L'originalité du trio Help est d'être mené par un batteur, Chet MacCraken qui rejoindra à la fin des années 70 the Doobie Brothers.
Produit par Val Garay, leur deuxième album "Second Coming" de 1971 a trouvé le trio du batteur Chet McCracken, du guitariste Jack Merrill et du bassiste Rob Rochan poursuivant un groove rock beaucoup plus lourd. Avec les trois membres contribuant à nouveau au matériel, l'ensemble entièrement original a réussi à fusionner des mouvements de hard rock flamboyants avec une touche occasionnelle de psychadélisme et quelques touches étonnamment commerciales.
Pour un trio, ces gars ont généré pas mal d'énergie (sans parler du volume - essayez de monter celui-ci sur une bonne chaîne stéréo). McCracken a souligné ses références en tant que batteur 'kick-as', s'assurant que ses contributions étaient toujours plus qu'un battement régulier (découvrez la façon dont il a donné un coup de pied au rock 'All Day long').
Merrill s'est révélé être un guitariste aux multiples facettes (difficile de croire qu'il n'a pas tiré le gros lot avec un autre groupe), tandis que Rochan s'est avéré un bassiste innovant - découvrez sa ligne de basse sur 'Hold On Child'. Le plus drôle, c'est que j'ai écouté celui-ci des dizaines de fois au fil des ans et que je n'ai jamais été en mesure de trouver un groupe plus connu qui servirait de référence pour la comparaison. Le mieux que j'ai pu trouver est de les décrire comme une version plus talentueuse et commerciale de Sir Lord Baltimore (qui se trouve être un groupe que j'aime beaucoup).
Illustré par des chansons comme ''and'', c'était clairement du hard rock, mais ces chansons étaient pleines de mélodies mémorables et de superbes harmonies vocales. Ailleurs, "Hold On Child" méritait d'être remarqué comme l'une des rares chansons à avoir réussi à inclure des créneaux solo pour les trois membres sans devenir laborieux et trop indulgent - le tout en moins de 4 minutes. Le solo hurlant de Merrill sur la piste vaut presque la totalité du prix d'entrée. Ailleurs, en ouverture avec les pistes à double voie de Merrill, le «Dear Lord» prolongé et bluesy était mon choix pour la piste hors concours.
RDTEN1
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:53, modifié 1 fois.
Pour Art Zoyd, l'année 1995 voit la création de "Häxan" sur le film de Benjamin Christensen.
...Jamais deux sans trois... Art Zoyd remet très rapidement les couverts pour une ultime (disent-ils) adaptation musicale d'un film noir et blanc des années vingt. Cette fois, ils s'attaquent au "Häxan" de Benjamin Christensen, entreprise qui aura au moins le mérite de mettre en lumière l'oeuvre unique de ce réalisateur d'origine danoise. Quand on connaît le sujet du film, on comprend mieux pourquoi Art Zoyd a tant tenu à lui donner un relief sonore.
Jugez plutôt ; développé sur le mode du docu-fiction, le film traîte en réalité de sorcellerie, sujet vaste s'il en est et propice à l'imagination. À l'instar de "Faust", commercialisé un an plus tôt, "Häxan" jouit de la même instrumentation et du même agencement des textures, plutôt sourdes et souterraines, où il suffit simplement de prolonger la répétition d'une seule note crispante pour installer l'ambiance glaciale et angoissante qui caractérise cette oeuvre aux relans gothiques appuyés (l'imposant "Glissements Progressifs du Plaisir"). Les portions les plus ouvertements synthétiques ont du mal à passer sans encombres, mais on finit par s'accommoder assez rapidement de ses légers désagréments, heureux que nous sommes de retrouver Art Zoyd dans ce qu'il maîtrise le mieux ; les longues suites.
Des trois musiques de film que réalisera le groupe en quasiment dix ans (entre 1989 et 1997), "Häxan" emporte la palme de la réalisation la plus extrême alors que paradoxalement elle semble avoir été celle qui aura nécessité le moins de temps à son accomplissement. On ne renoue pas avec l'approche d'antant, mais Art Zoyd continue imperturbablement à démontrer qu'il est sans conteste le chantre des musiques au climat fondamentalement malsain.
"Häxan" a aussi ceci d'important qu'il est en vérité la dernière participation active de Thierry Zaboitzeff avant son départ définitif du groupe après presque trente ans d'activités (!), et ce alors que sa contribution au présent disque se révélait être des plus déterminantes ("Épreuves d'Acier")...
Progmonster
Häxan est paru en CD en 1997.
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:53, modifié 1 fois.
En 1975, "Strange Universe" est le troisième album de Mahogany Rush et le dernier sur le petit label Kotai.
Le succès est pleinement au rendez-vous et les membres du groupe quitte le Canada pour s’installer aux États Unis où il décroche alors un contrat sur le label Columbia.
Le guitariste Frank Marino avait affiché son fétichisme de Jimi Hendrix à l'extrême, allant jusqu'à dire que l'esprit du grand guitariste est entré dans son corps peu après sa mort en 1970, entraînant un transfert de talent et d'idées.
Il s'est avéré par la suite que cette remarque n'avait qu'un but publicitaire, ce qui a fait déborder le vase, car il aurait été très cool que quelque chose de paranormal se produise vraiment.
Non seulement l'incroyable jeu de guitare de Frank ressemble étrangement à la magie de son mentor, mais sa voix sensuellement expressive et ses essais ésotériques imitent aussi fortement ceux de Maître Hendrix d'une manière très étonnante.
Sorti à l'origine en 1975 sur le label 20th Century, et réédité en 1989 par Repertoire Records, Strange Universe marque le troisième album de Mahogany Rush, et selon ces oreilles, c'est le meilleur du lot. Fourmillant et ruisselant de changements dynamiques dégoulinants d'éclat et de classe, sans parler des nombreux coups de fouet et de fracas, le disque assimile de manière experte un éventail de styles en un souvenir mémorable.
Stimulé par des rythmes endiablés et des riffs vrombissants, "Tales Of The Spanish Warrior" scintille et s'élève avec des signaux de l'ère spatiale, "Dancing Lady" se déhanche sur un rythme féroce et funky, et "Once Again" ondule et roule avec des traits de blues pétillants.
Un code Hard et Heavy dirige le cours de "Dear Music", tandis que "Moonlight Lady" privilégie une touche plus douce, prononcée par des lignes mélodiques gracieuses. Soufflant des ronds de fumée psychédéliques, le titre de l'album clôt le tout sur une note époustouflante.
Puissant et trippant, Strange Universe est le meilleur disque que Jimi Hendrix n'ait jamais fait. Bien qu'il soit indéniable que les chansons volent des bribes de l'œuvre du roi de la six-cordes, l'enthousiasme de Mahogany Rush, associé à leur talent, leur permet de pardonner une imitation aussi flagrante. Jimi serait en effet flatté qu'un groupe aussi en phase avec sa vision continue avec amour et respect.
Beverly Paterson
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:54, modifié 1 fois.
Fresh Blueberry Pancake est un Power Trio bluesy et hard rock underground formé en 1968 tout droit venu de Pittsburg et composé du bassiste et chanteur Tony Impavido, du guitariste John Behrens et du batteur Geoff Reidell. Ils ont pour modèle Cream et le Jimi Hendrix Experience.
Présenté dans le livre "Acid Archives" de Patrick Lundborg, le groupe a enregistré son seul album, intitulé " Heavy ", en 1970. Le groupe aurait produit 54 copies de ce LP dEmo complèt lors de sa sortie initiale. Il est considéré par beaucoup comme l'un des albums de hard rock les plus rares et les plus remarquables du début des années 1970. Il était logé dans une pochette générique, généralement avec un autocollant de couleur collé sur le devant, mais ce n'était pas toujours le cas.
Fresh Blueberry Pancake propose un hard rock plutôt heavy. La musique est réellement sidérante. La découverte est nécessaire. Certains morceaux comme "Hassles", "Clown On A Rope" dégagent une rage, tandis que d'autres sont plus Pop avec une inspiration Jazzy et Bluesy.
En écoutant "I Call Him Lord", on se trouve plongé dans un univers étrange où le jeu de basse est très intéressant faisant vibrer les tympans étonnamment.
La musique est justement « heavy ».
Les accords d'ouverture sur le morceau d'ouverture "Hassles" impressionnent, et les paroles (d'après ce que nous pouvons comprendre) sont punky et provocantes tout au long :
"Eh bien maintenant tout le monde me dit
Tu ferais mieux de faire attention à ce que tu dis et fais
Tu es rentré à la maison en jouant et en fumant de la drogue avec
Tu sais qui
Et je ne vais pas me couper les cheveux
Juste pour que je puisse te ressembler
Alors rappelez-vous juste que c'est mon esprit et je ferai ce que je veux faire"
Ensuite, certains des riffs les plus lourds que nous ayons entendus de tous les albums de 1970.
Le deuxième morceau intitulé "Being In Town" transforme l'énergie et l'ambiance de l'album en un tempo décontracté et jazzy. Des paroles sur le fait d'être payé et de dépenser de l'argent, de se promener en ville, de visiter les sites (c'est-à-dire de regarder les femmes) et de se sentir libre.
« La ville est chaude.
C'est loin.
Il se passe tellement de choses"
"Clown on a Rope" est sans aucun doute la chanson la plus lourde de l'album. Un brouillage à l'écoute qui vous donne envie de serrer les dents. La chanson est si lourde qu'elle commence à virer sur le territoire du proto-métal. Remarquez, Heavy est sorti en 1970. Ce morceau donne à Black Sabbath une course pour leur argent.
"Bad Boy Turns Good" présente une utilisation prédominante de l'harmonica qui donne une ambiance rock rurale.
"Je crie sur les gens
Qui frappe mon pays
S'ils ne l'aiment pas
Ils peuvent partir"
« I Call Him Lord » a une sensation de dévotion (au moins au niveau des paroles).
"Je le contacte au jour le jour
Et tout ce que j'ai à faire, c'est prier..."
La basse d'Impavido jouant sur ce morceau est particulièrement bonne.
"Down on the Farm" revient à une ambiance décontractée avec des paroles sur le fait de se détendre à la ferme avec une dame:
"Depuis que je t'ai rencontré
je ne peux pas t'oublier
alors comment pourrais-je te laisser
laissez-vous aller
Vivre à la ferme
jamais fait de mal à personne
vivre si paisiblement
bébé il n'y a que toi et moi"
"Where is the Sun", d'après ce que nous pouvons déchiffrer, parle d'être à l'intérieur et d'aspirer à voir le soleil briller. Pas la piste la plus lourde, mais une bonne tout de même.
« Sleep Bound » revient à une ambiance jazzy et raconte une histoire sur le fait d'être à peine éveillé et de traîner, voulant obtenir un peu de paix et de calme de la folie du monde.
Mes pieds traînent
mes jambes s'affaissent
chercher un endroit pour s'allonger
trouver mon lit, je suis lié au sommeil
C'est si dur de rester ici
Mourant
L'album se termine par un morceau intitulé "Stranded" qui est à la fois lourd et discret. C'est un son difficile à décrire dont les paroles parlent d'être échoué sur une île et d'avoir des pensées pour quelqu'un de spécial, criant à Dieu pour qu'un navire passe pour sauver l'échoué. Le travail de guitare est bluesy, lourd et parfois des solos dans les royaumes du rock acide avec un excellent picking.
Penser que seuls 54 exemplaires de cet album heavy et blues sont sortis n'est pas tout à fait surprenant étant donné que cet album était conçu comme une démo. Même en ce qui concerne le hard rock de l'ère du come-down, dont il y avait pas mal au début des années 70, le talent de ce trio est incroyable.
roamingrecords
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:54, modifié 1 fois.
Total Issue est un groupe Français formé en 1969 ET composé d'Aldo Romano (Batterie, Guitare Acoustique, Guitare Electrique, Voix Principale), de Georges Locatelli (lead Guitare solo, Guitare acoustique, Marimba, Narrateur, Voix), de Michel Libretti (lead Guitare, Guitare 12 cordes, Violon, Batterie, Tambour [Darbouka], Timbales, Voix), de Henri Texier (basse, Contrebasse [String Bass], Bendir, Congas, Maracas, Voix) et de Chris Hayward (Flûte, Tambour [Darbouka], Orgue, Piano, cornbell, Voix).
Publié par United Artists en 1971, leur seul et unique opus est un Rock Progressif légèrement psychédéliques et assez sombre dans un style de réalisations un peu adoucies de Jethro Tull, Van Der Graaf Generator, Procol Harum et du début de Genesis - mélangés avec des ballades.
C'est un peu le reflet de l'époque, peu importe le label musical, mais on les sent hésitants entre le Français et l'Anglais. A l'exception de "Come Down", une bonne balade Folk acoustique, "The Shadow Over" et "Quiet Place", aux couleurs Pop sucrées chantées en mauvais Anglais par des Français, le reste du disque est en Français.
Cela commence par “Les marins” avec cette batterie lourde et cette guitare qui semble plonger dans les vagues accompagnée de la basse. De plus, le bon fonctionnement des vocalises dégage une odeur de plein air.
Mais le meilleur est sans aucun doute “La porte ouverte” et “Rustique”.
"La Porte Ouverte" est sans aucun doute un des points forts qui commence sur du Folk jazzy qui rappelle "Cadence & Cascade" de King Crimson, mais en moins mélancolique, et il se fond rapidement dans un environnement où la flûte tribale absorbe l'auditeur chaleureusement, et avec une guitare wah - wah acide, se transforme en un voyage vaguement dérangeant.
Plus tendu, "Rustique" est une pièce épique qui révéle une flûte et un air envoûtant. Quant aux guitares, elles vont se croiser, l’un à l’acide, l’autre dans un Jazz frénétique et funky.
À l’écoute des influences Psyché Prog Jazz de "Total Issue", on peut facilement croire que cette œuvre aurait pu avoir un destin différent si elle avait été publiée à San Francisco ou à Liverpool.
En fait, ce bon disque manquant quelque peu de cohérence peut être attachant et facile à écouter et à assimiler.
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:55, modifié 1 fois.
Le quatrième album simplement appelé "Mahogany Rush IV" sort en 1976. Une fois encore le succès est essentiellement et toujours un succès d’estime et de mélomane, le grand public n’adhérant pas vraiment au style.
C'est l'année suivante que le groupe transforme son nom en Frank Marino and Mahogany Rush.
Comment quelqu'un avec un talent aussi phénoménal peut-il être pratiquement inconnu ! Je sais que le marché du hard rock est assez spécialisé et s'adresse à un public restreint mais je pensais être assez bien renseigné sur le sujet. Ce sont des groupes comme Mahogany Rush qui m'ont fait réaliser à quel point je passais à côté de la bonne musique. Effrayant, c'était le quatrième album du groupe et je n'en ai entendu parler que par l'intermédiaire d'un ami qui était à l'époque le doyen des guitar heroes. Car Mahogany Rush n'est rien d'autre qu'un support pour l'extraordinaire jeu de hache d'un certain Frank Marino.
Les années 70 ont été LA période pour le guitariste. Jimmy Page, Richie Blackmore, Alex Lifeson, Michael Schenker, entre autres, étaient les rois de leur métier et étaient connus dans toute la fraternité du hard rock. Donc, ne pas connaître quelqu'un d'au moins aussi compétent était vraiment incroyable.
Comme tous ses contemporains, Marino était trop indulgent et errait parfois dans des breaks de guitare interminables mais, plutôt que du rock pur et dur, il privilégiait des rythmes plus mélodiques, presque jazz. Étrangement cependant, cet album se situe quelque part entre deux tabourets. Comme si Marino était conscient d'aller trop loin dans la flamboyance sans avoir un ensemble de chansons assez fort sans le faire. Pourtant, l'album reste un bel exemple d'un talent largement méconnu.
Grampus
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:55, modifié 1 fois.
The Snakes fut un groupe de hard rock anglo -norvégien, formé par les anciens membres de Whitesnake Bernie Marsden et Micky Moody en 1997. Le line-up était composé des guitaristes Marsden et Moody avec des musiciens Norvégiens, le chanteur Jørn Lande, le claviériste Dag Stokke, le bassiste Sid Ringsby , qui a ensuite rejoint le Le groupe norvégien TNT et le batteur Willy Bendiksen. Le groupe a sorti un album live, un album studio et s'est séparé en 1999.
Bernie Marsden et Mickey Moody de Whitesnake se sont à nouveau associés pour le premier album de Snakes. Initialement appelés The Moody Marsden Band, ils ont joué en live principalement sur des reprises de Whitesnake.
Jörn Lande, que Marsden avait rencontré lors d'un séjour en Norvège, est le chanteur, et les deux membres rythmiques sont également norvégiens. Jorn Lande a ensuite participé à de nombreux projets et est devenu célèbre en tant que membre itinérant d'Yngwie et Ronnie est en charge de la production de cette œuvre.
Et Jorn a une voix qui attire beaucoup de fans de Coverdale, et l'écriture des chansons est naturellement due à la réalisation de la meilleure combinaison de deux anciens guitaristes de Whitesnake.
Alors que the Snakes se lancent dans "Labour of Love", qui se présente comme un morceau perdu de Whitesnake, le groupe parcourt Once Bitten … sans s'excuser pour leurs racines. Pas de surprise, puisque The Snakes étaient propulsés par les guitaristes Micky Moody et Bernie Marsden. La paire était vitale pour Whitesnake au début, avant que David Coverdale ne prenne d'assaut le monde en 1987, avec ses mercenaires, ainsi que la sensuelle reine de la vidéo, la folle Tawny Kittan. Tout au long de Once Bitten..., l'enregistrement de 1998 s'appuie fortement sur le son blues rock de Whitesnake. Alors que Moody et Marsden poussent The Snakes avec leurs sons à six cordes, Jorn Lande fait de son mieux pour imiter le DC qui pousse le micro. Les Serpents sont peut-être dérivés, mais le groupe livre tout au long du très serré Once Bitten... The Snakes n'ont pas du tout hésité à ressembler à Whitesnake.
Jon Fox
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:55, modifié 1 fois.
À partir de 2000, Art Zoyd prolonge l’entreprise et s’associe pour un nouveau projet à long terme intitulé: "Expériences de Vol", à l’Ensemble Belge Musiques Nouvelles, afin de fonder un Centre Transfrontalier de Production et Création Musicales, accueillant des compositeurs ou artistes en résidence.
Les pièces sont créées sur scène, puis enregistrées en studio par des musiciens d’Art Zoyd et de Musiques Nouvelles.
Ce centre élargit les activités du studio à la production incluant l’aide à des projets multiples (aide à la création, concours de composition, formation, stages, projets avec des amateurs…)
Ce qui nous amène à l'album suivant intitulé "u.B.I.Q.U.e" paru en 2001.
Il a fallu à "u.B.I.Q.U.e" plus de quatre années d'élaboration.
Construit autour d'une œuvre énigmatique de l'écrivain Philip K. Dick, c'est un hybride, ni fantôme de l'opéra, ni symphonie.
Art Zoyd utilise plusieurs schémas rythmiques qui s'enchevêtrent, des éléments arithmétiques parcourent la pièce entière de façon obsessionnelle soumis à des processus de rétraction et d'extension.
Ce projet particulièrement ambitieux puisqu'il associe plus de cinquante musiciens est un véritable hymne à la disproportion et à la démesure.
...Avec "U.b.i.q.u.e.", Art Zoyd entame une troisième partie de carrière, découpage aléatoire qui n'est du qu'à l'absence de l'ancien pilier Thierry Zaboitzeff.
Car en réalité, formellement, peu de choses ont changé depuis "Häxan".
Certes, le groupe n'est plus tout à fait le même; Berckmans et Denis viennent renforcer pour un temps seulement la connexion Univers Zero alors que l'on y retrouve avec étonnement Mireille Bauer, ancienne percussioniste de Gong, que j'imaginais personnellement assez mal en train d'évoluer dans un tel contexte...
Mais musicalement, seules les quelques mises à jour technologiques survenues dans ce court laps de temps séparent "U.b.i.q.u.e." de "Häxan"; impression de parenté d'autant plus renforcée que l'album s'ouvre sur neuf nouvelles variations de "Glissements Progressifs Du Plaisir", partageant avec l'original ces zones de silence lourdes de tension et son thème principal que l'on retrouve à partir du sixième mouvement, "La Chute des Anges".
Est-ce à dire que Art Zoyd n'a désormais plus rien à dire au point de se répéter d'un disque à l'autre?
On serait en effet presque tenté de le croire, la suite climatique "Métempsychose" en sept mouvements provoquant peu de remous.
"U.b.i.q.u.e." nous montre avant tout que l'emprise de la musique générée par voie informatisée ne cesse de s'accroître de parutions en parutions, et ce alors que cette nouvelle oeuvre originale - la première depuis "Berlin"! - ouvertement dédiée à Philip K.Dick mais sans lien aucun avec quelque oeuvre cinématographique que ce soit, serait en réalité un projet de scène qui, paraît-il, met à contribution près de cinquante musiciens!
Le moins qu'on puisse dire, c'est qu'à l'écoute du disque, on a bien du mal à le croire...
À priori, quel que soit le contexte, Art Zoyd reste égal à lui-même. Il y a autant de raisons de s'en réjouir que de s'en lamenter, l'architecture sonore bâtie par le groupe depuis tant d'années ayant été assimilée et transcendée depuis belle lurette par quantité invraisemblable d'autres artistes...
Progmonster
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:56, modifié 1 fois.
Felt a sorti un album éponyme dans le courant de l'année 1971.
Ce disque inopinément diversifié est facilement l'un des albums les plus impressionnants de l'époque: Seulement six chansons, mais cela n'a pas d'importance car c'est un véritable petit bijou où le chanteur guitariste Myke Jackson est crédité de l'écriture des six pistes, le batteur Mike Neel en ayant co-écrite deux avec lui.
Il est de plus en plus difficile de s'en détacher car il est délicatement enveloppé de brume psychédélique. Les compositions sont très mémorables; leur cohésion, l'ingéniosité et même les airs sont brillants. Les performances sont inhabituelles, émotionnelles. Il n'y a pas l'ombre d'une quelconque routine, ni d'un calcul. Avec chaque son bat la sincérité et de l'authenticité. C'est un plaisir musical à cent pour cent dans le domaine du Classic Rock.
Le seul petit inconvénient de l'un des plus beaux albums qui soit apparu sur le marché musical aux États-Unis en 1971 est sa longueur: Six pistes de seulement environ une demi-heure, oui, mais sa musique est délicieuse et Felt couvre beaucoup de terrain, du Blues au Jazz et à la Pop, sans sacrifier l'intégralité du Rock incessant du groupe.
"Felt" est donc un disque étrange et aéré qui creuse un sillon subtil mais exerce néanmoins une passion et une fureur instrumentale. Cette approche de l'art, plus que la fidélité à un son particulier, définit ce qui est et ce qui n'est pas du Rock "classique".
Cet album est un ensemble de jams psyché énergétiques, une sorte d'amalgame imaginatif de psyché et de prog bien joué et tout aussi bien produit. Il convient de noter, par dessus tout, les parties de guitare claires avec un phrasé incisif, surtout compte tenu du jeune âge de Jackson. Dans tous les cas, le son de Felt est étonnamment compact et animé, parfois inévitablement immature, où le Rock Psyché mêle le Blues et le Jazz.
Bien sûr, leur épopée de dix minute, "Change", composée de deux ou trois chansons, démontre toutes les limitations de composition de ce jeune groupe, marquant sa distance par rapport aux modèles les plus ambitieux de l'expérimentalisme psychédélique 'mature' et proto-progressistes. La plupart des groupes ne seraient jamais en mesure de faire un truc comme ça, mais Felt se retrouve avec une grande musicalité et des arrangements intéressants: de nombreux solos de guitare puissants, de l'interaction de l'orgue fraîche, de la batterie torride et des vocaux Hard Rock.
Ce grand Blues Rock Psyché élargit l'esprit et revigore l'âme, mais ce n'est certes pas une sorte de musique dont les plaisirs peuvent être expliqués très facilement. Les chansons sont pleines de guitare et contiennent des jolies harmonies vocales façon Beatles.
Alors que la plupart du contenu de cet album a un sens aigü du Blues, quelques chansons possèdent une pointe plus prononcée de Rock Progressif avec des claviers en action, une rythmique intense et solide et des solos de guitare.
Ces jeunes gens ont parfaitement réussi à faire un excellent opus avec des arrangements complexes, des textures instrumentales riches et des voix Soul, et les travaux de production sont étonnamment propres et sophistiqués... Felt était un groupe sans réelle faiblesse.
A noter que la couverture de l'album plutôt minimale dans le ton rose et blême d'une ballerine au repos, le visage caché sous son maquillage de scène est une conception simple, mais accrocheuse.
La chanson d'ouverture "Look At the Sun" est sans doute la plus fameuse et le morceau le plus Pop de Felt, une ballade Beatlessienne très mélodique, atypique mais magnifique. Sur ce morceau, Myke Jackson chante dans un registre élevé mais pas affecté, observant avec hâte que “the sun is like a lover / growing bright and warm each day”, car la mélodie irrésistible du piano passe à travers des moments d'espoir et d'absolution plaintive. La chanson bénéficie réellement de performances vocales assez difficiles de la part de Jackson. Avec une excellente lead guitare en fin de piste, c'est aussi le morceau le plus commercial de l'album.
"Look At The Sun" n'est pas aussi trompeur que "Sunday Morning" des débuts de The Velvet Underground, mais il y a ici une dynamique pratiquement similaire. C'est une chanson douce et mélodique de Pop Psyché qui laisse l'auditeur mal préparé pour le matériel plus Hard qui suit. Dans ce cas, c'est une musique chargée de guitare, plutôt Blues Rock Progressif.
Le morceau suivant, "Now She's Gone", intègre des éléments de guitare Jazz dans l'esthétique de Felt, grâce au second guitariste Stan Lee. Le beat de Jazz tendu est remplacé au début de la chanson par une progression de type Pink Floyd plus lente et plus bruyante, et alors que l'auditeur se lasse de l'esthétique spatiale, la figure de Jazz revient avec plus d'agression et d'énergie.
S'amusant de paroles anti drogue, "Now She's Gone" commence avec une saveur pseudo-jazzy complétée par des segments scat avant de se transformer en un segment bluesy et de revenir au mode Jazz. Cela ne semble pas vraiment prometteur sur le papier, mais en fait, les gars en font l'une des pièces les plus amusantes et lumineuses de l'album.
"Weepin' Mama Blues" est un Blues lent qui brûle tout au long du chemin, même avec un message anti-Vietnam. Le rythme plus lent s'adapte à certains des moments de guitare les plus Heavy de Felt, augmentés par les claviers furieux d'Allan Dalrymple. Les solos de guitare ne sont jamais mauvais, bien au contraire. Musicalement, c'est un Blues standard technique propulsé par les claviers et la guitare qui fonctionnent avec un gros travail de batterie et une excellente combinaison de guitare et de scat vocal. On y trouve certainement la meilleure performance vocale de Jackson et là, Il ne semble plus du tout avoir 17 ans.
Vient ensuite "World" qui est un type de brulôts de Blues avec une introduction de basse cool, un puissant riff Zeppelinien et une mélodie plus claire que "Weepin 'Mama Blues". Dans cette chanson, le bassiste Tommy Gilstrap délivre quelques moments vraiment géniaux, surtout en parallèle avec le batteur Mike Neel, même si aucun des musiciens ne prête vraiment attention à leur musicalité. "World" est véritablement un très bon morceau de Hard Rock...
A noter que "Weepin Mama Blues" et "World" sont des morceaux similaires dans leurs conception avec plus qu'une influence Blues, du solide Hard Rock des années 70 sans aucune des grimaces histrioniques ou des solos de guitare de dix minutes qui n'en finissaient plus.
La piste la plus progressive, "The Change",ouvre la face 2 et c'est le principal point de repère, en dehors de "Look At The Sun", chaque partie commence fort et le reste des chansons sont bonnes mais moins mémorables. Cette chanson de dix minutes est, peut-être, la plus grande performance de Felt. Essentiellement, il s'agit d'un mélange de trois chansons, dont la première est leur riff le plus Heavy (on peut penser immédiatement à Black Sabbath) ponctué par des moments de Blues haut de gamme en solo. Le reste de la chanson alternent entre un Boogie rudimentaire avec des solos wah-wah et un riff étendu épique qui devient de plus en plus intense à mesure que le temps passe. "The Change" possède un son comme celui de "Half Changed Again" du groupe Indian Summer, pour les connaisseurs. En plus de dix minutes et en passant par de nombreux changements de temps, c'est un mélange divertissant de mouvements de Rock Progressif et de Hard.
Enfin, la dernière chanson, "Destination", tout simplement plus ordinaire, est une fusion réelle de Jazz Rock et de Blues. On revient à un rythme de Jazz agréable et inoffensif, redoublant dramatiquement la tension de "The Change". Tout comme "Now it's Gone", elle comporte des signatures de temps jazzy et un bon travail de guitare psyché et les éléments de Jazz alternent avec des séquences plus bluesy, mais cette fois, les parties de Jazz sont plus là pour la bonne humeur et moins sur la création d'espace contrasté pour émerger.
Felt n'aura malheureusement pas duré longtemps.
Même avant la sortie de l'album, deux mois seulement après son enregistrement, une patrouille de police de la circulation a attrapé Myke Jackson pour possession d'une petite quantité de 'marijuana'. Avoir 17 ans et vivant en Alabama dans les années 70 fut sa chance, car il n'a pas été arrêté et condamné pour possession de drogue,mais celà lui a valu six mois dans l'école de réforme de l'État, une sorte de maison de correction.
Quand Myke en est sorti, il est parti dans une direction différente philosophiquement et il a décidé de poursuivre une carrière dans la musique chrétienne, en dissolvant effectivement Felt.
De la création à la sortie du disque, Felt n'aura duré que huit mois et demi ou neuf mois.
Le LP original "Felt" tiré par le petit label Nasco à 1500 à 2000 exemplaires est aujourd'hui terriblement difficile à obtenir. De temps en temps des copies uniques qui apparaissent dans l'état neuf peuvent chercher à osciller dans la gamme d'environ 600 $.
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:56, modifié 1 fois.
Après un premier album fantastique, Crazy Horse semblait sortir de l'ombre de Neil Young. Malheureusement, le groupe original qui avait fait l'album "Crazy Horse" n'existait déja plus car Danny Whitten n'était plus que l'ombre de lui-même à ce moment en raison de sa dépendance à l'héroïne, et il avait été forcé de quitter le groupe à regret.
Jack Nitzsche, et les éminents guitaristes invités, Nils Lofgren et Ry Cooder sont partis vers d'autres horizons et cela a, par conséquent, laissé le bassiste Billy Talbot et le batteur Ralph Molina seuls membres rescapés de Crazy Horse. Toutefois, plutôt que d'accepter que le groupe ne soit fini, et ayant conservé les droits sur le nom "Crazy Horse", ils décident de recruter de nouveaux membres et d'aller de l'avant, toujours sous le nom de Crazy Horse et ils persévèrent à la recherche de remplaçants.
Tout d'abord, ils appellent leur vieil ami, chanteur, compositeur et guitariste rythmique, George Whitsell qui avait été autrefois membre de the Rockets avec Whitten, Talbot, et Molina, Le claviériste John Blanton remplace numériquement Nitzsche et les travaux de lead guitare et de bottleneck sont assurés par un nouveau guitariste chanteur appelé Greg Leroy.
Les trois nouveaux arrivants contribuent à la totalité des treize chansons du deuxième album, et Whitsell en écrit sept à lui tout seul. Chacun d'entre eux est un interprète compétent, et "Loose" est un travail de professionnels, construit dans un style proche du Crazy Horse d'origine. En particulier, Leroy décolle sur quelques parties de lead très Neil Young sur "All the Little Things" et "One Sided Love"...
Bien que ce n'est clairement pas aussi fort que "Crazy Horse", "Loose", plus branché Country acoustique pour la plupart et paru en Janvier 1972 sur le label Reprise est encore un très bon album. Le matériel est solide, ce sont de bons musiciens, et les chansons sont renforcées par de grandes harmonies vocales.
Peut-être que si Talbot et Molina avaient décidé de renommer le groupe, il aurait gagné plus de commentaires favorables et généreux.
L'album a été produit par Fred Catero et il n'atteint pas vraiment le niveau des débuts classiques du groupe, il reste encore beaucoup à creuser sur ce second album studio qui montre cependant la polyvalence du groupe.
"Loose" est un agréable album plus harmonieux et plus discret que le premier album Crazy, mais il partage une similitude dans son songwriting de haute qualité.
Certains aspects de cet album ressemblent aux Byrds, et un ou deux morceaux à Buffalo Springfield. Des belles chansons Country Rock avec une pointe légèrement mélancolique, un album "trop" un album sous-estimé de Crazy Horse, mais un must pour les fans.
'Loose" contient encore de nombreux exemples de la raison pourquoi Crazy Horse est devenu le groupe d'accompagnement de Young pendant des décennies.
Similaires à des groupes Country Rock tels que Poco, toutes les chansons ont de jolies mélodies. Particulièrement les chansons "Move", "Hit and Run", "We Are All Alone Now", et "I Don't Believe It", mais toutes elles sont très bien arrangées entre elles.
Les paroles sont également très bonnes, la plupart du temps sur le romantisme, et les différentes émotions qui en découlent.
Mention spéciale à George Whitsell, qui a écrit la majorité des chansons, le jeu de guitare de Greg Leroy, le jeu de claviers de John Blanton et l'harmonisation vocale sincère.
Les différents auteurs se fondent tous ensemble de façon transparente... Et la section rythmique de Billy Talbot et Ralph Molina est toujours excellente.
C'est une collection solide de chansons et en aucun cas un cheval dompté, comme certains pourraient le laisser croire, mais plutôt celui qui a appris les ficelles du métier et qui a décidé de se prélasser quelque peu dans de verts pâturages avant de retourner se terrer dans le brouillard de Los Angeles:
"Hit and Run" est du pur Crazy Horse, mais il serait difficile de confondre ces harmonies et le beat de cette section rythmique classique avec n'importe quel autre groupe. Des morceaux comme celui-ci aident à combler la nouvelle approche somnolente à l'incarnation préalable du groupe, et peut-être même font allusion au Crazy Horse servant de catalyseur (et même sans doute, de fondateur) à la propre musique de Neil Young.
Une bonne comparaison pour une bonne partie du matériel de référence pourrait être the New Riders of the Purple Sage, en particulier sur le shuffle moelleux de "One Thing I Love" (des nuances très évidentes de ballade comme "Last Lonely Eagle”) et la randonnée dans un bar "You Won’t Miss Me", qui propose de savoureux moments de pedal steel et de piano honky tonk.
Le moelleux "One Thing I Love" peut surtout être considéré comme de la Laurel Canyon Country Music tout ce qu'il y a de plus classique.
Le groove enragé de la rythmique classique interactive du groupe, Billy Talbot et Ralph Molina peut être entendu sur des titres comme "Move", et "One Sided Love"...
Bien sûr, ce n'est pas particulièrement original ou novateur, mais le résultat n'en est pas moins accrocheur et professionnel (voir "All Alone Now" avec ses harmonies-style très Crosby, Stills Nash & Young).
"All the Little Things” montre un gros travail de guitare qui, tout en restant distinct, glisse parfois dans un style très Youngien.
Le morceau "I Don't Believe It" est juste un joli petit hoedown où le travail de bottleneck de Greg Leroy rappelle indaignablement Ry Cooder.
"One Sided Love" est un morceau gigantesque représentatif du nouveau Crazy Horse.
Tandis que le plus paresseux "And She Won’t Even Blow Smoke In My Direction”, un coda instrumental d'une minute et demie apparemment insignifiant pour l'enregistrement, est un autre standard de la Laurel Canyon Country Music qui fait tout pour résumer ce nouveau Crazy Horse cool: groove décontracté, âpre, une guitare nasillarde et un esprit de corps.
Malheureusement les ventes sont assez marginales et Reprise laisse rapidement tomber la groupe pour les enregistrements.
L'album n'atteindra que le numéro 170 dans les Charts.
Epuisé depuis longtemps, et sorti sur CD pour la première fois en 2006, il est agréable de retrouver ce génial petit bijou de Classique Rock.
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:56, modifié 1 fois.
Encore un de ces combos obscurs qui pondent un fantastique 33-tours mais qui hélas n’ont pas eu la reconnaissance qu’ils auraient mérité.
Chicken Bones est un groupe Allemand né au début des 70’s à Bönen près de Dortmund. La formation s’articule autour du batteur Wolfgang Barak, du bassiste Werner Hofmann ainsi que des guitaristes Hilmar Szameitat à la rythmique et Rainer Geuecke au lead mais également au chant. Le quatuor entre en studio en 1975, semble-t-il, pour pondre un album tiré à seulement 300 exemplaires l’année suivante en vue surement d’une promotion qui ne viendra jamais.
Intitulé "Hardrock In Concert", ce LP est constitué de six pistes enregistrées dans des conditions live en à peine une semaine sans public comme pourrait le prétendre le titre du disque. Et le moins que l’on puisse dire est que le son est impeccable.
Le groupe étant allemand on pourrait en conclure que Chicken Bones nous propose un krautrock bien pesant. C’est parler trop vite. Comme son nom l’indique, ce disque n’est rien d’autre que du hard rock bien bluesy aux effluves boogie d’inspiration british.
Et surprise dès la première chanson, « Feeling », ça rappelle Rory Gallagher. La seconde piste qui suit, « I’m Falling » est là pour le confirmer. En effet le jeu spectaculaire de Rainer Geuecke à la six cordes électriques évoque celui du guitariste irlandais. En fait ce sont les soli de guitare aérés, gorgés de blues et de mélodie mais surtout interminablement jouissifs qui vont mener le mélomane tout au long de cet Hardrock In Concert. Au point que cet opus laisse une part belle à l’instrumentation. Comme en témoignent les deux longues pistes instrumentales au registre prog avoisinant les dix mn : « Water » et « Factory Girl ».
Chicken Bones nous offre un autre instrumental, « Drive », plus court mais tout aussi puissant. Le vinyle se termine par « The Day Is Cold », une balade poignante faite d’un éclatant arpège et d’un solo de guitare atmosphérique. Belle manière de terminer un album. Malheureusement l’expérience sera sans lendemain.
Hardrock In Concert a été réédité en CD par Second Battle en 2016 agrémenté de bonus datant de l’époque où le groupe se nommait Revanche après avoir délaissé le nom de Chicken Bones. Là encore sans lendemain. A écouter sans modération.
jeanjacquesperez
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:57, modifié 1 fois.
Au moment de la publication du premier album de Wapassou en 1974, le claviériste Freddy Brua était responsable de toutes les compositions, à seulement 18 ans.
Ses deux camarades Karin Nickerl à la guitare et Jacques Lichti au violon en avaient seulement 19 et 18 ans. La formation très jeune a été favorisée dans son premier travail par l'apparition de divers musiciens invités, comme le percussionniste Benoit Moerlen qui sera plus tard au service de Gong.
"Wapassou" est un mélange assez follement incroyable, mais plutôt charmant et intéressant de Folk, de Prog et de Psychédélisme, ce qui lui donne un charme à la fois expérimenté et amateur.
Contrairement aux œuvres ultérieures du groupe dans le cas de quelques chansons avec encore un tambour, le son de Wapassou se trouve encore dans cette première phase de structures Rock plutôt traditionnelles.
Au lieu des sons électroniques qui domineront plus tard, il y a toujours un son d'orgue fougueux qui est complété par le violon plus geignard-romantique avec des inserts de guitare très discrets.
Toujours dans cette première étape, l'accent romantique de la musique du trio est déjà bien reconnaissable. Les mélodies coulent soigneusement d'elles-mêmes et sont libres d'éruptions ou d'accélérations dynamiques. Les paysages sonores fragiles sont accentués par les vocaux restreints de Karin Nickerl. La plupart des textes sont inhalées plutôt que chantés. Ainsi, les performances vocales subtiles se classent parmi la nature transfigurée des flux de mélodies romantiques.
Ce premier album est encore une sorte de brouillon de leur musique à venir, mais avant 1976, ils ont été vraiment installés avec leurs sons uniques d'une manière ou d'une autre entre Popol Vuh, Catharsis, Univers Zero et Opus Avantra.
Ce groupe semble, cependant, assez unique car il n'a pas de batteur. Cela rend leur style un peu original dans le genre Prog Rock.
Les différents claviers déterminent les événements (orgue électronique principalement, mais aussi piano, piano électrique et un synthétiseur éminent), accompagné du violon, du chant de Karin Nickerl et des guitares acoustiques plutôt rares.
Quelques invités ont aidé le groupe en studio, de sorte que, par exemple, dans "Musillusion", musique acoustique, incrustations de violon folklorique, clarinette et chant de chorale rendent l'atmosphère presque slave. Dans "Chatiment" et le "Trip" final, on utilise également une batterie, et dans "Trip", il y a aussi une basse électrique jouée par Jean-Pierre Schaal, ce qui fait de la pièce leur production la plus Rock.
L'album est un mélange de compositions longues et courtes qui sont toutes très intéressantes. Un bon mélange de Psyché et de Chamber Rock par un groupe avec un son propre.
Le morceau d'ouverture, ''Mélopée", est un morceau poignant de musique de Chambre / classique douce avec des flûtes et des violons en avant, assez hypnotique mais aussi assez engageante. On y découvre un son de flûte rêveuse au rendez-vous avec le violon joué de façon émotionnelle.
Avec le long ''Rien'', le groupe mélange de façon impressionnante le Psyché et le Rock de Chambre: Les sons sombres de l'orgue, les passages acoustiques avec des parties de violon effrayant et les vocaux emphatiques de Karin Nickerl présentent le visage vraiment personnel du groupe. Ces premières lignes vocales fragiles gagnent plus tard en devenant quelque chose de plus dramatique.
Dans les deux morceaux suivants, "Misillusion" et "Châtiment", on peut également entendre préalablement une clarinette jouée par Jean-Jacques Bacquet.
''Musillusion'' est clairement sur le côté le plus populaire des choses grâce à la combinaison de guitares acoustiques et de violons avec quelques sections symphoniques ajoutées et Karin est de nouveau en bonne forme.
''Chatiment'' est la première piste à contenir un jeu de batterie lent de la part de Jean-Michel Biger, à nouveau un joli mélange de musique cathodique de type Catharsis et de musique de Chambre dirigée par un violon, soutenu par l'expressivité du Chant narratif de K. Nickerl avec une grande section de flûte de Geneviève Moerlen vers la fin. Les lignes vocales de Karin confinent à la rêverie d'une manière presque érotique. Dans la mélodie monotone, une humeur hypnotique est établie malgré le dispositif stylistique simple, ce qui marque le point culminant de l'album et anticipe les caractéristiques des albums suivants.
Le long morceau de clôture, ''Trip'', comporte également le bon travail de percussion de Benoit, frère de Pierre Moerlen dans une piste qui ressemble à quelque chose comme un blocage psychédélique prolongé avec des solos d'orgue de feu à côté de la batterie et des percussions avant de prendre un peu de flamme de Ange, où les guitares électriques et les orgues se combinent bien. Dans le son romantique élégiaque se glissent des éléments sonores psychédéliques qui apparaissent enfin au premier plan. Après un début sphérique et rêveur viennent en effet des sons psychédéliques répétitifs. L'orgue voluptueux et un rythme sans cesse renaissant produisent un son hypnotique. Dans la phase finale, le son du sitar de Christian Laurent et des tablas font même un détour dans les champs de méditation d'Extrême-Orient. Ce morceau est une jam psychédélique, rapide, qui pourrait aisément provenir de Ash Ra Tempel, pourvu cependant d'un ton assez jazzy et d'un insert de sitar à la fin.
Aujourd'hui, l'album a, bien sûr, perdu de sa fraîcheur, peut-être en raison de l'absence d'une véritable énergie, mais on découvre encore des surprises avec le concept de combiner deux musiques différentes. Mais, dans l'ensemble, ces débuts peuvent déjà convaincre par de belles ambiances sonores, il manque juste encore un peu de finesse...
Bien sûr, tout cela semble même un peu poussiéreux et il manque l'élégance qui viendra dans les années qui suivront.
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:57, modifié 1 fois.
Third World War est un groupe Anglais de Blues Rock, de Hard Rock et de Proto-pPunk formé en 1970 par le manager et producteur John Fenton avec les auteurs-compositeurs Terry Stamp et Jim Avery. Fenton a proposé le nom du groupe et a fourni une grande partie de sa direction musicale; Phill Brown, l'ingénieur du son sur le premier album du groupe, le cite comme disant: "Je veux un groupe de classe ouvrière sans conneries - j'en ai assez de toute cette merde de pseudo paix." En raison de cette attitude, du son rauque du groupe et de ses paroles révolutionnaires, ils ont été décrits comme "le premier groupe punk d'Angleterre ")
En 1970, le groupe composé de Terry Stamp: chant, guitare, de Jim Avery: basse, de Mick Liber: guitare et de Fred Smith: batterie enregistre, avec l'aide de Tony Ashton au piano sur certains morceaux, de Jim Price ( trompette et trombone) et de Bobby Keyes (saxophone), son premier album, "Third World War", qui sort en 1971 sur Fly Records. En grande partie, les thèmes de l'album épousaient le sentiment politique d' extrême gauche.
De temps en temps, vous entendez le premier morceau d'un album et vous regardez sa couverture totalement non représentative avec incrédulité. Qui est-ce? Et pourquoi n'ai-je pas entendu leur génie musical avant-gardiste auparavant?
Le premier album éponyme de Third World War (parfois connu sous le nom de "Ascension Day" après son titre d'ouverture) est un album brillant - une sorte d'hybride musical percutant entre The Stooges, Television et même The MC5 (c'est comme 1976 et 1977 mais cinq années complètes avant l'événement). Les paroles ne peignent aucun rêve hippie sur l'endroit où ils vivent et sur leurs perspectives d'avenir non plus - tout est "pouvoir pour les travailleurs" et fait écho à Wormwood Scrubs et aux cabines téléphoniques déchirées (comme dirait un autre poète anglais quelques années plus tard).
Ensuite, il y a la voix de l'auteur-compositeur principal TERRY STAMP qui crache du venin comme "... Libérons la classe ouvrière... nous sommes fatigués de lécher le cul du gouvernement..." Son larynx n'est pas joli non plus - bien sûr et gravement et pourtant étonnamment adapté au son et à la politique du groupe - une sorte de Captain Beefheart rencontre Eddie & The Hot Rods alors qu'il gronde à propos d'adolescents sans emploi en colère sur les toits des bâtiments où il les exhorte à "... tirez votre goupille de grenade et je tirerai le mien..." (comme c'est attentionné). Il y a de délicieux titres de chansons comme "Get Out Of Bed You Dirty Red" et "MI5's Alive" (pas étonnant que la BBC ne les touche pas avec un poteau de barge). Ensuite, il y a le son de guitare de Stamp qu'il appelle dans les notes de pochette du LP "chopper guitar" parce qu'il glisse le long - ressemblant à une version plus 'saccadée' de Wilko Johnson du Dr Feelgood vers "Down By The Jetty". Il y a aussi un soupçon d'un riff dangereux et arrogant de Bowie quand il l'a sorti en 1971 et 1972. Même le hardcore américain le rocker Steve Albini de Big Black and Rapeman a qualifié l'album d'influence séminale. Impressionnant hein ? C'est sanglant et tout... voici les seuils de pauvreté...*
Midnight to six
Salués par la critique comme fantastiques, forts, excitants et pleins de force, ils ont laissé un certain souvenir en tant que pionniers du Heavy Metal Britanniques
Beaucoup de critiques estimaient que le groupe aurait dû avoir plus de succès et de reconnaissance.
Cependant, ils finiront par céder à la pression et se sépareront en 1973 après avoir sorti deux albums.
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:57, modifié 1 fois.
Shanghai est un groupe formé autour de Mick Green, le guitariste de Johnny Kidd & the pirates qui inspira bien des guitaristes anglais dont Pete Townshend. Au coeur des années 70, il fonde un groupe de blues rock, Shanghai dans l'environnement de Status Quo. Accompagné par le chanteur de R&B Cliff Bennett, ancien Rebel Rousers et Toe Fat (futur Uriah heep) doté d'une voix sublime, le batteur Pete Kircher qui rejoindra le Quo au début des années 80, le bassiste Pat King "Speedy King" et un second guitariste appelé Brian Alterman.
Le second album intitulé " Fallen Heroes ", paru en 1976, est plus Hard et plus Rock que le premier opus, avec les fantastiques vocaux de Cliff Bennett qui est tout à fait adapté au Hard Rock. Le morceau " Let's Get The Hell Off This Highway " est certainement le meilleur de l'album avec la voix puissante de Bennett et son mur de guitares!
C'est un album abordable pour ceux qui aiment un peu le Boogie Blues, et Cliff est en pleine forme.
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:58, modifié 1 fois.
Third World War est un groupe Anglais de Blues Rock, de Hard Rock et de Proto-pPunk formé en 1970 par le manager et producteur John Fenton avec les auteurs-compositeurs Terry Stamp et Jim Avery. Fenton a proposé le nom du groupe et a fourni une grande partie de sa direction musicale; Phill Brown, l'ingénieur du son sur le premier album du groupe, le cite comme disant: "Je veux un groupe de classe ouvrière sans conneries - j'en ai assez de toute cette merde de pseudo paix." En raison de cette attitude, du son rauque du groupe et de ses paroles révolutionnaires, ils ont été décrits comme "le premier groupe punk d'Angleterre ")
Content que tu aie évoqué ce groupe Génial et trop sous estimé à mon avis personnel, notons que dans la même mouvance et le même état d'esprit libertaire, revendicatif et socialement engagé, il y avait les Pink Fairies, Edgar Broughton Band, les Deviants de Mick Farren et même pas si loin que ça loin Lemmy et les gars Hawkind ou encore les The Hammersmith Gorillas futurs Gorillas toute une bande dont la plupart des membres trainaient et zonaient dans le quartier des puces de Portobello et de Ladbroke Grove à l'époque le coin le plus prolo du bas de Notting Hill Gate
Joyeux Mondialiste Droit de l'Hommiste et Internationaliste convaincu, amateur d'étrangetés Vinyliques tournant en 33 et 45 tours en provenance des quatre coins de la planète et des 7 continents
Total Issue est un groupe Français formé en 1969 ET composé d'Aldo Romano (Batterie, Guitare Acoustique, Guitare Electrique, Voix Principale), de Georges Locatelli (lead Guitare solo, Guitare acoustique, Marimba, Narrateur, Voix), de Michel Libretti (lead Guitare, Guitare 12 cordes, Violon, Batterie, Tambour [Darbouka], Timbales, Voix), de Henri Texier (basse, Contrebasse [String Bass], Bendir, Congas, Maracas, Voix) et de Chris Hayward (Flûte, Tambour [Darbouka], Orgue, Piano, cornbell, Voix).
Publié par United Artists en 1971, leur seul et unique opus est un Rock Progressif légèrement psychédéliques et assez sombre dans un style de réalisations un peu adoucies de Jethro Tull, Van Der Graaf Generator, Procol Harum et du début de Genesis - mélangés avec des ballades.
C'est un peu le reflet de l'époque, peu importe le label musical, mais on les sent hésitants entre le Français et l'Anglais. A l'exception de "Come Down", une bonne balade Folk acoustique, "The Shadow Over" et "Quiet Place", aux couleurs Pop sucrées chantées en mauvais Anglais par des Français, le reste du disque est en Français.
Cela commence par “Les marins” avec cette batterie lourde et cette guitare qui semble plonger dans les vagues accompagnée de la basse. De plus, le bon fonctionnement des vocalises dégage une odeur de plein air.
Mais le meilleur est sans aucun doute “La porte ouverte” et “Rustique”.
"La Porte Ouverte" est sans aucun doute un des points forts qui commence sur du Folk jazzy qui rappelle "Cadence & Cascade" de King Crimson, mais en moins mélancolique, et il se fond rapidement dans un environnement où la flûte tribale absorbe l'auditeur chaleureusement, et avec une guitare wah - wah acide, se transforme en un voyage vaguement dérangeant.
Plus tendu, "Rustique" est une pièce épique qui révéle une flûte et un air envoûtant. Quant aux guitares, elles vont se croiser, l’un à l’acide, l’autre dans un Jazz frénétique et funky.
À l’écoute des influences Psyché Prog Jazz de "Total Issue", on peut facilement croire que cette œuvre aurait pu avoir un destin différent si elle avait été publiée à San Francisco ou à Liverpool.
En fait, ce bon disque manquant quelque peu de cohérence peut être attachant et facile à écouter et à assimiler.
Je trouve ce disque très bon. J’ai pu l’écouter dans une réédition pirate en Cd procuré à peu de frais il y a une dizaine d’années. Il semble que les musiciens soient opposés à une réédition officielle. Dommage ! Le LP d’origine est souvent proposé à des prix exorbitants.
Ce disque est très représentatif d’une certaine pop française de qualité qui mérite d’être redécouverte.
Third World War est un groupe Anglais de Blues Rock, de Hard Rock et de Proto-pPunk formé en 1970 par le manager et producteur John Fenton avec les auteurs-compositeurs Terry Stamp et Jim Avery. Fenton a proposé le nom du groupe et a fourni une grande partie de sa direction musicale; Phill Brown, l'ingénieur du son sur le premier album du groupe, le cite comme disant: "Je veux un groupe de classe ouvrière sans conneries - j'en ai assez de toute cette merde de pseudo paix." En raison de cette attitude, du son rauque du groupe et de ses paroles révolutionnaires, ils ont été décrits comme "le premier groupe punk d'Angleterre ")
Content que tu aie évoqué ce groupe Génial et trop sous estimé à mon avis personnel, notons que dans la même mouvance et le même état d'esprit libertaire, revendicatif et socialement engagé, il y avait les Pink Fairies, Edgar Broughton Band, les Deviants de Mick Farren et même pas si loin que ça loin Lemmy et les gars Hawkind ou encore les The Hammersmith Gorillas futurs Gorillas toute une bande dont la plupart des membres trainaient et zonaient dans le quartier des puces de Portobello et de Ladbroke Grove à l'époque le coin le plus prolo du bas de Notting Hill Gate
The Pink Fairies sont issus de The Deviants par l'intermédiaire de Mick Farren...
Edgar Broughton, les premiers albums sont super, mais les derniers laissent un peu trop à désirer!
Total Issue est un groupe Français formé en 1969 ET composé d'Aldo Romano (Batterie, Guitare Acoustique, Guitare Electrique, Voix Principale), de Georges Locatelli (lead Guitare solo, Guitare acoustique, Marimba, Narrateur, Voix), de Michel Libretti (lead Guitare, Guitare 12 cordes, Violon, Batterie, Tambour [Darbouka], Timbales, Voix), de Henri Texier (basse, Contrebasse [String Bass], Bendir, Congas, Maracas, Voix) et de Chris Hayward (Flûte, Tambour [Darbouka], Orgue, Piano, cornbell, Voix).
Publié par United Artists en 1971, leur seul et unique opus est un Rock Progressif légèrement psychédéliques et assez sombre dans un style de réalisations un peu adoucies de Jethro Tull, Van Der Graaf Generator, Procol Harum et du début de Genesis - mélangés avec des ballades.
C'est un peu le reflet de l'époque, peu importe le label musical, mais on les sent hésitants entre le Français et l'Anglais. A l'exception de "Come Down", une bonne balade Folk acoustique, "The Shadow Over" et "Quiet Place", aux couleurs Pop sucrées chantées en mauvais Anglais par des Français, le reste du disque est en Français.
Cela commence par “Les marins” avec cette batterie lourde et cette guitare qui semble plonger dans les vagues accompagnée de la basse. De plus, le bon fonctionnement des vocalises dégage une odeur de plein air.
Mais le meilleur est sans aucun doute “La porte ouverte” et “Rustique”.
"La Porte Ouverte" est sans aucun doute un des points forts qui commence sur du Folk jazzy qui rappelle "Cadence & Cascade" de King Crimson, mais en moins mélancolique, et il se fond rapidement dans un environnement où la flûte tribale absorbe l'auditeur chaleureusement, et avec une guitare wah - wah acide, se transforme en un voyage vaguement dérangeant.
Plus tendu, "Rustique" est une pièce épique qui révéle une flûte et un air envoûtant. Quant aux guitares, elles vont se croiser, l’un à l’acide, l’autre dans un Jazz frénétique et funky.
À l’écoute des influences Psyché Prog Jazz de "Total Issue", on peut facilement croire que cette œuvre aurait pu avoir un destin différent si elle avait été publiée à San Francisco ou à Liverpool.
En fait, ce bon disque manquant quelque peu de cohérence peut être attachant et facile à écouter et à assimiler.
Je trouve ce disque très bon. J’ai pu l’écouter dans une réédition pirate en Cd procuré à peu de frais il y a une dizaine d’années. Il semble que les musiciens soient opposés à une réédition officielle. Dommage ! Le LP d’origine est souvent proposé à des prix exorbitants.
Ce disque est très représentatif d’une certaine pop française de qualité qui mérite d’être redécouverte.
Tout à fait d'accord!
Ces groupes ont toujours été malheureusement trop sous-éstimés!
Il y en a tellement d'autres...
Composé de Martin Cure: voix, de Terry Howells: claviers de Graham Amos: basse et de Alan Savage: batterie, Still Life est un groupe de rock progressif originaire d'Angleterre, en Grande-Bretagne, qui s'est formé en 1970.
Still Life était un groupe caractérisé par un superbe jeu d'orgue Hammond, des harmonies vocales complexes et originales, et une section rythmique agile et précise. Ils ont sorti un album éponyme en 1971. Les crédits de l'album gardent une aura de mystère quant à leur composition. Martin Cure, Graham Amos, Terry Howells et Alan Savage étaient en fait impliqués.
"Still Life" est enregistré aux Nova Sound Recording Studios, près de Marble Arch, à Londres.
L'album a été mixé le 26 octobre. Stephen Shane a produit l'album, qui est sorti chez Vertigo Records. Le journaliste d'Allmusic, Richie Unterberger, a noté que "le disque était un rock progressif précoce dominé par l'orgue, ses thèmes lyriques reposant sur le doute et la tristesse, les mélodies étant colorées par le classicisme gothique prévalant dans la plupart des genres à cette époque". Le groupe avait un contrat d'enregistrement pour produire six albums de ce type, mais il s'est éloigné.
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:58, modifié 1 fois.
C'est en 1977, que, Mahogany Rush étant toujours extrêmement prolifique, il enregistre un nouvel album dénommé "World Anthem". Frank Marino et son groupe sont alors tout à fait prêt pour une tournée Européenne.
World Anthem a permis à Frank Marino de sortir des rangs du bon vieux Mahogany Rush et d'accéder au devant de la scène, à juste titre. Cet album est un véritable tour de force. C'est le premier point de contact pour ceux qui ne connaissent pas Marino et le lieu où les acolytes reviennent pour renouveler leur dévotion. Il mêle un blues échoique, presque hallucinatoire, à des éclats dévastateurs de puissance brute, et parvient à sonner de manière contrôlée et libérée à la fois. Il contient trois titres - l'instrumental "In My Ways", "Requiem For A Sinner" et "Try For Freedom" - qui valent à eux seuls le prix d'achat. Ils devraient être obligatoirement écoutés par toute personne dont l'ambition est de devenir un virtuose de la guitare, afin de montrer qu'il ne s'agit pas de savoir si l'on peut jouer fort, vite ou longtemps, mais si l'on peut fournir une structure à l'intérieur d'une mélodie pour montrer ses talents sans submerger ou détruire la chanson.
Il réussit même à glisser un superbe travail de guitare dans les morceaux plus courts, par exemple "Look At Me" a un riff de blues jazzy de grande classe tandis que "Lady" l'intègre avec un break de synthétiseur doux. Seul le titre instrumental, avec les paroles platitudes imprimées sur la pochette de l'album, brise l'ambiance et, compte tenu de tout ce qui s'est passé auparavant, je peux même lui pardonner ce manquement. Un album de guitare vraiment génial.
Grampus
Ayant fait ses débuts Britanniques cette année-là, le groupe effectue une tournée au Japon fin 1978 et il revient de temps au temps se produire au Canada.
Tom Wheeler décrivit alors Marino comme "un rocker aux hurlements déchirants, un favori des foules, dont le jeu va d'une répétition excessive sans raison d'être à un excellent travail de soliste qui révèle plusieurs influences... des nombreux aspects du style de Hendrix, celui qui est interprété avec le plus de succès au concert est le comportement fou à couper la respiration - alimenté de wha-whas, de distorsion, de rétroaction et d'harmoniques bizarres" (Guitar Player, juin 1978).
Modifié en dernier par alcat01 le mar. 20 janv. 2026 16:59, modifié 1 fois.
