t Seem To Make It Happen", sont excellents.
L'album est d'une qualité professionnelle irréprochable. Fleming est un claviériste talentueux. Le jeu de guitare de Keeler est tout aussi impressionnant, il suffit d'écouter son jeu incisif sur le morceau Blues Rock "Do You Want Me".
A écouter absolument!...
En 2024, Zakk Sabbath est de retour avec un double album, "Doomed Forever Forever Doomed" qui rassemble les reprises par le groupe des albums de Black Sabbath, "Paranoid" (1970) et "Master of Reality" (1971).
Le disque semble incontournable pour tout fan de Metal ou de Rock. Il rend pleinement justice à l'excellence de Black Sabbath. Zakk Sabbath incarne véritablement l'esprit des morceaux qu'il reprend.
L'histoire de Zakk Wylde est intimement liée à celle d'Ozzy Osbourne. Il n'avait que 19 ans lorsqu'il a rencontré Osbourne. Par ailleurs, Blasko, le bassiste de Rob Zombie, a été l'un des plus fidèles complices d'Ozzy. Il est l'un des bassistes et managers les plus talentueux du milieu. Le batteur Joey "C" Castillo, qui avait joué avec Danzig et Queens of the Stone Age, est le pilier idéal pour compléter le trio.
L'alchimie du groupe est parfaite, et son assurance et sa maîtrise technique sont tout simplement exceptionnelles. Son énergie reste remarquable tout au long de l'album.
Bien que les morceaux restent fidèles à l'essence des originaux, le groupe y apporte sa touche personnelle. Les titres diffèrent suffisamment des versions de Black Sabbath pour offrir une impression de nouveauté réjouissante.
Aussi rafraîchissant que soit "Doomed Forever Forever Doomed", il sonne comme un album vintage. La production très professionnelle permet d'apprécier pleinement le travail de chaque musicien sans altérer le caractère de la musique. Le mixage est parfait. La production est signée Zakk Wylde, avec la participation de Jay Ruston et Adam Fuller.
La voix de Wylde ressemble souvent étrangement à celle d'Osbourne. Même son phrasé est parfait. Sa voix ample et puissante est pourtant bien plus grave que celle d'Osbourne. Ses solos, lorsqu'ils surviennent, sont toujours éblouissants. Impossible de ne pas être impressionné par son jeu de guitare. "Rat Salad" est l'occasion idéale d'apprécier la virtuosité de Castillo à la batterie. Le talent de Blasko pousse l'auditeur à admirer les superbes lignes de basse de Geezer Butler.
Le groupe souligne le caractère intemporel de la musique de Black Sabbath. La palette sonore de "Doomed Forever Forever Doomed" témoigne de la polyvalence de ce groupe.
Des morceaux comme le magnifique instrumental "Orchid" et le mélancolique "Solitude", qui présente une interprétation vocale très différente de l'original, mettent en lumière toute la palette d'armes dont Black Sabbath disposait dans son arsenal.
"Doomed Forever Forever Doomed" est peut-être même l'un des meilleurs albums de reprises jamais réalisés...
Producteur – Gonzalo Rainoldi, Humo Del Cairo
Basse – Gustavo Bianchi
Batterie, percussions – Javier Murillo
Guitare, chant – Juan Manuel Díaz
Humo Del Cairo est un trio de Heavy Psyché / Stoner Rock originaire de Buenos Aires, en Argentine, formé en 2004.
Son premier album, éponyme, sorti en 2010, impressionnant, propose six longs morceaux inspirés par Los Natas, Black Sabbath, Kyuss, Jimi Hendrix, Pappo's Blues et Color Humano.
Le son de l'album est marqué par le Stoner et le Hard Rock des années 70, le Psychédélisme et de longues jams.
Humo Del Cairo s'est produit lors de divers spectacles dans la ville de Buenos Aires, participant à différents festivals tels que Pepsi Music et Personal Fest, et assurant la première partie de Judas Priest à Luna Park, ainsi que de Tame Impala et Truckfighters lors de leurs visites en Argentine.
C'est un album qui mériterait d'être reconnu!...
Violoncelle – Maaike Peterse
Chœur – Jan Willem Ketelaers, Lisette van den Berg, Will Shaw, Wilmer Waarbroek
Batterie – Ed Warby
Guitare électrique, guitare acoustique, basse, mandoline, synthétiseur, orgue, cordes, Tous les autres instruments – Arjen Lucassen
Piano à queue, piano électrique – Joost van den Broek
Guitare solo – Guthrie Govan, Marcel Coenen, Paul Gilbert
Synthétiseur – Mark Kelly
Violon – Ben Mathot
Chant – Floor Jansen, Hansi Kürsch, James LaBrie, Michael Eriksen, Michael Mills, Nils K. Rue, Russell Allen, Simone Simons, Thomas Giles Rogers Jr., Tobias Sammet, Tommy Karevik, Zaher Zorgati
Instruments à vent – Jeroen Goossens
D"après Arjen Lucassen, son album "The Source", paru en 2017, est une préquelle à "01011001'.
L''intrigue est dense, mais en résumé, la planète Alpha est envahie par les machines. Les êtres qui la peuplent, ancêtres de l'humanité, perdent le contrôle au point qu'un groupe d'entre eux décide de partir à bord d'un vaisseau spatial, en quête de vie sur une autre planète.
Si l'album conserve des moments joyeux, avec plusieurs références à d'anciens albums d'Ayreon, son ton est un peu plus sombre qu'à l'accoutumée. De nombreux morceaux évoquent la culpabilité que ressentent les personnages, contraints d'abandonner les leurs sur une planète mourante pour survivre ailleurs.
L'histoire est captivante et les échanges sont excellents, notamment entre 'Le Président' (Russell Allen), dont l'erreur a permis aux machines de prendre le contrôle, et 'Le Chef de l'Opposition' (Tommy Karevik), qui affirme s'être opposé aux machines dès le début. Les personnages semblent pourtant moins en conflit que dans les précédents opus, probablement parce qu'ils partagent un objectif commun cette fois-ci.
Simone Simons, en particulier, a un rôle bien plus conséquent que sur "01011001" car elle peut pleinement mettre en valeur sa voix, notamment avec des passages lyriques sur "Deathcry of a Race". Mais la véritable révélation est Michael Mills qui joue de la machine "TH-1", ce qui lui permet de déployer toute l'étendue de son talent vocal de manière impressionnante. Il est également souvent utilisé pour des effets sonores d'ambiance.
Musicalement, "The Source" est un album diversifié, nettement plus orienté Metal, avec des passages davantage axés sur la guitare et des sections plus Heavy, notamment avec ses riffs de guitare puissants et groovy.
On y trouve quelques morceaux étonnamment rapides, avec de légères influences Power Metal, mais également de belles sections plus douces et des moments plus Prog Rock.
"The Source" est un nouvel Opéra Rock qui prouve une fois de plus le talent d'Arjen Lucassen pour raconter une histoire captivante, tout en offrant à ses fans des chansons mémorables et un excellent travail instrumental, le tout porté par un casting vocal impressionnant.
Plus Heavy que d'autres albums d'Ayreon, il s'inscrit parfaitement dans la continuité des précédents opus et figure sans conteste parmi les meilleures œuvres d'Arjen à ce jour.
Recommandé vivement à tous les fans d'Ayreon et de Rock Progressif en général...
Sur "For the Dead Travel Fast", le trio Allemand, Kadavar, propose un mélange stylé de Hard Rock / Metal survolté façon années 70 et de riffs Psychédéliques hallucinants aux accents Blues.
Le leader, Christoph Lindemann, possède une voix à donner la chair de poule, qu'il anime ensuite de lignes de guitare cosmiques et planantes. La musique est puissante et précise, perçant l'espace avec des compositions étonnamment mélodiques.
"For The Dead Travel Fast" mêle avec brio une sensibilité Rock classique à des éléments Glam Psyché / Doom / Goth-Metal, une dose d'occultisme macabre et des riffs Hard Rock quasi irrésistibles.
C'est drôle, stimulant, inquiétant et ça décoiffe...
C"est du Rock théâtral à son apogée! Recommandé à tous les fans de Rock...
Producteur – David Thoener, House Of Lords
Chœurs -- Chick, Gregg Giuffria, Sean McNabb, Tommy Aldridge
Chœurs, invités -- Aina, Bill Trudel, David Glen Eisley, Fiona, Paul Stanley
Basse – Sean McNabb
Batterie – Tommy Aldridge
Guitare – Chick, Danny Jacob, Tim Pierce
Claviers – Gregg Giuffria
Chant principal – James Christian
"Demons Down" d'House Of Lords, sorti en 1992, est un album solide pour une formation remaniée (arrivée du batteur Tommy Aldridge, ancien membre d'Ozzy Osbourne, Whitesnake et Pat Travers).
Quelques titres un peu faiblards, mais les trois premiers sont excellents: "O Father", le morceau titre et la superbe ballade "What's Forever For", dans un style proche de Foreigner.
Le chanteur James Christian est en pleine forme tout au long de l'album.
"Demons Down" est un disque de Hard Rock mélodique de grande qualité, avec des morceaux très percutants.
A noter la présence de Paul Stanley qui assure les chœurs
C'est un album un peu plus sombre et profond que les deux précédents du groupe...
Producteur – JC Pognant
Basse – Jean-Luc Martin
Batterie, percussions, chant – Francis Poulet
Guitare, guitare acoustique – Gilles Solves
Guitare, violon – Christian Gallas
Guitare, orgue, chant – Jean-Paul Pierson
Chant, Flute, Alto Saxophone, Percussion – Dominique Le Guennec
Le groupe Feançais, Mona Lisa, a fait son apparition dans le monde du Prog vers 1974 avec l'album "L'escapade".
La date de sortie ne laisse aucun doute quant aux influences de la formation, notamment Genesis. qui ont influencé toute la scène Prog symphonique Française et dont le style musical a servi de guide à de nombreux groupes Français.
Musicalement parlant, tout dans cet album semble s'articuler autour de la voix et de l'interprétation uniques de Dominique LeGuennec, mais il recèle également d'excellents musiciens. LeGuennec est la figure centrale de l'album; sa voix n'est pas exceptionnelle, mais son chant théâtral, parfois dramatique, ne passe pas inaperçu. Son interprétation est très puissante, mais il en fait parfois un peu trop avec son chant excessif, ses cris ou ses rires.
La musique, quant à elle, est excellente. Le son des claviers analogiques et le travail de Jean-Paul Persion est particulièrement appréciable. Tantôt sombre, tantôt rythmé, tantôt hypnotique, c'est un travail remarquable.
LeGuennec contribue également à la musique, notamment avec sa flûte, dont le son est très proche de celui des premiers Genesis. Mais à quelques reprises, il prend aussi les rênes, à la manière d'Ian Anderson dans Jethro Tull. On apprécie également le travail de Christian Gallas et Gilles Solves à la guitare, avec de beaux passages feutrés à la Anthony Phillips ou des solos mélodiques à la Steve Hackett.
Le résultat est globalement excellent, mais l'album souffre d'une production datée, ce qui le dessert légèrement. La voix de LeGuennec, lorsqu'il intervient, couvre presque tout...
Batterie -- Dan Fadel
Basse -- Jeff Hill
Guitare, chant -- Neal Casal
Hazy Malaze est le groupe de Rock qu'a formé Neal Casal au début de ce siècle avec deux de ses amis.
L'album "Connections", sorti en 2009, est considéré comme le plus Rock du groupe et il est imprégné de références à la route.
Les amateurs des Rolling Stones et des Black Crowes ne serons pas trop dépaysés par les dix chansons de ce disque.
Toutes ne sont pas des Rocks furieux, mais le trio introductif constitué de "Get free", "On the tarmac" et "Connections" est un brelan de Rocks imparables contenant des riffs millésimés que la Telecaster de Keith Richards ou la Gibson de Rich Robinson auraient bien pu émettre.
La voix de Casal est claire et limpide, elle peut se faire caressante comme sur le morceau soul "Can't just give it away" ou plus agressive comme sur le Rock un peu bluesy "My black cloud".
Cet album, même s'il ne révolutionne rien du tout au niveau musical, est une petite pépite de Rock stonien...
Producteur --- Dieter Dierks
Basse – Volker Pechtold
Batterie – Mike Lichtenberg
Guitare – Paul Psilias
Chant, guitare – Klaus Thiele
Le groupe Bullet, originaire de Bochum en Allemagne, joue du Heavy Metal traditionnel dans la veine d'Accept, Krokus et AC / DC.
L'album "Execution", au titre évocateur, est un disque plutôt solide, imprégné du son AC / DC, ce qui le rapproche musicalement du groupe Suisse, Krokus.
Le style n'est sans doute pas aussi abouti que celui de Krokus, mais on y trouve quelques morceaux Rock assez efficaces.
Globalement, c'est un album correct, sans rien d'exceptionnel. L'approche Metal classique est parfois bien maîtrisée, mais aussi parfois sans inspiration, voire superficielle.
Comme pour Krokus ou AC / DC, il faut monter le volume, surtout que certains titres manquent parfois de profondeur. On y trouve de bons riffs de guitare et un chant dans la veine d'autres chanteurs Allemands.
"Execution" n'est ni fade, ni génial, mais plutôt moyen, avec peu de moments marquants...
, le seul que j'ai eu d'eux, et en vinyl bien sur ! 
