The Third Power s'est formé à Detroit en 1967, avec Drew Abbott à la guitare et au chant, Jem Targal à la basse et au chant et Jim Craig à la batterie. Leur album ne contenait que du matériel original, neuf pistes, d'une durée d'environ 36 minutes. Le son du power trio du groupe rappelle celui de Cream, avec la voix de Targal à la hauteur de celle de feu Jack Bruce. Craig et Targal ont formé une section rythmique incroyablement serrée avec la guitare principale de Drew Abbott servant toujours de délicieuses friandises.
L'album s'ouvre sur le rock hurlant "Gettin' Together" qui présente un travail de guitare incendiaire d'Abbott, la magnifique voix principale de Targal et un bas de gamme incroyablement serré. Cela aurait fait un single parfait. Je me demande ce que pensaient les gens de Vanguard Records. "Feel So Lonely" commence par un léger riff d'Abbott avant que Targal et Craig ne se joignent à ce joli morceau de rock psychédélique. La guitare d'Abbott et la voix de Targal sont les instruments principaux avec le solo de guitare retenu d'Abbott et les harmonies vocales éthérées menant à la finition du pilote de pile du groupe. "Passed By" présente une guitare douce d'Abbott et une belle voix de Targal. Le groupe affiche sa polyvalence en jouant cette mélodie délicate avec un zeste égal à ses numéros plus lourds. Le court et délicieusement doux "Lost In A Daydream" met en vedette Craig et Targal battant le rythme avant que la guitare d'Abbott et la voix de Targal n'entrent dans ce joyau mélodieux qui aurait été une autre excellente sélection pour une sortie en single. "Persecution" remplit la première face de l'album et met en valeur les talents de guitare et de chant d'Abbott. Véritable rocker du Michigan, son solo est époustouflant tandis que la basse bondissante de Targal rappelle The Ox, John Entwistle, de The Who. « Comin' Home » de la face deux rappelle The Doors. Encore une fois, la voix de Targal et la guitare d'Abbott sont les instruments principaux, avec Targal et Craig si serrés qu'ils ne font qu'un. Abbott contribue un solo à couper le souffle conduisant ce rocker à sa fin. "Won't Beg Anymore" est un autre rocker mélodieux mettant en vedette la guitare acoustique de Drew et la voix discrète de Jem, avant que le solo d'Abbott ne grimpe, amener le morceau à sa conclusion. Le délicat "Crystalline Chandelier" sonne directement de "Disraeli Gears" avec la voix et la basse de Targal rappelant à la fois des éclairs de Jack Bruce et la guitare légère et aérée d'Abbott le complément parfait. La plus belle chanson du LP aurait dû au moins remplir les nouvelles ondes FM émergentes, sinon voir la sortie comme un single. Crédité aux trois membres du groupe, "Like Me, Love Me" termine "Believe" avec style. Le rythme de Craig et Targal fait bouger la tête de l'auditeur de haut en bas, tandis que la guitare d'Abbott pousse la mélodie très doucement. Le morceau le plus long du LP à environ cinq minutes et demie, il donne à tous les membres du groupe une chance de s'étirer, avec Abbott s'occupant du chant principal et clôturant l'album avec un dernier solo de guitare.
Les musiciens de Poco l'ont enfin fait! Après quinze tentatives héroïques, le groupe a enfin fait un album où chaque morceau est de l'or sonore.
Depuis le temps que les étoiles brillantes Richie Furay et Timothy B. Schmit avaient disparu. Le batteur chanteur George Grantham avait également trouvé du travail de session.
En bref, Poco avait échoué à reproduire le succès obtenu par "Legend", chaque album faisant souvent plus mal que son prédécesseur au niveau succès commercial. Furay, Schmit et Grantham avaient, depuis leur départ, été invité à jouer avec Poco à différents moments.
Et puis vint (enfin) "Inamorata":
"Inamorata", sorti en 1984, comprend des contributions des trois anciens membres du groupe. Un bon disque qui s'améliore à chaque écoute. Aidé par le batteur original George Grantham, le fondateur du groupe, Richie Furay et le bassiste à long terme, Tim Schmit contribuent tous aux choeurs. Album plus qu'intéressant, "Inamorata" est plus diversifié que "Ghost Town" avec quelques chansons sacrément bonnes.
C'est comme si Rusty Young et Paul Cotton avait décidé de finir en apothéose en rapelant tous les vieux héros pour un dernier tour d'horizon.
Cet opus brille de mille feux: "Days Gone Bye", "Save a Corner Of Your Heart" et "The Storm" sont des chansons classiques de Poco, cependant, "Standing In The Fire", "Odd Man Out" et "Daylight" ont prouvé qu'elles pouvaient se bonifier avec le temps.
Richie Furay et Timothy B. Schmit sont tout deux cités dans les crédits et on peut les entendre sur la première chanson "Days Gone By", qui est bien du bon Poco dans le style de "Ghost Town" ou "Legend". Ce morceau, écrit par Cotton, et avec les cinq musiciens les plus célèbres de Poco (Young, Cotton, Furay, Schmit et Grantham) en pleine harmonie vocale et sonore, est aussi bon, mais pas meilleur que tout ce qu'ils avaient produit dans leur apogée du début des années 70.
Ceci définit le rythme de l'album dans son entier qui est magnifiquement produit et arrangé.
La version du "This Old Flame" de Reed Nelson est excellente et émotive et on y trouve quelques autres bonnes choses comme "Odd Man Out" de Paul Cotton, mais certaines des chansons laissent un peu à désirer, comme "Brenda X"!
Les harmonies vocales sont particulièrement remarquables sur des titres comme "Daylight", "Save A Corner of your Heart" et le tiraillement de cœur de "This Old Flame" de Reed Neilson, chanté par Cotton, qui offre aussi deux de ses chansons les plus sensuelles ("How Many Moons" and "Brenda X") et un grand Rock industriel "Standing in the Fire" dans un style Springsteen.
Rusty Young, bien sûr, est l'écrivain le plus prolifique du groupe, et aucune de ses cinq chansons ne descend en dessous de grands standards fixés par le morceau d'ouverture.
Le fait que cet album ne fut pas un succès commercial, quand on sait que certains ont vendu des tonnes d'albums à cette époque est quelque peu attristant, mais certainement pas surprenant.
Ce qui l'est plus, c'est de savoir que certains fans de Poco aient pu rejeter "Inamorata" comme étant un album inférieur! Poco n'a pourtant jamais fait un meilleur album que ce soit avant!...
Art Zoyd avait enrôlé Daniel Denis afin de pérenniser le fruit de ses recherches par le biais d'un travail de retenue magistral aux percussions et le joueur de hautbois, Michel Berckmans, tout deux membres du groupe Belge Univers Zéro pour enregistrer son second album, "Musique Pour l'Odyssée", paru en 1979. En outre, ils engagent aussi Michel Thomas au saxophone et Franck Cardon au violon.
Ce LP poursuit la démarche originale que le groupe avait initiée sur son premier opus en ayant soin cependant d'en adoucir les contours peut-être un brin trop anguleux qui pouvaient faire de "Symphonie Pour Le Jour Où Les Cités Brûleront" un album quelque peu rébarbatif.
Non pas que le groupe se lance dans un Rock banalisé, loin de là! Art Zoyd donne toujours dans une musique alternative et inclassable, tenant d'un mélange de classicisme et d'avant-garde. Mais, contrairement à l'album précédent où les 'thèmes' changeaient sans logique apparente, ici la 'mélodie' évolue plus 'harmonieusement', en continu, sans rupture abrupte.
La musique est indubitablement plus construite que sur l'album précédent. Les répétitions ne se font plus ennuyeuses mais installent des atmosphères sur lesquelles les solistes racontent leur histoire. L'omniprésence du violon et de la trompette qu'on pouvait déplorer sur le premier album n'existe plus, le groupe tire bien mieux parti de tous les instruments. Car les violons grinçants demeurent l'ossature principale de cet album, les dissonances sont toujours bien présentes et il n'y a toujours pas de mélodie clairement dessinée, mais la lente évolution de la musique lui donne un caractère homogène plus facilement apréhendable que sur "Symphonie Pour Le Jour Où Les Cités Brûleront".
"Musique pour l’Odyssée" se décline en trois compositions, avec toujours en guise d’introduction une pièce de choix, le plat principal, dépassant allègrement le quart d’heure, faits de silences, d’éclats, d’osmose et de cacophonie orchestrée.
Comme sur "Symphonie pour le Jour où Brûleront les Cités", on retrouve ces longs dialogues violons / trompettes, qui ne sont pas sans évoquer Bélà Bartok. Mais, fondamentalement, la musique ne change pas.
"Musique Pour l'Odyssée', morceau éponyme, développe une histoire dont on peut suivre le fil conducteur sans effort particulier malgré l'absence de véritable mélodie, où les dissonances sont maîtrisées et ne semblent pas gratuites, les ostinatos ne donnent plus l'impression d'une répétitivité laborieuse mais accompagnent une lente progression dont on peut comprendre la construction. Tout en conservant son caractère original et avant-gardiste, le morceau se pare d'une intensité dramatique qui permet d'affronter les 17 minutes du titre sans ennui.
"Bruit, Silence – Bruit, Repos", bien moins sombre, rappelle tantôt le Boléro de Ravel par son entrée en matière orientalisante, tantôt Debussy et Satie par l'aspect minimaliste de certains développements.
Enfin, 'Trio "Lettre d'Automne"' célèbre la gloire des cordes, notamment des violons, dans un concerto moderne à la Vivaldi, gris comme un Automne pluvieux. On sent le froid qui pénètre, on entend le vent qui souffle lugubrement, on voit la pluie qui ruisselle des branches défeuillées. Très cinématique.
Dans l’ensemble, "Musique pour l’Odyssée" semble moins chaotique que son prédécesseur, tout en affinant un peu plus son propos. Il est peut-être plus sombre sans vouloir nécessairement se faire violence.
Hormis cette propension au repli sur soi induit par une musique d'apparence austère, Art Zoyd jongle toujours aussi brillamment avec son sens de la dramaturgie; la mélancolie et le désespoir habité par le violon de "Lettre d'Automne" ne s'écarte pas en cela de la magie noire qui s'échappait des lignes mélodiques de "Masques", deuxième plage de leur précédent effort.
En soignant ses transitions et adoucissant ses traits, Art Zoyd livre avec "Musique Pour l'Odyssée" une œuvre originale et cependant très abordable.
On est encore loin des expérimentations électroniques que le groupe va peu à peu introduire dans sa manière même de concevoir la musique.
Par contre, celle écrite et jouée pour "l'Odyssée" possède ce souffle et cette force qui cimentent l'essentiel de leur oeuvre autour de leurs cinq premiers disques.
Le double live album de Weather Report intitulé "8:30" de 1979 avait été enregistré pendant la tournée de "Mr. Gone" et il avait capturé la puissance directe et l'énergie du line up de cette époque.
Zawinul décrira cette formation comme "l'un des plus grands groupes de tous les temps! Ce groupe était une 'pipe'!" L'album a d'ailleyrs remporté un Grammy Award pour 'Best Jazz Fusion Performance'.
L'album prend son nom de l'habitude du groupe à commencer leur performance à 20h30 (8:30 pm). Il a été enregistré en live sauf la quatrième face qui a été enregistrée en studio.
Au moment de cette tournée, le groupe était un quatuor qui prenait la scène continuellement pendant environ deux heures et demie, chacun des membres prenant sa place en solo pour donner non seulement une performance virtuose, mais aussi pour donner aux autres la possibilité d'une pause.
Wayne Shorter joue parfois des percussions au lieu du saxophone sur scène, et sur une des pistes de studio, le calypso inspiré "Brown Street", le fils de Joe Zawinul Erich joue des percussions avec Erskine et Pastorius.
La tournée de "8:30" a vu Weather Report à la hauteur de son succès commercial, et la setlist penchait fortement sur les succès récents, "Black Market", "Birdland" et "Teen Town".
Pastorius a joué un solo remarquable, "Slang", qui fusionnait un solo de basse multi-partie en utilisant un retard MXR numérique monté en rack, menant à des références à "Third Stone from the Sun" de Jimi Hendrix, "Portrait of Tracy" tiré de son propre travail solo, puis sur "(The Hills are Alive with) The Sound of Music". Il finissait même en jouer de sa basse avec sa propre sangle.
Selon Peter Erskine, le groupe avait initialement prévu que l'album entier devait être en live, mais un ingénieur avait accidentellement effacé une partie du matériel, incitant le groupe à entrer en studio pour enregistrer la quatrième face.
Le concert est introduit par la diffusion du "Bolero" de Ravel. À l'apogée de celui-ci, les lumières s'affaiblirent, et l'auditorium fut rempli de cris de singes hurlants, qui peuvent être entendus à 8:30 juste avant le début de "Black Market". Selon Alan Howarth, technicien de clavier de Zawinul de 1977 à 1980, l'enregistrement est tiré de "...une cage de singe que Jaco a enregistré en Australie, une chose comme un dialogue d'une communauté entière de babouin...".
Erskine rappelle que "..."Black Market" sur 8:30 n'est pas édité au meilleur de ma connaissance. La prise est identique à celle sur "Havana Jam", parce que la version que nous avons jouée à La Havane semblait assez merdique. Au moment où le groupe était au milieu du mixage de "8:30", la décision a été prise d'envoyer juste à CBS la version qui était déjà mixée du concert de Long Beach. Complètement identique, en dépit des analyses contrastées de quelques critiques sur les deux performances...".
"Scarlet Woman" est la piste omise dans la version du disque compact US afin d'adapter le matériel sur un seul CD.
La version double CD Japonaise inclut toutes les pistes du double LP original.
Elle est également restaurée sur la version de "08:30" qui fait partie du coffret "The Columbia Albums 1976-1982" paru en 2012.
“In A Silent Way” était l'une des nombreuses pièces que Zawinul avait écrivit lors d'un voyage de retour en Autriche en hiver 1967: "...J'ai écrit 'In A Silent Way' à Vienne, dans une chambre d'hôtel donnant sur le parc...", a expliqué Zawnul en 1978. "...Mes enfants étaient partis avec mes parents, et ma femme était endormie. La neige tombait et je regardais le parc par la fenêtre, et j'avais sorti le papier et j'avais écrit le tout en quelques minutes...".
Miles Davis l'avait utilisé comme titre pour son album seminal de 1969, "In A Silent Way".
Il l'avait modifié et raccourci en utilisant seulement la dernière partie. "...Je ne sais pas ce que cherchait [Zawinul] quand il a écrit cette chanson...", avait dit Miles une fois, "...mais ce ne sera pas sur mon disque...".
Peu de temps après, Zawinul enregistrait la chanson entière comme il l'avait initialement conçue pour Zawinul. Sur cette version, Zawinul s'appuyait sur le Sequential Circuits Prophet-5 pour ses sons de corde, disant à Greg Armbruster, de Keyboard Magazine: "J'ai un son fantastique sur le Prophet-5, inégalé par tout autre synthétiseur".
Ce morceau a été enregistré plusieurs fois, il existe même une version de Carlos Santana sur son album, "Dance of the Rainbow Serpent" (qui comprend également "This is This" tiré du dernier album de Weather Report). La version de Davis est proéminente dans le film théâtral de 2000, "Finding Forrester", ainsi qu'une autre composition de Zawinul enregistrée par Davis, "Recollections".
A propos de "Birdland", interrogé sur la différence de style entre cette version et celle de "Heavy Weather", Peter Erskine a dit: "...Comme je m'en rappelle très bien, lorsque j'ai rejoint le groupe, je l'ai joué comme Alex [Acuña] avait fait sur Heavy Weather (son beat sur l'album entier est incroyablement génial), et je pense que toutes les bandes du groupe tirées de cette première tournée du Japon en 1978 reflètent cela. Mais à un moment donné, Joe a dit qu'il n'a pas aimé 'ce beat de Bossa Nova' et pourrais-je jouer autre chose? Encore une fois, j'ai eu l'idée du shuffle, bien que je n'étais pas convaincu que ce fut une idée formidable, et nous avons expérimenté comment et où placer le shuffle, etc. Donc, je suis heureux et à l'aise pour prendre le crédit ou le blâme pour le rythme, mais comme dans la plupart des choses de Weather Report, il y avait beaucoup d'énergie du groupe / synergie et les entrées requises: la plupart de tout ce que le groupe a fait...".
Dans son interview au Keyboard magazine de 1984, Zawinul a reconnu que "Birdland" était peut-être le plus difficile de Weather Report à jouer en public (et on peut admirer la dextérité nécessaire pour le jouer en live sur "8:30").
"Thanks For The Memories" est plus connu comme la chanson de signature du comédien Bob Hope. Il avait été écrit en 1938 pour le film "The Big Broadcast" de 1938, avec W.C. Fields, Martha Raye et Dorothy Lamour. Dans le film, il était chanté par Bob Hope et Shirley Ross, soutenu par Shep Fields et son orchestre.
Il a remporté un Academy Award pour 'Best Original Song' (meilleure chanson originale).
Pour la piste "Badia / Boogie Woogie Waltz Medley", réunir "Badia" (tiré de "Tale Spinnin'") et "Boogie Woogie Waltz" (de "Sweetnighter") était quelque chose que Joe avait entrepris de faire au fil des ans.
Le titre "8:30" fut le premier enregistrement sur lequel Zawinul a utilisé un vocoder.
Interrogé à ce sujet en 1984, il a déclaré: "...J'ai fait beaucoup de choses avec [le vocoder] au cours des années. Toute la mélodie sur ‘8:30’ était une mélodie vocoder. Et, par exemple, sur 'Procession', le son du type didgeridoo est entièrement fait avec le vocoder, ainsi que les voix 'chipmunk' sur 'Two Lines'...".
À propos de "8:30", Erskine a déclaré à Glasser: "...À un moment donné, Jaco s'est assis à ma batterie et a commencé à jouer, ce qui était un peu menaçant pour moi à l'époque, et il a commencé à jouer à quelque chose, et Joe s'est joint, et cela est devenu "8:30", le morceau d'ouverture de la face studio. Et j'ai couru pour obtenir l'ingénieur du son et je lui ai dit de revenir et de bien l'enregistrer...".
En ce qui concerne le segment de radio à ondes courtes précédant le morceau, Erskine a déclaré:
"...Ils ont trouvé cela parce qu'ils disaient: 'Nous avons besoin de quelque chose pour entrer dans la mélodie', alors Jaco a trouvé quelqu'un qui avait une installation onde courte et il l'a enregistré sur une cassette. Et il l'a introduit, et nous avons écouté environ 45 minutes de lui tournant le bouton, un accordéon, la voix de la BBC et ensuite, bam!, ils ont coupé dans la version de la cassette. Ensuite ... vous entendez tout ce qui est entré dans cette chose épanouie en stéréo. À ce moment-là, ils avaient finalement eu la piste multitrack de deux pouces, parce que j'étais allé chercher l'ingénieur. Donc c'était la même prise, juste par différentes machines. omme pour beaucoup de mises au point de Weather Report, cela serait masqué parce que nous allions overdubbé un crash de cymbale directement au point d'édition...".
“...‘Brown Street’ a été enregistrée ici même à la maison...", a déclaré Zawinul en 1984. "...Jaco était censé venir à la répétition, mais il avait été arrêté. Peter Erskine, Wayne, mon fils Erich, et moi venions de commencer à jouer et ce fut 'Brown Street’. Il était enregistré à l'origine sur une cassette, mais nous l'avons consigné sur le disque et le caractère naturel est toujours resté...".
Erskine a déclaré à Glasser: "...Nous sommes venus chez Joe avec 'Brown Street' que nous venions d'avoir sur cassette. Nous avons donc pris la piste de la cassette, l'avons placé sur deux pistes d'un multipiste et Wayne a réappris beaucoup de ce qu'il avait joué et a overdubbé pour obtenir un meilleur son...".
Comme avec "Unknown Soldier” de "I Sing The Body Electric", "The Orphan" traite de l'expérience de Zawinul en tant qu'enfant en Autriche pendant la Seconde Guerre mondiale.
Il a expliqué à Hal Miller, "...Il s'agit de l'enfant qui perd ses parents et qui a dû faire avec la situation où j'ai grandi dans la guerre et tant d'enfants autour de moi ont perdu leurs parents. Et je sais comment ils ont dû lutter pour remédier à cela, mentalement et émotionnellement. Mais ce dont cette chanson parle vraiment n'est plus la guerre. Il s'agissait de la guerre et de ces quelques survivants, alors j'ai embauché une école d'orphelins pour chanter et ils étaient merveilleux. (‘No more, no more, no more’). Ils sont entrés et nous avons eu des biscuits et toutes sortes de petits jouets pour eux parce qu'ils étaient très jeunes. Ils ont passé une journée sur le terrain! Les enfants étaient vraiment gentils et ils avaient un chef de chœur merveilleux. La façon dont ils ont appris la musique, c'était très agréable...”.
"...Tout le monde a convenu que celui-ci ["Sightseeing"] ressemblait à quelqu'un qui parcourait une place en tant que touriste et qu'ils allaient faire du tourisme...", a rappelé Shorter. "...Une partie de cela était le mouvement ... ne s'arrêtant pas à un seul endroit, n'étant pas enchaîné à un endroit. Se déplaçant dans le véhicule lui-même est une vue qui a été vue...".
Jaco a cité une fois "8:30" comme un exemple du son qu'il a réalisé avec le MXR Digital Delay, mais il se référait probablement à "Sightseeing", qui avait été combiné avec "8:30" en concert. L'effet qu'il décrit peut être entendu pendant le break de basse proche de la version enregistrée de "Sightseeing".
L'album "8:30" était à l'origine un LP double gatefold, mais la réédition sur CD a laissé tomber une piste, "Scarlet Woman", et il est paru en un seul CD. Au Japon, l'album est sorti comme un double CD avec toutes les pistes de l'original.
Au fil de toutes ces années passées, le Rock & Roll a eu sa part de tout ces merveilleux artistes n'ayant faits qu'un album dans leurs carrières alors qu'il semblait qu'ils auraient dû pouvoir se bâtir une renommée grâce à un large catalogue.
Axis s'avére être l'un de ces groupes d'un album, ce qui est surprenant parce qu'à la fin des années 1970 ce Power Trio semblait réellement possèder un potentiel exceptionnel.
Axis est un groupe de Rock légendaire, originaire de Shreveport, en Louisiane, composé du Guitar Hero local et chanteur Danny Johnson, du bassiste Jay Davis et du batteur Vinnie Appice, frère de Carmine Appice, qui n'a réalisé qu'un seul et unique album intitulé "It's a Circus World", en 1978.
Le groupe se vantait pourtant de possèder des musiciens de talent, même si son matériel tombait un peu à court d'inspiration pour continuer à ce moment-là.
Le frère cadet de l'influent batteur Carmine Appice, Vincent 'Vinnie' Appice a certainement été très inspiré de suivre le choix de carrière de son frère à un âge précoce, même en prenant des leçons auprès du même professeur à Brooklyn.
Vinnie avait travaillé sur plusieurs projets de Lennon avant de s'associer avec le guitariste Rick Derringer en 1976, rejoignant le groupe Derringer dans lequel officiaiy Danny Johnson et contribuant à l'album intitulé "Derringer" la même année.
Avant la fin de l'année 1977, Appice décide de créer son propre groupe, Axis, un Power Trio qui sort de l'ordinaire, avec le guitariste Danny Johnson et le bassiste Jay Davis.
Quant à Jay Davis, il n'avait pas toujours été chanceux. En 1976, par exemple, il avait répété et enregistré avec Mick Jones et Ian MacDonald et il était parti juste avant que Foreigner ne soit signé. Il avait aussi, par la suite, enregistré avec Mick Ronson et cet album n'est jamais sorti.
Lorsqu'il se joint à Axis, le groupe enregistre un album, mais le trio se séparera rapidement.
"It's A World Circus", produit par Andy Johns n'est pas véritablement un bijou tel que l'on pourrait le concevoir, mais c'est une belle collection de Rocks dignes de ce nom.
Cet album est même l'un des albums les plus sous-évalués de l'histoire du Rock.
Tout d'abord, ce disque n'est rien d'autre que du bon vieux Rock, et il a hérité du son de Danny Johnson qui apparaît sur les trois albums du groupe de Derringer, "Derringer", "Sweet Evil" et "Live".
Les chansons de Danny, "Sailor", "Drivin Sideways", et "One Eyed Jack" montrent son incroyable talent pour la mélodie.
Danny Johnson a le don de savoir exactement où mettre une note dans un solo dr guitare. Ses solos forment souvent des sous-mélodies, comme dans "Busted Love" et "Ray's Electric Farm".
La chanson-titre est 'peut-être' un peu surproduite, mais le défaut est mineur dans un ensemble global très fort de vieilles chansons de Rock.
Dans "Juggler" Danny utilise sa guitare comme un scalpel sur un rythme précis alors que beaucoup de guitaristes de groupes de Heavy Metal des années 80 n'ont jamais réussi à le faire car ils l'utilisent trop comme un marteau.
"Train" de Jay Davis est un Blues / ballade très puissant dans sa morosité et son crescendo.
"Soldier Of Love" est construit comme une combinaison de pédale wah-wah façon Jimi Hendrix et de Funk façon Clinton, et les chœurs de Danny sont sa marque de fabrique.
Sur "Armageddon", les accords sonnent réellement comme des bombardements et des explosions.
Danny a parfois accidentellement anticipé le son Punk en jouant dans des registres très bas, que l'on peut entendre sur "One Eyed Jack", et cela apparaît sur cet album avec des chansons comme "Cats in the Alley" et "Ray's Electric Farm".
Donc, en conclusion, "It's A World Circus" semble être vraiment l'un des derniers grands albums de bon vieux Rock.
Des hymnes Rock sans âge comme "Armageddon" et "Bandits of Rock' préfigurent le projet suivant de Danny avec un groupe dans les années 80 sous le nom de Danny Johnson & The Bandits. Accrocheur, si rien d'autre ne frappait l'auditeur, des titres comme "Ray's Electric Farm" et "Cats in the Alley" avaient donné une raison de croire que Axis pourrait être là pour longtemps.
Les premiers fans pensaient même que si ce LP de 1978 est imparfait, le groupe pourrait facilement se transformer en une force majeure sur la scène Rock pour des albums ultérieurs.
Mais il n'y eut pas d'album suivant pour Axis, dont le premier album fut aussi, malheureusement le dernier...
Après un long hiatus sans enregistrement, à l'instigation du chanteur Richard Marx, Poco réapparait sur le label RCA avec leur succès "Legacy" en 1989, réunissant les membres originaux Young, Furay, Messina, Grantham, et Meisner vingt ans après les débuts de Poco.
L'album produit un Hit du Top 20, "Call It Love" et un Hit du Top 40, "Nothing to Hide" (écrit par Richard Marx) permettant à Poco de gagner son deuxième Disque d'Or (sur 19 réalisations).
C'est l'album que les fans purs et durs de Poco aiment jusqu'à le détester. Comme la plupart des albums de retrouvailles, celui-ci ne s'avère pas être ce que l'on attend. Lorsque les cinq membres originaux de Poco se réunissent pour la première fois depuis les sessions d'enregistrement de leur premier album,"Pickin' Up the Pieces", la plupart des fans inconditionnels de Poco espérent et s'attendent à un nouveau "Pickin' Up..." en commençant là où ils l'avaient laissé vingt ans auparavant.
"Legacy" est, en fait, la continuation de la carrière individuelle des membres, et la musique montre comment chacun a progressé dans les vingt ans depuis la dernière fois qu'ils ont joué ensemble. L'autre chose qui déçoit les fans est que cet album ne s'est pas fait avec la totalité de membres du groupe pour chaque morceau. Le batteur George Grantham semble très peu chanter, comme s'il n'était pas disponible pour la majorité des séances d'enregistrement. Son rôle semble se limiter à fournir du backing vocal, tandis que sa place derrière la batterie est tenue par des musiciens de studio. En outre, le père fondateur Furay n'apparait véritablement que sur les deux titres qu'il a écrit et semble également très peu présent sur le reste de l'album.
"Legacy" est donc plus une véritable collaboration entre Meisner, Young et Messina.
Même si l'album n'est pas un "Pickin 'Up the Pieces - Part 2", et si le rôle de Grantham et de Furay est limité, il vous faut absolument donner malgré tout une chance à cet album.
Les retrouvailles s'avére être un effort ponctuel et le line up ne survivra même pas à la tournée de soutien, car Furay trouve son double rôle de ministre de Calvary Chapel et d'interprète Rock trop incompatible. Mais "Legacy" se distingue comme un excellent disque qui représente des grandes légendes de l'époque Country Rock.
Le groupe reste fidèle à sa fondation et il construit un album classique!
Issu d'un milieu Country-Western-Rock, le son est assez comparable à celui des Eagles. Cependant, ils réussissent à produire une sensation de Classic Rock qui ne piétine pas l'ambiance Country qu'ils souhaitent présenter, ce qui est en partie due à la production impeccable de l'album. Les racines Country Rock de Poco sont clairement démontrées dans des chansons comme "When It All Began", "Nothin' To Hide", "Look Within", "Rough Edges", et "Lovin' You Every Minute".
Puis, Poco fait un pas vers les ballades Classic Rock avec des chansons comme "If It Wasn't For You", "Who Else", et "Follow Your Dreams".
Dans le même temps, ils créent des hymnes Rock comme "The Nature of Love", "What Do People Know", et le classique intemporel "Call It Love".
Cependant, il est difficile de visualiser "Legacy" comme un album de Poco à part entière. C'est plus une série de chansons de chaque individu soutenu par les membres d'un groupe autrefois connu sous le nom de Poco.
Réunissant les membres originaux avec chacun leurs propres compositions, cet album contient une telle variété de genres qu'il est difficile de croire que ces gars-là n'ont pas eu le succès de The Eagles.
Certaines des chansons de Young et son chant suggèrent REO Speedwagon, Messina arrive avec un rythme plus lent, funky, R & B / Gospel, les chansons de Meisner et son chant suggèrent Don Henley! Les Rocks sonnent même comme du ZZ Top! Des ballades, des Rocks, ils savent tout faire.
"Legacy" est excellent du début à la fin. Il contient les deux singles "Call It Love" et "Nothing to Hide". Le reste de la setlist est également très forte. Il y a quelques très jolies ballades comme "Follow Your Dreams" et "Look Within", qui ont toutes deux été écrites et chantées par Jim Messina et le sensuel "If It Wasn't for You"qui a été écrit par Richie Furay. Enfin, quelques excellentes chansons Hard rocks "The Nature of Love" et "Lovin 'You Every Minute".
Il y avait eu des échecs colossaux dans le passé quand d'anciens partenaires se réunissaient après de longues années pour enregistrer un album de retrouvailles, mais ce n'est pas le cas pour d'eux. En fait, c'est peut-être le meilleur. Non que chaque chanson soit parfaite et peut-être même que la moitié des morceaux sont assez médiocres, mais il y a de véritables joyaux.
La première moitié du disque est formidable et Randy Meisner et Rusty Young sortent vraiment du lot.
Le disque s'ouvre prometteusement sur une chanson écrite et chantée par Richie "When It All Began" qui est du grand Poco autobiographique. Furay joue de la guitare acoustique et il garantit un excellent chant qui rappelle un peu Glenn Frey des Eagles. C'est une réflexion sur les débuts du groupe ("Some called it country. Some called it rock and roll"). ("Certains l'appelaient country. Certains l'appelaient rock and roll"), une bien belle chanson qui aurait pu facilement être un single. à coup sûr, un des points forts de l'album qui est très accrocheur et qui contient d'excellentes harmonies vocales caractéristiques du groupe ainsi que du banjo et un grand travail de guitare. Cela reflète tout le chemin de retour au style original de Country / Folk / Rock avec des riffs de guitare de Messina, de la pedal steel guitar jouée par Rusty.
La chanson suivante, "Call It Love" de et chantée par Rusty Young à juste titre, met Poco de retour vers le côté commercial pour la première fois depuis de nombreuses années. La voix sonne comme celle de Tim Schmit, on retrouve des jolis riffs de guitare, un jeu de basse propre joué par Randy, un bon jeu de batterie, et l'orgue joué par Bill Payne de Little Feat mais cette chanson aurait pu avoir un meilleur son, si Richie avait chanté l'harmonie vocale au lieu de Randy.
Ceci dit, Randy offre ensuite un chant excellent sur la chanson suivante "The Nature Of Love", accompagné par le synthétiseur, la batterie, des riffs de lead et steel guitar joués par Jim et Rusty.
"What Do People Know" de Young, encore une autre autobiographie de Poco, est aussi un autre point fort. C'est une excellente chanson Rock avec la voix de Young, du sythesizer, et des guitares acoustiques et électriques.
"Follow Your Dreams" écrite par Jim Messina est l'une des meilleures chansons qu'il ait jamais écrite et elle est tout simplement parfaite. Elle forme un habile conclusion autobiographique à "When It All Began". C'est une ballade acoutique chantée pour le groupe sur cet album. On distingue la mandoline de Rusty, toujours les harmonies vocales du groupe, mais aucune ligne de basse. Un mellotron aurait un meilleur son sur certaines chansons qu'un synthétiseur, mais ce n'est probablement pas le style de Bill.
La chanson suivante "Rough Edges" écrite par Rusty et chantée par Randy est également un excellent Rock avec un rythme effréné avec des riffs de guitare électrique et de steel guitar par Jim et Rusty.
"Nothin' to Hide" de Meisner est la plus Eagles de toutes les chansons que Poco a jamais enregistrées. Est-ce la direction que Poco aurait pris, si Meisner n'avait pas quitté le groupe si tôt dans son existence? Ecrite et produite par le chanteur Richard Marx, elle sonne en gros comme le Hit des Eagles "Take It To The Limit", chanté et co-écrit par Randy Meissner avec Glenn Frey et Don Henley. Le Chant de Randy la rend plus brillante accompagnée par une tranquille lead guitare jouée par Jim, la steel guitar de Rusty, le synthétiseur de Bill Payne, mais les harmonies vocales de Richard Marx étaient pratiquement inutiles.
Un autre grand morceau mid-tempo qui aurait pu être un Hit est le sexy "Who Else" qui est une jolie composition de Rusty Young qui aurait eu sa place sur tous les LPs de Poco du début des années 1970. Chanté par Rusty, c'est une ballade exceptionnellement tranquille avec les harmonies vocales du groupe, de la batterie, des claviers, des riffs de basse et des riffs de guitares acoustique et électrique
Et le "Lovin' You Every Minute" de Jim est aussi un excellent Rock avec son chant et son jeu de guitare, le jeu de la steel guitar de Rusty, le jeu propre et net de la basse de Randy et les harmonies vocales, et le martellement de la batterie.
L'avant-dernière chanson "If It Wasn't For You" est le deuxième morceau de Richie Furay. Elle est typiquement mélodieuse et on peut regretter que Furay n'en ait pas écrit plus pour ce disque. Mais elle rappelle aussi le style classique de Poco avec son chant et son jeu de guitare acoustique, la pedal steel guitare de Rusty, le synthétiseur, et les harmonies vocales du groupe,
"Look Within" de Jim, que l'on trouve en plus sur la version CD, est excellente avec son chant et son propre jeu de guitare et le clavier rafraîchissant de Bill jouant le style, les harmonies vocales, et le jeu de batterie.
L'incroyable travail vocal de Randy Meisner se retrouve sur tout cet album et c'est un autre point fort, comme l'est aussi le travail à la lap steel guitar de Rusty Young.
A noter: il y a très peu de steel guitar de Young et c'est un album sans Paul Cotton et la musicalité est superbe.
Tout compte fait, vous ne pouvez pas vous tromper avec cet album parce que c'est une joie de bout en bout. Ce qui rend cet album si spécial est que les quatre chanteurs, Richie Furey (le chanteur d'origine), Rusty Young (pedal steel guitar), Jim Messina (guitare), et Randy Meissner (basse) chantent des chansons sur cet album sans que personne ne soit à l'honneur.
Cependant, il devrait y avoir une troisième chanson pour Richie à chanter. De plus, c'est aussi vraiment une honte que Randy n'ait pas écrit de chansons lui-même à chanter, et que le batteur chanteur (son travail tout au long de cet album) George Grantham était trop malade pour jouer de la batterie (jouée par Jeff Porcaro de Toto) sur cet album.
Globalement, c'est un Must pour tous les fans de Poco.
Pour Weather Report, au début de 1980, Jaco Pastorius a recruté le batteur percussionniste Bobby Thomas, Jr., un camarade de Floride, avec qui il avait jammé précédemment.
C'est avec lui que le groupe enregistre "Night Passage", sorti en 1980. Les pistes ont été enregistrées en Août 1980 dans The Complex studios à Los Angeles (devant une foule de 250 personnes qui peut être entendues sur quelques morceaux), à l'exception de "Madagascar", enregistrée en live à Osaka, en Juin de la même année.
"Night Passage" perd les couches de production plus ou moins excessives de certaines des sorties antérieures de Weather Report (notamment le "Mr. Gone" de 1978). Ce qui est perdu dans les couches d'overdubs est alors plutôt constitué en improvisation solo dans la tradition classique du Jazz.
Un enregistrement plus strict et plus traditionnel que les précédents, le disque a joué un rôle plus important pour Wayne Shorter, un élément fort du Bebop et un clin d'œil à l'âge d'or du Jazz grâce à une reprise à grande vitesse du "Rockin' in Rhythm" de Duke Ellington (en quelque sorte, l'inovation d'un Zawinul assez frimeur et sa capacité de créer de plus en plus des sons synthétiques de big band sur ses synthétiseurs).
Selon le 'Boston Globe', Zawinul a été inspiré pour écrire la mélodie de "Night Passage" par un voyage qu'il a fait sur le train nocturne de Venise à Vienne, avec le rythme clandestin du train et le son d'une annonce de la station de chemin de fer qu'il a enregistrée dans un dépôt de chemin de fer Italien en cours de route.
Zawinul a déclaré au 'Melody Maker' comment les performances de Weather Report variaient entre elles tout en restant enracinées dans une fondation:
"...Les progressions changent tous les jours, les accords changent tous les jours, mais certaines choses ne changent que dans l'expression plutôt que dans le libellé actuel de celle-ci. Par là, je veux dire les notes réelles étant utilisées. Vous écoutez 'Dream Clock'. La mélodie ne sera jamais modifiée, mais l'expression sera différente tous les jours, et les accords seront différents. Et c'est ce qui nous permet d'avoir beaucoup de succès, car les gens peuvent en ressentir la réalité tous les jours...".
A propos de 'Port Of Entry', "...Celui-ci était plutôt reminiscent d'immigrants entrant, allant et venant", a rappelé Shorter. "...Je me souviens avoir pensé que le port d'entrée devait également faire avec la liberté d'accéder aux différents points d'entrée. Je veux dire, si les portes sont fermées, vous n'aurez pas d'immigration. Et 'Port Of Entry' est également psychologique parce que beaucoup de gens ne laissent pas les autres: ils s'attendent à ce que tout le monde ait un passeport qui ressemble aux leurs...".
Dans son article de 'Musician', Pareles a décrit la performance live de "Rockin' In Rhythm" de Weather Report comme ceci:
"...Dans une nuit de surprises au Beacon, le plus inattendu était que Weather Report a effectivement joué une reprise: 'Rockin' In Rhythm' de Duke Ellington. "...C'était parfait, non seulement pour son titre, mais pour la façon dont le groupe l'a mis en pièce. Ils avaient traité sa ligne bluesy comme ils traitent tout ce que Shorter ou Zawinul pouvaient avoir trouvé de dur et swingant, alors que derrière ça, Zawinul frappait des accords modaux soutenus du Fender Rhodes en dehors des beats dans un style de référence. En régénérant totalement Ellington, Weather Report a affirmé sa continuité avec la tradition du Jazz, prouvant simultanément qu'ils avaient quelque chose d'eux-mêmes à y ajouter...".
Largement considéré par beaucoup, y compris par Zawinul, comme la plus belle composition de Jaco, "Three Views of a Secret" a été écrit à l'origine pour le deuxième album solo de Jaco, "Word of Mouth", dans lequel il apparaît sous une forme entièrement orchestrée.
Le morceau intitulé "Madagascar" a été enregistré en live à Osaka, au Japon. Zawinul a déjà dit que cette composition était à l'origine une partie de son concept pour son album "Dialects".
À propos de "Madagascar", Zawinul et Pastorius ont déclaré à 'International Musician and Recording World':
Dans l'événement, Pastorius a passé plus de son attention créatrice sur son projet "Word of Mouth", sa seule écriture pour l'album "Weather Report" étant sa contribution à un seul morceau composé par un groupe.
Il faut dire qu'à cette époque, Pastorius affichait des signes d'instabilité mentale et de problèmes de toxicomanie, ce qui a fini par ruiner sa carrière, et la relation étroite entre Zawinul et lui devenait tendue, car Zawinul était fatigué du spectacle de Pastorius sur scène (commençant à estimer qu'il nuisait à la musique).
Janstate est un groupe Américain de Heavy Rock Hard Rock inconnu formé en 1992 par le guitatiste claviériste Steve White avec une légère touche progressive et qui a sorti un très bon album en 1993 intitulé "Shot to Pieces" en 1993.
Les autres membres du combo sont le batteur Alan Passmore, le bassiste Dave Kneil, le guitariste Owen Rolfe et le guitariste chanteur Clive Jan Burnage.
"Shot to Pieces" est leur premier disque, publié en Grande-Bretagne, qui a également été distribué au Japon par Zero Records. L'album a la chance d'avoir une bonne production et il y a de très bons morceaux avec des riffs de guitare très Hard. Le point culminant de l'album est sans aucun doute la ballade "C U in Heaven", mais il y a aussi 3 ou 4 morceaux Rock qui valent la peine d'être écoutés. Un album qui devient génial après quelques écoutes, surtout si vous aimez des groupes comme Leatherwolf, Dokken ou Parish.
La chance de "Shot to Pieces" est sa bonne qualité de production, et on y trouve de très bonnes chansons avec beaucoup de bons riffs de guitare et en point d'orgue une superbe ballade "C U in Heaven".
C'est un de ces disques qui s'aprécie au fur et à mesure de son écoute!
En 2000, Grantham et Jack Sundrud reviennent de nouveau à Poco, réunissant le line up du groupe de 1985, et "Running Horse" publié en 2002 trouve le groupe en studio pour la première fois depuis treize ans. Le CD est alors diffusé par le website du groupe.
Cet album, produit à Nashville, fait apparaitre les inconditionnels Rusty Young, Paul Cotton et George Grantham, le batteur chanteur originale. Le line up est complété par Jack Sundrud (alors âgé de 19 ans) qui joue en live avec Poco depuis quelque temps. La musique est plus proche du son moderne de Nashville.
Ce premier disque de Poco depuis plus d'une décennie, a de grands moments. Rusty Young se déchaine sur sa mandoline et sa pedal steel sur quelques morceaux, et les harmonies vocales étonnantes qui annoncent le retour du fils prodigue, le batteur George Grantham ramènent de nombreux souvenirs des albums de Poco d'une grande partie des années 1970.
Tous les fans inconditionnels trouveront que l'album est merveilleux, et que c'est un témoignage très pérenne de ce groupe né en 1968. Cotton et Young ont réussi à rester pertinents et frais. Ils n'ont jamais cessé de se réinventer. Bien sûr, le succès commercial a bien souvent échappé à Poco mais certainement pas à cause de la qualité de leur musique car ils sont restés, malgré les années, un grand groupe avec un son unique.
Mais Poco est un survivant. Leurs fans peuvent désormais adopter plus de trois décennies de musique qui a résisté à l'épreuve du temps. Rusty et Paul continuent à écrire des trucs brillants. La présence de Jack Sundrud ajoute une autre dimension à "Running Horse". La production est lisse et propre.
L'album offre onze chansons formidables et nouvelles des vétérans Rusty Young, Paul Cotton, et du nouveau venu Jack Sundrud. Ceci est une des plus belles réussites de Poco à ce jour. Poco continue de concevoir d'excellentes chansons, de fournir des arrangements de chansons solides avec des voix fortes, et l'utilisation de la steel guitare de Rusty est magique. Ce disque semble être un mélange des anciens et des 'nouveaux' membres du groupe, avec, somme toute, d'excellents résultats.
Chaque chanson est intemporelle. Des titres comme "Never Get Enough" et "Shake it" nous montrent les membres du groupe avec leurs plus récentes ballades telles que "One Tear at a Time et "That's what Love's All About".
Les chansons sont toujours aussi fortes avec des points saillants comme "I can only Imagine", "Running Horse" et "Everytime I hear that train" par Paul. Rusty amène quelques chansons d'amour Les compositions de Rusty Young et Paul Cotton sont de haut niveau. George Grantham est meilleur que jamais! Cotton, Young et Sundrud qui a écrit deux chansons astucieuses, "Shake It" et "Never Loved .."
Le nouveau venu du groupe, Jack Sundrud, ajoute trois chansons et les trois morceaux écrits par Paul Cotton ne sont pas ses meilleurs mais ils sont bien.
Même si les chansons de Sundrud semblent déplacées sur un disque de Poco (elles ne semblent pas tout à fait adaptées au style du groupe), celui-ci s'intègre très bien et ajoute même surtout une touche nouvelle bienvenue à la musique.
Les Afficianados de Rusty Young seront heureux.car Rusty a écrit cinq chansons et sa slide et sa steel guitare se démarquent toujours autant. Sa meilleure chanson est "Forever", qui regroupe plusieurs grands travaux de slide guitare. Ses autres chansons vont du Rock à la ballade Country.
C'est peut-être le plus cohérent, le plus fort des albums de Poco composé de grandes chansons. Les chansons de Rusty Young au mieux et les contributions de Jack Sundrud sont une force majeure dans le Country Rock. Les chansons de Paul Cotton complètent bien l'ensemble. Les ballades sont touchantes et mélodiques, et les chansons up-tempo brillent de mille feux.
Le morceau d'ouverture, "One Tear At A Time" est du Rusty Young classique. Il pourrait passer tranquilement en fin de soirée sur n'importe quelle station de Soft Rock.
"Everytime I Hear The Train" est, quant à lui, du Paul Cotton classique. Un peu plus d'émotion, un peu plus de guitare, et une belle histoire. Et ça marche... C'est un Rock mid-tempo très mélodique; le genre dans lequel Cotton excelle. Maintenant alors qu'il approche des 60 ans, sa voix s'est adoucie comme un bon vin et elle est plus expressive que jamais. Un morceau magnifique!
Ensuite vient "If Your Heart Needs A Hand" de Young livré dans une manière un peu plus acceptable en raison de plusieurs chœurs fait par le groupe. La chanson est un peu meilleure que le morceau d'ouverture, avec un rythme intéressant.
"Never Loved ...Never Hurt Like This" est le premier morceau du "nouveau" membre du groupe Jack Sundrud, qui avait fait des tournées avec le groupe pendant un certain temps.
"Forever" signée Rusty Young, a un rythme qui rappelle les notes de "Call It Love" sur l'album "Legacy", mais elle n'est, malheureusement, pas à la hauteur de cette chanson.
"Never Get Enough", co-écrite par Sundrud, originaire de Nashville est excellente.
La chanson suivante est une autre ballade, "If You Can't Stand To Lose", avec une bonne performance de Rusty Young au chant.
Heureusement, Paul Cotton assure encore bien, avec "I Can Only Imagine". Ce rock mid-tempo est super et Cotton chante et joue de la guitare savoureusement dans son style inimitable.
Le morceau suivant "Shake It", écrit par Sundrud est une chanson qui a le titre de Country Rock prometteur. Cela sonne très anti Poco, mais c'est un bon air de 'foot stomp'.
Pour les amateurs de jolie ballade Country, "That's What Love is All About" écrit par Young et Craig Fuller de Pure Prairie League / Little Feat aurait pu être facilement un Hit numéro 1.
L'album se termine sur une note modérément uptempo avec la chanson titre, "Running Horse" qui offre l'incroyable steel guitare de Rusty faisant écho aux paroles visionnaires de Cotton, qui rappelle le passé et lance l'espoir pour l'avenir. C'est une chanson autobiographique de Paul Cotton sur la façon dont Poco continue d'être une partie de sa vie. Il s'agit du dénouement positif d'un effort global plutôt décevant.
Les compétences de la production de Mike Clute donnent à cette version, un son doux et substantiel. C'est un album que l'on peut apprécier du début à la fin. La musicabilité est, comme d'habitude, au top. Et Poco est vraiment un groupe étonnant qui devrait être depuis longremps dans le Rock & Roll Hall of fame!
Si vous n'avez jamais écouté ce disque, il en vaut la peine.
Tokyo Blade est un groupe Anglais originaire de Salisbury, dans le Wiltshire, en Angleterre, issu du début des années 80 assimilé à la NWOBHM qui apparaît un peu après l'engouement suscité par Iron Maiden, Judas Priest, Motörhead et Saxon, pour ne citer que les plus connus.
Le groupe, formé en 1982 par le bassiste Andy Robbins et le guitariste Andy Boulton, est aussi composé du batteur Steve Pierce, du guitariste John Wiggins et du chanteur Alan Marsh et il rencontra un large succès auprès du public, relayé par la presse spécialisée, suite à la sortie de ses deux premiers albums, "Tokyo Blade" et "Night of the Blade", le second, confirmant l'essai du premier.
Ils produisent un Heavy Metal plutôt basique, pouvant aller dans les contrées du Speed, en passant par de belles ballades, en mettant un accent très prononcé sur la mélodie, qui est un peu sa marque de fabrique.
On peut évoquer Iron Maiden, mais ce n'est que du Tokyo Blade, donc moins sophistiqué dans les arrangements, morceaux pas trop longs mais vraiment axé sur les mélodies.
Solide est un bon mot pour décrire les débuts de Tokyo Blade sur huit pistes. Défendable, cependant, est meilleur. On aurait pu s'en tirer avec quelque chose comme "solide" en 1982 et avant, mais cet adjectif supérieur exprime le chahut plus lourd, plus exigeant et plus agressif qui se fraye un chemin jusqu'à la frontière de la saison chaude du metal en 1983. Oui, la saison chaude. Suivez-moi. Si 84 est le premier bombardement massif de napalm de thrash metal, alors 83 est le gars sur le terrain avec le lance-flammes, et ce n'est pas une déclaration péjorative. Quelque chose prenait de l'ampleur, mais pas vraiment par un jeu de jambes trop rapide et/ou des mains rapides. Il s'agissait plutôt d'une pression - une pression audible, une pression sonore, la pression d'une agression élevée, d'une agression plus forte, d'une agression supérieure, d'une agression débouchant sur... quelque chose d'autre, quelque chose d'enfin... du métal pur, du métal sans le blues siphonné qui ralentit les choses, du métal mettant quelques couches supplémentaires entre lui et les fondations remerciées mais inépuisables du hard rock, du métal qui n'allait plus tourner autour du pot. Tout ceci est bien sûr rétrospectif, car qui aurait pu savoir que le thrash a) existerait, b) existerait l'année suivante, et c) ferait ressembler la plupart du speed metal moderne à une course en fauteuil roulant, tout en étant si sensiblement éloigné du metal traditionnel ? Mais avant cela, c'était l'odeur de quelque chose qui brûlait traditionnellement et qui était prêt à bum rush quiconque ou quoi que ce soit sur le sommet de la colline.
En tant que groupe, le quintet s'est soudé depuis quelques années, ce qui explique leur cohésion supérieure à la moyenne et, à mon avis, leur solidarité en matière d'écriture. Il est logique que ce temps passé ensemble leur ait permis de mûrir à un rythme et dans un lieu (plus ou moins) similaires à ceux de la plupart des autres groupes, ce qui leur a permis de bénéficier d'une flexibilité mentale où les pensées et les idées peuvent plus facilement circuler entre eux, réduisant peut-être les motifs inconnus et les secrets ainsi que la fréquence des querelles internes, et nourrissant, je l'espère, cette énergie créative qui flotte tout autour de ce disque comme un esprit vengeur. Et naturellement, bien sûr, ils sont devenus plus adultes, comme en témoignent leurs changements de noms chronologiques. La vie du groupe a commencé à la fin des années 70 par une sécheresse prévisible sous le nom de White Diamond, saturé par les années 70, puis par une sécheresse encore plus grande en 81 sous le nom de 67th Killer, qui n'est pas près de s'emballer. Plus tard cette année-là et en 1982, ils sont devenus plus mortels et plus déterminés avec Genghis Khan (avec une chanson ici servant dans son armée avant de s'enrôler dans TB, ainsi que leur ep indie Double Dealin de 1983 qui contient les futurs morceaux de TB qui reflètent remarquablement la force et la concentration de leurs futurs membres). Enfin, il y a le rengainage de Tokyo Blade en 1982, un choix légèrement mystificateur compte tenu de l'origine anglaise des membres, mais c'était probablement le but. Peut-être que je suis juste en train de gâcher un pin.
Quel que soit leur passé, Tokyo Blade, en 1983, fait sonner la cloche du dîner, armé d'ustensiles visiblement attendus, capiteux et lourds, qu'on ne peut pas manquer, mais dans la paume de la main se trouve un outil de manucure fin et pointu pour le petit bout de cartilage qui doit disparaître. Les morceaux de viande qui couvrent la majeure partie de la table sont rapidement déchiquetés : "Powergame", sanglant, "Killer City", tapageur et en double solo, "Liar" et "Sunrise in Tokyo", le poids moyen "Break the Chains" et l'ancien soldat de Khan "If Heaven is Hell". Pour moi, il s'agit en grande partie des casse-pattes d'une sortie et de leur placement. Vous ne savez pas combien d'entre eux se plantent sur cette simple chose. Pas d'inquiétude ici, cependant, car avec un rare six d'entre eux nous sommes servis une division logique de trois par côté où ils serrent obligeamment l'espace pour l'histoire-paced et intérêt-dribble "On Through the Night" ainsi que le seul alien du disque, l'insipide "Tonight" de Russ Ballard (chanteur/compositeur souvent repris et ex des rockers Argent des années 70), une reprise pop évidente qui pique méthodiquement du nez dans le champ droit de la deuxième face, qui est comme d'habitude l'avant-dernière chanson. Et pour montrer à quel point ils ne sont pas étouffants, l'outro/finale est cette chanson sans nom (sur l'une ou l'autre version), soixante-treize secondes, nourrie à la cloche à vache, dirigée par un piano, marginalement claquante, le vieux refrain country du groupe The Outlaw Josie Wales qui donne vie à l'histoire des Blue Ridge Mountains de Virginie, qui, avec le temps, est apparemment devenu son titre.
Tokyo Blade, l'album, passe assez vite et il n'y a pas à se demander pourquoi. Avec six morceaux qui se régalent avec les deux mains, il n'y a pas beaucoup de petits coups de serviette, et si le morceau "Tonight" s'était simplement perdu quelque part dans le retour de balle, l'allée entre "Liar" et "Sunrise in Tokyo" aurait pu être remplie par des morceaux déjà enregistrés et qui ne sont pas près de gaspiller de l'espace comme "Meanstreak" (quand il n'y avait qu'un mot), "Highway Passion" ou "Midnight Rendezvous" s'ils ne les avaient pas gardés... pour... hé ! Eh bien, chatouillez mon cornichon, car c'est exactement ce qu'ils ont fait pour la version 84 de Combat Records, en remplaçant "Tonight", "On Through the Night" et, malheureusement, "Liar" par les twisters ci-dessus. C'est ici et maintenant que commence le mal de tête déroutant et difficile à expliquer provoqué par les débuts de la discographie du groupe, où les sorties à un an d'intervalle ont la même pochette et beaucoup de chansons identiques, mais un nom différent, et où un ep avec le même nom, la même pochette et... pffftt vient encore compliquer les choses. Le calcul est peut-être plus facile.
Fait amusant #u8d+0 : l'encart de l'album n'est rien d'autre qu'un bon de commande unilatéral pour des produits dérivés TB, dont un t-shirt ou un sweat-shirt avec au choix la couverture peu flatteuse de leur single If Heaven Is Hell ou, bien, la couverture peu flatteuse de leur single 2nd Cut. D.I.Y. ou crève, mec.
"...la fin, elle est proche, et une larme remplit tes yeux..."
Un nouvel opus intitulé "Weather Report" enregistré en 1981, un deuxième album éponyme après celui de leurs débuts en 1971, est publié en Janvier 1982, provoquant la confusion chez les consommateurs et les détaillants lors de sa sortie.
La domination de Joe Zawinul comme instrumentiste et compositeur (ainsi que directeur de groupe) est encore plus prononcée sur celui-ci. Une grande partie de la musique du groupe est de plus en plus écrite plutôt qu'improvisée.
C'est le dernier album du duo Jaco Pastorius / Peter Erskine dans la section rythmique, mettant fin à ce que de nombreux fans ont considéré comme le meilleur line up de l'histoire du groupe.
Wayne Shorter (qui n'a contribué qu'à une composition entière pour l'album de 1982 au-delà des travaux écrits en groupe) prenait déjà une approche plus philosophique. Il a ensuite commenté, "...pendant longtemps dans Weather Report, je me suis abstenu. J'ai choisi de ne pas faire les choses...".
La pièce centrale de l'album est la troisième partie de "N.Y.C.".
La suite en trois mouvements commence avec "41st Parallel", un groove rebondissant montrant le toucher unique d'Erskine à la batterie. Le second mouvement, "The Dance", est une sensation de swing plus traditionnelle, mais avec l'orchestration du synthétiseur de Zawinul fortement posé par dessus.
Le mouvement final, "Crazy About Jazz", est une fin cordiale qui correspond bien à son nom.
"Volcano For Hire" était une mélodie populaire en concert.
Selon Zawinul: "...Je n'ai jamais vu un autre bassiste avoir une telle endurance. Il pourrait jouer ces lignes de 16ème note à des tempos super rapides et répéter et ne jamais ralentir ou bégayer. Nous avions l'habitude de faire cette mélodie intitulée 'Volcano For Hire', qui brûle les 16èmes notes, et chaque nuit [Jaco] la clouait. Il était toujours très actif, poussant toujours le groupe. Et cela nous a toujours gardés en alerte. Chaque groupe a besoin de ce que j'appelle une ogive: la force motrice, le moteur. Et dans ce groupe, Jaco était l'ogive...".
Zawinul a déclaré qu'en 1984, "Volcano For Hire" était difficile pour lui à jouer en live. "...Ma main droite doit se déplacer avec le jeu de Wayne et la main gauche est l'orchestre. La main droite est dans un aspect totalement différent du temps, donc vous devez diviser quelque peu votre tête...". On lui a demandé si on pouvait apprendre ce genre de technique juste en jouant du piano, Zawinul a répondu: "...Je ne pense pas, mais je vais vous dire une chose: cela m'a fait un bien meilleur pianiste...".
Brian Risner a déclaré: "...Dara Factor était fondamentalement, 'Hé, on a encore une heure. Que faisons-nous?...'. Et j'étais tellement efficace avec la production sur ce disque - nous avions réservé deux jours, et nous étions entrés et avions fait deux prises sur tout, peut-être trois, et nous avions obtenu tout ce que nous voulions. Ainsi, il avait un schéma de séquence intéressant, probablement sur l'Oberheim, et ils ont jammé sur cela. Il y avait beaucoup de travail sur la publication [production], car essentiellement c'était un groove et une mélodie de base, alors nous l'avons coupé et ajouté beaucoup d'accents et de choses pour le faire fonctionner..."
"When It Was Now" est la seule composition de Shorter sur "Weather Report". Comme "Mr. Gone", cet album a soulevé des critiques selon lesquelles Zawinul (et Pastorius) enfonçaient le saxophoniste.
A partir de la fin des années 70, le rôle de Shorter dans Weather Report avait considérablement diminué, tout comme sa participation à des activités musicales à l'extérieur du groupe. Certains observateurs avaient accusé Zawinul pour la diminution de la participation de groupe de Shorter, affirmant que le claviériste dominateur avait volé la vedette du saxophoniste.
Shorter n'était pas d'accord:
"...Non, non...", at-il insisté, au début d'une rare entrevue en profondeur, "...Il y a une scène de superficialité, et il y a une existence profonde, comme un rayon infrarouge. Pendant longtemps dans Weather Report, je me suis abstenu. J'ai choisi de ne pas faire les choses. Dans le même temps, je cultivais beaucoup d'autres aspects de ma vie. Je construisais des ressources intérieures qui ne peuvent être vues...".
Le retard dans la sortie de l'album "Weather Report" de 1982 a eu l'effet secondaire de briser le line up du moment...
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Les frères Adrian et Paul Gurvitz se sont allié, entre 1974 et 1976, cette fois avec l'ancien batteur de Cream, Ginger Baker au sein d'un nouveau groupe baptisé Baker Gurvitz Army, mais la gloire, capricieuse et exigeante, ne sera pas davantage au rendez-vous que précèdemment.
Cette nouvelle alliance d’artistes en mal de gloire aboutit à une musique soignée et efficace, à défaut de se révéler franchement mémorable. Les différents protagonistes y apportent ce qu’ils ont de mieux à proposer en limitant (un peu) les graves excès démonstratifs: Baker et sa brutalité jazzy et les frères Gurvitz avec leur délicatesse mélodique, le tout au service d’un Hard Rock somme toute assez pédant.
Leur premier album de Baker Gurvitz Army, éponyme, est sorti en 1974 sur le label Vertigo.
Le collectif prend forme de façon séduisante et plutôt encourageante avec ce disque très éclectique.
Adrian Gurvitz fournit quelques riffs accrocheurs et d’agréables arrangements de cordes tandis que Ginger Baker imprègne les compositions de sa technicité jazzy et les propulse avec fougue.
Le jeu de batterie prend souvent une place importante, avec des effets parfois un peu trop élaborés mais leur Rock raffiné permet aux musiciens d'étirer le morceau le cas échéant.
Adrian est le compositeur principal avec Ginger l'aidant sur quelques pistes, et le trio assume les fonctions de production collective.
L'album se compose de huit morceaux. L'humeur générale est celle d'un album de Rock upbeat avec fortes influences Pop.
Les morceaux les meilleurs incluent la chanson d'ouverture "Help Me", l'apaisement "Memory Lane" et, le meilleur de tous, l'excentrique "Mad Jack" qui montre Adrian Gurvitz et Baker vraiment en pleine forme.
L'ouverture "Help Me" écrite par Adrian Gurvitz contient les synthétiseurs de l'invité John Norman B. Normal Mitchell qui aident à gonfler le son de la guitare.
Le frénétique instrumental "Love Is" de Gurvitz a une orchestration dynamique et une rythmique puissante, combinée avec un superbe travail de guitare. C'est une sorte de croisement entre un solo de batterie et une pièce orchestrale dramatique. Le jeu de batterie de Baker y est naturellement bien en avant dans le mix.
"Memory Lane", co écrit par Ginger Baker et Adrian Gurvitz, est une composition unique, jouée avec le tempo relativement rapide qui est vraiment agréable, mais qui a le sempiternel solo de batterie en plein milieu du morceau comme beaucoup de disques de cette époque-là. Ce morceau est un peu plus difficile car les vocaux sonnent comme Arthur Brown et les riffs de guitare sont solides.
Adrian Gurvitz ralentit les choses pour "Inside of Me" qui est une bonne piste bluesy jouée magnifiquement avec de grands vocaux et une belle guitare ainsi que des jolies lignes de basse. C'est une sorte de Power Blues avec certains des meilleurs travaux de guitare de l'album.
La première face du LP se termine avec une ballade Soul orchestrée (pas une once de Rock) signée Baker-Gurvitz intitulée "I want to live again", une simple chanson Pop complétée avec un choeur vocal féminin.
La seconde face commence par un morceau intitulé "Mad Jack" (Baker, Gurvitz) qui est du Hard Rock assez prosaïque avec une jam de lead guitare qui se prolonge. Dans cette chanson, on trouve une sorte de "Hare who lost his spectacles" type section parlée sans raison vraiment apparente!...
"4 Phil" (Baker, Gurvitz) est un léger instrumental bluesy avec un excellent travail de solo de guitare.
La dernière chanson est la plus longue de l'album. "Since beggining" (écrit ainsi sur la pochette!) offre quelques harmonies vocales complexes pour compléter une mélodie très forte. Les sons de guitare les plus caractéristiques d'Adrian sont mis en évidence. C'est certainement la piste la plus ambitieuse de l'album, un peu confuse parfois, mais agréable à écouter.
Dans l'ensemble, c'est un premier album du trio assez agréable, qui offre plus de promesses que ce qu'il offre réellement.
Ce bon premier opus tient parfaitement la route; ce n'est en aucun cas un classique, mais il vaut bien la peine d'être exploré à fond.
Richie Furay est réuni de nouveau avec le groupe pour un spectacle à guichets fermés à Nashville en Mai 2004, entraînant la sortie d'une réalisation CD-DVD intitulée "Keeping the Legend Alive" qui parait en 2004.
Ce double album CD / DVD capte la sincérité et la joie de jouer de Poco. Ce projet est une merveilleuse idée.
Poco est plus fort que jamais! Leur performance est tout simplement phénoménale!
L'amour et la passion qu'ils ont pour leur musique est évidente. Le chant, ainsi que les harmonies fortes de Paul, Rusty, Richie et George sont aussi merveilleuses, sinon mieux que ce qu'ils ont jamais été! On ne peut qu'apprécier le travail de guitare de Paul et Rusty. La contribution du bassiste Jack Sundrud et du saxophoniste original, Phil Kensie, s'intègrent parfaitement dans un ensemble cohérent. La qualité de la production du son et de la photographie est exceptionnelle.
Rusty Young et Paul Cotton ont gardé vivant Poco sous différentes formes depuis plus de 35 ans maintenant.
Avec le batteur original George Grantham et le bassiste Jack Sundred, le groupe sonne très bien. Ce CD / DVD est un vrai régal pour les fans de Poco qui n'ont jamais eu l'occasion de les voir en concert.
C'est de la pure magie quand le line up récent de Rusty Young, Paul Cotton, George Grantham et Jack Sundrud sont rejoints par Richie Furay.
Poco joue un set généreux de sa carrière musicale dans un cadre intime, en face d'une foule de fans enthousiastes. Le groupe brise son histoire musicale aussi fraîchement que les chansons originales ont été conçues. De grandes harmonies, de la steel guitar, du dobro, du banjo et, de plus, mélangés ensemble pour créer un grand son.
Ceci est un trésor de la part d'un groupe qui a ouvert la voie non seulement pour les Eagles, mais aussi pour beaucoup de groupes de Country faisant des tonnes d'argent à Nashville aujourd'hui. Et la visualisation du DVD montre clairement que cette performance n'est pas une question d'argent, mais plutôt l'amour de la musique.
Poco commence par un set acoustique, avec Richie Furay apparaissant après la deuxième chanson et le groupe glisse dans un mode plus Rock au fur et à mesure que se déroule le spectacle. Il y a quelques bonnes surprises dans l'ensemble comme "Let's Dance", "Spellbound" et "Indian Summer". Ironiquement, la chanson "Legend" n'est pas incluse dans le concert.
Rusty Young est la star du spectacle. Il émerge comme un performeur confortable et son jeu sur le dobro et la pedal steel peut seulement être décrit comme immaculés.
Une chanson de chacun des deux membres clés non présents Tim Schmit et Jim Messina est incluse dans le show. Ceci permet de garder un sens de l'histoire du groupe en place.
La performance se construit alors que le spectacle continue et le public est très reconnaissant. Les choeurs, tout au long du concert, sont si bons que l'on pourrait presque croire que Schmit était présent!
"Where Did The Time Go" commence le concert d'une façon simple et délicate. Il s'agit d'une nouvelle chanson, bien qu'un peu courte qui donne le ton.
"Keep On Tryin'" est un joli morceau pris parmi les meilleurs de Timothy B. Schmidt. Rusty n'est certainement pas Timmy B, mais alors qui l'est?
"Crazy Love" est l'un des classiques de "Legend". Il semble toujours aussi grande. Comment pourrait-on ne pas aimer ces harmonies? Et en plus, George Grantham sort de derrière ses tambours!
Avec "Pickin 'Up The Pieces", le show commennce à prendre une autre dimension et Richie semble s'améliorer avec l'âge. Malheureusement, George sonne un peu fragile sur son solo. Il sonnait beaucoup mieux à Buffalo en 2004. Les solos de Paul et de Rusty sont grands.
Rien à dire sur ce bijou de "Bad Weather" de Paul Cotton.
Peut-être que le morceau le plus surprenant est "Call It Love", qui passe à la vitesse supérieure. Rusty commence à sembler un peu fatigué vocalement parlant, mais c'est toujours une chanson amusante à écouter et à regarder jouer.
Le morceau principal "Let 's Dance" dispose de la voix Rock de Richie et du groupe, de quelques passages parfaitement négociés par Paul et Rusty et de quelques percussions stellaires réalisés par George. Avec ce morceau, on sait pourquoi Richie est dans le Hall of Fame. Un tel grand Rock peu donc dégager beaucoup d'énergie.
Leur version de "Magnolia" de J.J. Cale est tout simplement fantastique!
A l'écoute du "You'd Better Think Twice" de Messina, Richie transforme ce morceau en sa propre chanson.
"Spellbound" et "Indian Summer" sont énormes: "Spellbound" de l'album "Legend" est une inclusion bienvenue avec un beau travail de Rusty à la guitare et une mention spéciale aux harmonies et c'est un régal d'écouter Paul Young sur "Indian Summer".
"Kind Woman", avec Furay au chant et Young à la steel, est une belle et absolument incroyable surprise.
"Rose of Cimarron" est juste une grande interprétation d'une chanson sublime. Le jeu et la présentation sobre est un hors d'oeuvre agréable.
Paul est merveilleux sur ce bijou qu'est "Ride The Country".
Avec "Good Feelin 'To Know", Richie montre à nouveau une excellente vista qui ne semble pas avoir perdu quoi que ce soit.
Le groupe dégage de la pure adrénaline sur le thème "In The Heart of The Night", le rappel qui comprend le saxophoniste de studio original, Phil Kenzie qui éblouit le public à Nashville avec sa grande improvisation et c'est une bien belle façon de terminer le spectacle...
Le jeu est vif et Poco montre évidemment passer du bon temps sur scène. Le son est plein et riche d'un mélange réjouissant qui donne envie de taper du pied. Poco devrait faire beaucoup plus de gens heureux avec ce combiné.
Grâce au DVD, ce set a été enregistré avec Dolby 5.1, et les guitares acoustiques miroitent et rebondissent d'une enceinte à l'autre. Tout le monde contribue avec précision. Le matériel choisi est remarquable et chaque chanson est jouée à la perfection.
En 1977, Randy Bachman avait quitté Bachman Turner Overdrive pour former un groupe un peu moins connu appelé Ironhorse installé à Vancouver, qui enregistre un album éponyme en 1979, suivi de "Everything is Grey" en 1980.
C'était un groupe très proche de BTO musicalement composé de Randy Bachman - chant, guitares, de Tom Sparks - chant, guitares, de John Pierce - basse, et de Mike Baird - batterie.
La mort de Bachman Turner Overdrive était une pilule amère à avaler. Ils n'ont jamais été à portée de main d'être géniaux, mais ils ont mis à jour en moi une riche veine d'appréciation musicale qui n'a toujours pas été exploitée aujourd'hui. Presque par gratitude, j'ai suivi Randy Bachman à travers son album biographique Survivor qui était bien trop personnel et divorcé du heavy rock pour être autre chose qu'indulgent. Mes espoirs étaient plus grands pour Ironhorse car dans l'environnement très uni d'un groupe, j'avais l'habitude de le voir travailler et le single précédent, "Sweet Lui-Louise", a renforcé cette conviction. Malheureusement, même s'il n'est pas aussi apprivoisé que Survivor , cela s'apparente davantage à un rock and roll agréable qu'à un rawk rauque.
Les seuls titres à distance comme Bachman Turner Overdrive sont "There Ain't No Cure" et "Old Fashioned", dédiés à "Slowhand" Clapton mais avec une performance vocale qui rappelle Hendrix. Le reste est un mélange sympathique de rock-cum-pop avec tous les gros canons apparaissant sur la première face : "Sweet Lui-Louise", "Jump Back In The Light", "One And Only" et "You Gotta Let Go". Les trois morceaux écrits par Tom Sparks sont plus orientés vers le blues et bien en eux-mêmes, mais c'est une erreur pour Bachman de se retirer du chant principal.
Ce n'est pas un pur-sang, mais cela vaut certainement la peine de s'agiter.
En 1975, Baker Gurvitz Army subit un changement de personnel avec l'arrivée de l'ancien claviériste de Seventh Wave, Peter Lamer (avec une vaste expérience de Jazz) en remplacement de John Norman B. Normal et l'ajout de l'ancien chanteur des Sharks, Mr. Snips (Steve Parsons).
Sur son album "Elysian Encounter", paru en 1975, le groupe démontre une ambition encore plus instrumentale, atténuant l'excès de Rock impétueux de ses membres en faveur d'un impact plus lent, plus mesuré du Rock FM encore commercialement viable tout en lorgnant sur le marché d'un Rock dit progressif.
Adrian Gurvitz semble être l'homme providentiel, sa lead guitare allant du froid et détaché au chaud et enfumé, parfois dans les méandres de la même chanson, et tandis que les percussions énergiques de Ginger Baker s'égarent parfois dans le mode un peu indulgent du speed metal, ses moments plus calmes, plus réfléchis ajoute une véritable atmosphère sereine.
Ce deuxième album est beaucoup plus Rock et Prog que le premier. Les élans percutants du premier laissent la place à des performances plus sophistiquées qui prennent volontiers la forme de divagations plus planantes et les spécificités des musiciens semblent désormais s’effacer au profit de la collectivité.
Globalement, c'est un excellent opus de musique progressive, même si cette musique tend à être plutôt une sorte de combinaison de Rock sudiste, de Blues, et de Prog. Il est cependant ancré dans le Hard Rock des années 70.
Sur le morceau d'ouverture, un Rock entrainant intitulé "People", la guitare et les percussions jouent leurs parties parfaitement avec des arrangements complexes et subtiles. Cela fonctionne tout à fait dans un style proche de Humble Pie. Cette chanson présente quelques points forts du groupe, à savoir les percussions hyperactives de Baker (oui il y a encore un bref solo), les accords de guitare musclés d'Adrien, et la voix déchirante de Mr. Snips.
'The Key" et "Time" montrent aussi un côté plus doux des musiciens, avec des claviers teintés de psyché colorant les rythmes épiques un peu bluesy avec juste assez d'habileté pour garder le matériel accessible à ce Rock des années 1970:
-"The Key" a un tempo plus lent avec un style proche de Santana et un peu de saveur de reggae. Avec la slide guitare d'Adrian (incluant un solo fantastique à mi-chanson) et la voix rageuse de Parson, c'est un morceau mid tempo étonnamment commercial. Co-écrit par Baker et Adrian, celui-ci a un rythme hypnotique et affiche de façon inattendue les harmonies vocales du groupe.
-Alors que "Time" revient vers une musique au tempo plus rapide dans le style de Rock Sudiste ou similaire à des groupes comme the Doobie Brothers.
Adrian chantait auparavant sur la plupart des chansons, mais avec l'ajout de Mr. Snips, il ne se contente que de deux cette fois-ci, dont celle-ci. Mis à part les 'spoken words' de Science-Fiction en introduction, ce morceau se transforme en l'un des meilleurs Rocks de l'album.
"The Gambler" a un tempo plus lent, un côté un peu Pop, mettant en valeur une fois de plus la guitare d'Adrian. C'est une ballade de style Southern Rock (bizarre venant d'un groupe Britannique) construit sur une belle mélodie qui aurait certainement rendu fier The Allman Brothers. La meilleure performance de Parson, et quelques belles harmonies vocales en font l'un des morceaux les plus attractifs de l'album.
"The Dreamer" a un joli travail de guitare et des percussions dynamiques, mais elle semble avoir été construite avec un tas de différents fragments dont un solo d'Adrian dans un style plutôt Country et la voix de Parsons n'est pas vraiment assurée.
Le morceau suivant, l'astucieux Rock un peu Pop "Remember" démontre, encore une fois, l'excellent travail de la guitare d'Adrian. Soigneusement composé, c'est peut-être le plus distingué de l'album. Cette ballade présente à nouveau Adrian au chant. Le solo jazzy de claviers de Lemer est inattendu, mais très intéressant.
Tandis que "The Artist" révèle le style unique de Ginger Baker à la batterie: Ce morceau est un changement inattendu de direction, vers le Folk Rock Anglais. Heureusement l'intro de la chanson fait vite place à une structure de Rock plus classique avec Adrian jouant ce qui est peut être le meilleur solo de guitare de l'album.
Enfin, "The Hustler", une composition du trio initial, conclut l'album dans le même tempo que le morceau d'ouverture avec un grand solo de guitare. Emmené par les synthétiseurs pétillants de Lamer, cette chanson finit l'album par une tranche de Rock rapide.
Les performances sont techniquement assez bonnes, donnant une chance de démontrer leur virtuosité à chaque membre, mais, malheureusement, le son global ne semble pas tout à fait à la hauteur.
Le groupe groupe Britannique Marseille s'appelait originellement AC / DC, mais il a été obligé de changer de patronyme pour la raison que je vous laisse deviner.
Le double CD "Rock You Tonight - The Anthology" contient les trois premiers album du groupe. "Red, White and Slighty Blue" paru en 1978), "Marseille" paru en 1979 et "Touch The Night" paru en 1984.
Il retrace la carrière d'un de ces bons groupes inconnus de la mouvance NWOBHM.
Les deux premiers albums sont du Hard Rock tout à fait classique, alors que "Touch The Night" est plutôt du Heavy Rock.
Pour les curieux et les nostalgiques de bon vieux Hard Rock...
Une première tentative de Poco unplugged sur CD parait après 35 ans d'expérience et c'est à la fois satisfaisant et amusant à écouter. L'album s'appelle "Bareback at Big Sky" et il parait en 2005.
Effectué pendant deux nuits dans un cadre intime, le salon du Goodwin Ranch, au pied des Bridger Mountains à Bozeman, dans le Montana, c'est une offre savoureuse et mature de la part des inconditionnels de Poco, Rusty Young et Paul Coton. Chacun d'eux a vieilli comme un bon vin et leur chant et leur jeu sont consommés tout au long de leurs performances. Avec l'aide du talentueux Jack Sundrud à la basse, à la guitare, et au chant et de George Lawrence à la batterie, ces gars-là déversent littéralement leur coeur et leur âme dans chaque chanson.
La perfomance est presque entièrement acoustique. Enregistré presque "live en studio", devant un public restreint, sans overdub ni amélioration, il y a une pureté et une honnêteté dans cette musique qu'on trouve rarement aujourd'hui, et qui, à bien des égards, renvoie à leurs débuts. Mais vraiment, c'est différent de tout ce qu'ils ont jamais fait auparavant.
Ces pionniers du Country Rock reviennent en arrière avec l'interprétation d'un savoureux mélange musical d'anciens et de nouveaux morceaux choisis parmi leurs meilleurs, dont plusieurs excellentes chansons tirées de leurs disques les plus récents et quelques chansons jamais entendues auparavant. Tout ici a une fraîcheur qui le rend aussi agréable à écouter. Il est évident qu'ils prennent du plaisir à le faire, et il existe un lien affectif évident avec le public.
Rusty Young, le seul membre d'origine de Poco dirige le spectacle à Big Sky et sa voix, ainsi que celle de Paul Cotton, rassemblent beaucoup de bons souvenirs aux amateurs de Poco, passés et présents. Young montre pourquoi il a continué à être l'épine dorsale de Poco à travers les années, car il est devenu un chanteur solide après sa renommée d'excellent steel guitariste au début de sa carrière. Ses versions acoustiques de "Save a Corner of Your Heart for Me", "What do People Know" et "When a Heart needs a Hand" intrigueront les auditeurs et elles peuvent être appréciées, même par les fans qui ne sont pas familiers avec le volumineux catalogue de chansons de Poco.
Cotton apporte sa voix de baryton rauque à des classiques tels que "Cajun Moon" de JJ Cale et quelques autres vieilles chansons de Poco, "Barbados" et "Under the Gun", tout en rappelant que certains de ses morceaux, telles que "Bareback" et "Every time I hear that Train" attirent aussi l'attention.
Le batteur George Lawrence, en remplacement de George Grantham, conserve une backbeat cohérent pour le groupe et c'est un énorme batteur qui a de l'énergie à revendre alors que Jack Sundrud, excellent bassiste, bon guitariste, contribue de sa voix douce à quelques bonnes chansons. Les fans vont profiter de la nature acoustique de la musique et de l'intimité de la salle, et se complaire dans le fait que le duo Young / Cotton peut encore faire de la musique pleine d'harmonies éthérées qui est indéniablement le son Poco.
Les chansons plus récentes montrent qu'ils n'ont pas perdu leur talent pour l'écriture de mélodies en temps opportun et les airs plus anciens comme "Under The Gun", "Barbados" et "Midnight Rain" sont offerts dans une manière qui rend leurs sons rafraîchissants et nouveaux. Le classique "Cajun Moon" de J.J. Cale est un exemple remarquable, joué avec leur hôte du Goodwin Ranch, 'Big' Dave Goodwin à l'harmonica. "Every Time I Hear that Train" présente une analogie au sujet d'un signal dans la nuit qui traverse le cœur de Paul. Largement unplugged, des chansons comme "Under the Gun" et "Barbados" sont jouées après un lifting musical avec plus de sensibilitées acoustiques décontractées. "Midnight Rain" révèle un bon travail alléchant de pedal steel de la part de Young.
Et pour un rappel Poco ferme ce superbe CD avec une interprétation remplie d'harmonie du vieux classique "On the Way Home" de Neil Young / Buffalo Springfield qui a toujours honoré la setlist de Poco depuis l'époque de Furay. On peut juste regretter qu'il ne soit pas plus long.
En conclusion, "Bareback au Big Sky" capte le lyrisme de Poco dans une approche optimiste. Le CD est rempli de moments merveilleux, et de grandes chansons. Cet album unplugged est un pur délice et c'est l'un des plus dignes de figurer dans le catalogue de Poco.
Les amateurs de Poco doivent absolument possèder cet album.
Dans la mouvance de BTO, à la fin de 1980, une version reformée de Ironhorse, rebaptisée Union, a sorti un album en 1981 intitulé "On Strike".
Le groupe est composé de Randy Bachman / guitare, de CF Turner / basse, de Frank Ludwig / chant et de Chris Leighton / batterie.
On me demande régulièrement quand j'en aurai assez. Quand l'insecte musical n'aura plus de morsure allergique. Eh bien, il faudra m'enterrer avec, et même dans ce cas, le couvercle du cercueil devra être solidement fixé, sinon je risque de sortir en tapant du pied ! Je suis certain que la même attitude obsessionnelle peut être attribuée à certains artistes pour qui la musique est littéralement le sens de la vie et qui ne semblent pas pouvoir s'arrêter - même lorsque c'est pour leur propre bénéfice. Randy Bachman a connu plus de changements que M. Benn. Il est passé des Guess Who à Bachman Turner Overdrive, puis à une carrière solo, à Ironhorse avant de se réincarner en Union. Ici, nous assistons à ses retrouvailles avec l'ancien fondateur de BTO, C.F. Turner, mais toute pensée d'un retour à ces jours de gloire est très vite dissipée par un matériel qui, bien que nouveau, sonne comme s'il avait été ressuscité des vieilles archives du rock and roll.
"Mainstreet U.S.A." a un côté presque jazzy et, si le groupe s'en était tenu à cela, le début aurait été très satisfaisant. Au lieu de cela, ils décident de marquer une outro rock 'n' roll qui sonne comme si elle appartenait à une chanson complètement différente. Et à partir de ce moment-là, l'album ne fait plus que descendre dans le rock mondain des cols bleus. Je n'ai aucune idée si ce genre de choses se vendait encore de l'autre côté de l'océan au début des années 80, mais Union ne ressemble à rien de plus qu'un groupe jouant dans le bar local un samedi soir. Ils jouent leur propre matériel, ce sont des musiciens compétents, ils pourraient même remplir l'endroit, mais ils n'ont ni les aspirations ni la capacité de graviter vers quelque chose de plus grand.
"Texas Cannonball" est un boogie woogie compétent et "Pacific Northwest Blues" est fait par les nombres mais au moins se vante d'un solo de guitare décent. Mais des titres comme "Invitation", "Next Stop London" et "Care Of Me" donnent l'impression d'un groupe qui fait semblant, comme s'il savait que son moment était passé mais qu'il ne pouvait pas le lâcher. Le morceau "All Night Long", qui clôt l'album, rappelle des souvenirs de Bachman Turner Overdrive à leur apogée, mais on se rend vite compte que cette époque est révolue, ce qui rend l'expérience très déprimante.
En écoutant On Strike, je me regarde et je me demande si je suis en train de devenir la même ombre triste de mon ancien moi. Comme Randy Bachman, est-ce que je ne sais pas quand m'arrêter ? Est-ce que j'essaie de suivre les tendances musicales pour le simple plaisir de le faire ? Mais je sais que, même si c'est vrai, la musique est dans mon sang et je dois aller là où elle me mène. Ce sera sans doute ma mort, mais cela signifierait renier mon vrai moi pour essayer de changer. Peut-être que les mêmes pensées animent On Strike et, si c'est le cas, la motivation qui se cache derrière devient un peu plus compréhensible.
Paul Cotton revient en 2006, stabilisant, pour un moment, le line up de Rusty Young, Paul Cotton, Jack Sundrud, et le batteur George Lawrence.
"The Wildwood Sessions", paru le 15 Décembre 2006, capture de nouveau, en live, des versions acoustiques de chansons à la fois nouvelles et familières de leurs plus de 40 ans de carrière.
Le groupe se produit alors en trio composé de Rusty Young (Guitare acoustique, Dobro, Mandoline, Voix), de Paul Cotton (Guitare acoustique, guitare électrique, voix) et de Jack Sundrud (basse).
Cet album est la version la plus dépouillée jamais sortie du groupe. Poco prouve une fois encore que son matériel est ajustable aux endroits où il joue.
Juste le stricte nécessaire pour faire un set totalement acoustique!
"The Wildwood Sessions" possède un certain charme désuet...
Cet opus est plutôt réservé aux fans inconditionnels ou aux amateurs de Country Folk.
Groupe peu connu de Hard Rock Français, Silvertrain s'est formé à Strasbourg en 1978.
Il était composé de Phil York (Philippe Yborra) au chant, de Chris Lane (Christian Fischbach) aux guitares, de Martin Fox (Martin Schwentzel) à la basse et de Chris Badger (Christian Knitz) à la batterie.
Dans l'objectif d'une carrière internationale, Phil York (Philippe Yborra) chante exclusivement en Anglais ce qui priva certainement le groupe d'un bon contrat.
Ils ont autoproduit leur unique album enregistré au studio Omega intitulé "Which platform please" qui sort en 1979.
La musique jouée est une sorte de Hard Rock Heavy Metal plus ou moins Prog.
Avec son look cuire et bestial, Silvertrain va rapidement se forger une grosse réputation scénique. Ils ouvriront même pour Motorhead ou Rose Tattoo.
