2004 - 6PM
Dans "6PM", sorti en 2004, Phil Manzanera réussit à tenir un album entier sans l'aide de certaines de ses "solutions" connues en matière de composition musicale. Bien sûr, il y a des touches latines et bien sûr, il s'entoure d'un groupe de musiciens très connus comme d'habitude et cette œuvre ne fait pas exception. Mais ce qui fait vraiment la différence, c'est précisément que dans ce projet, il laisse les autres participer sans retenue.
Il est, cependant, surprenant d'écouter des Fusions latines ici et là, entre d'autres styles musicaux car ses meilleures chansons, à l'exception de "Southern Cross", ne sont généralement pas basées sur des Fusions latines ou du moins sont plus équilibrées à cet égard.
Donc... les chansons sont soignées et les musiciens exceptionnels, rien ne pourrait aller de travers, mais avec Manzaneral on n"est jamais sûr de rien.
Phil est capable de parcourir cet album entier avec grâce et retenue, dans un projet de chansons géniales et d'interprétation inspirée.
Vossabrygg (2006)
"Vossabrygg" de Terje Rypdal est paru en 2006.
"Vossabrygg" signifie Vossa Brew. Et dès les premiers instants du morceau d'ouverture "Ghostdancing", on comprend pourquoi: Le groupe de Rypdal cite directement "Pharoah's Dance" de Miles Davis, extrait de l'enregistrement de "Bitches Brew". Avec plus de 18 minutes, c'est facilement le morceau le plus long et le plus frénétique dans son exploration des thèmes du Jazz et du Rock avec l'espace et la tension.
Il évoque Davis et lui rend hommage, mais il ne l'imite pas. C'est littéralement un tremplin vers l'improvisation en groupe. Certains des musiciens présents, comme Palle Mikkelborg, Jon Christensen et Bugge Wesseltoft, sont des collaborateurs familiers, mais il y a aussi de nouveaux musiciens, comme le fils Marius aux platines, à l'électronique et aux samples, le bassiste Bjørn Kjellemyr, l'organiste et pianiste électrique Ståle Storløkken, et le batteur Paolo Vinaccia.
Ensemble, ils créent une sublime palette de textures pour les compositions de Rypdal telles que le magnifique medley "Waltz for Broken Hearts", qui fait brièvement référence à "I Only have Eyes for You", et "Makes You Wonder".
Ailleurs, Rypdal cite ses propres œuvres classiques grâce à l'échantillonnage intensément créatif de Marius sur "Hidden Chapter", "Incognito Traveller" et "Jungeltelegrafen", où les rythmes drum'n'bass et Hip-Hop côtoient les batteurs.
Les échantillons de chœurs de "Hidden Chapter", derrière une séquence de rythme Hip-Hop, sont superposés au jeu de guitare nerveux de Rypdal. Le fantôme de Miles revient présider "That's More Like It", où le piano électrique de Wesseltoft danse avec la basse électrique de Kjellemyr. L'ensemble ne perd jamais sa fraîcheur. Les solos sont brefs et ne sortent jamais trop du moule de l'ensemble. Les idées collectives de Rypdal sont bien connues dans le monde du Jazz Européen. Il ne suit pas un modèle, il en crée un.
Tout est interconnecté, le lyrisme spatial de la trompette de Mikkelborg, traitée électroniquement, préside à la majeure partie de "You're Making It Personal", mais là encore, l'idée d'ensemble du compositeur et du chef d'orchestre tient le haut du pavé. La mélodie varie et s'enflamme par endroits avec une basse funky et des notes de trompette éparpillées, enroulées par des claviers électriques. C''est une masse hypnotique, comme l'est le morceau final qui clôt ce merveilleux enregistrement.
"Vossabrygg" est la dernière aventure d'un labyrinthe étonnant et complexe, créé par un maître explorateur Terje Rypdal...
2019 – With Friends from the Orchestra
"With Friends from the Orchestra" de Marillion, paru en 2019, est l'inverse de "Less Is More", en effet, alors que sur cet album, Marillion revisitait des joyaux de son catalogue dans des versions acoustiques dépouillées, "With Friends From the Orchestra" leur permet d'ajouter des éléments aux originaux.
Plutôt que de jouer avec un orchestre complet, une option prise par de nombreux groupes dans le passé, mais qui risque toujours d'écraser le groupe, Marillion a fait appel, comme le titre l'indique, à un groupe de musiciens classiques triés sur le volet pour ajouter des notes particulières aux morceaux.
En effet, ces musiciens ne sont pas étrangers à Marillion, le quatuor à cordes In Priase of Folly, ainsi que Sam Morris au cor et Emma Halnan à la flûte, ont apporté des contributions mémorables sur le deuxième disque de l'excellent album live "All One Tonight", qui était en fait un galop d'essai de cette idée.
Cela dit, ils ont joué des chansons différentes ce soir-là, donc plutôt que de simplement récapituler ce disque, eux et Marillion poussent leur collaboration plus loin, en fournissant de nouvelles versions des chansons en question qui sont à la fois familières et différentes, ajoutant une nouvelle dimension au matériel.
Ce n'est pas un disque essentiel, mais c'est un bon disque, et il est recommandé à tous ceux qui ont trouvé charmantes les contributions du quatuor à cordes et des instruments à vent sur "All One Tonight".
1980 - The Woman I Loved So Well
"The Woman I Loved So Well" est un album studio de Planxty sorti en 1980. Comme leur précédent album, "After The Break", le disque a été enregistré aux Windmill Lane Studios et publié par Tara Records.
Coproduit par Dónal Lunny, membre du groupe, et l'ingénieur Brian Masterson, l'album a été enregistré en Avril et Mai 1980 et est sorti en LP en Juillet de la même année.
"The Woman I Loved So Well" comprend un total de huit musiciens, plus que tout autre album de Planxty. Le noyau dur de Christy Moore, Dónal Lunny, Andy Irvine et Liam O'Flynn est rejoint par le flûtiste Matt Molloy, qui avait quitté le groupe peu après la sortie d'"After The Break" pour rejoindre the Chieftains à plein temps. Le nouveau venu Bill Whelan rejoint le groupe en studio pour jouer des claviers, tout comme le duo concertina / fiddle de Noel Hill et Tony Linnane, qui a effectué une courte tournée en Irlande avec le groupe avant l'enregistrement.
L'album se termine par une interprétation épique de neuf minutes et demie de la ballade "Little Musgrave", que Moore avait déjà enregistrée sur son album solo éponyme, en 1976. Moore a déclaré avoir trouvé les paroles de la chanson sur des papiers éparpillés sur le sol d'une salle des ventes à Dublin, bien que la chanson ait déjà été enregistrée par de nombreux artistes (voir "Matty Groves").
Anthology 1 (1995)
"Anthology 1" est le premier des trois volumes de la série de compilations Anthology des Beatles, paru le 21 Novembre 1995 des deux côtés de l’Atlantique. Il se compose principalement d’enregistrements rares et inédits du groupe.
Les titres qui se retrouvent sur cette compilation datent de 1958 à 1964, depuis l’époque des Quarrymen jusqu’à la préparation de l’album "Beatles for Sale" fin 1964. On y entend des enregistrements maison des jeunes musiciens en passant par des enregistrements faits à Hambourg, la fameuse audition ratée chez Decca, plusieurs prises inédites de leurs chansons, des prestations sur scène et de nombreux extraits d'interviews des membres du groupe et de leurs proches.
Ce premier volume Anthology contient aussi une 'nouvelle' chanson, "Free as a Bird", tirée d'enregistrements de démonstration effectués par John Lennon à la fin des années 1970, pendant son retrait de la vie publique. Cette chanson est retravaillée par les Beatles survivants lors de leur réunion en 1994 et devient ainsi la première nouveauté des Beatles à paraître, 25 ans après la séparation du groupe.
La compilation rencontre un important succès commercial, dont trois millions de copies sont vendues en seulement six semaines sur le marché Américain, fait remarquable pour un groupe dissout depuis un quart de siècle.
Un single avec les chansons "Free as a Bird" et "Christmas Time (Is Here Again)" et un E.P. contenant aussi "I Saw Her Standing There" et "This Boy", toutes en versions inédites, ont été publiés dans la foulée.
"Anthology 1" présente un intérêt historique pour les fans, du fait qu’il contient, entre autres, les performances des anciens Beatles Pete Best et Stuart Sutcliffe. On peut entendre ce dernier à la basse sur trois pistes: "Hallelujah, I Love Her So", "You'll Be Mine", et "Cayenne", et Best sur les pistes "My Bonnie", "Ain't She Sweet", "Cry For A Shadow", "Searchin'", "Three Cool Cats", "The Sheik Of Araby", "Like Dreamers Do", "Hello Little Girl", "Besame Mucho" et "Love Me Do".
Le batteur, qui fut débarqué du groupe mi-Août 1962 peu après la première séance d'enregistrement chez EMI, est donc entendu sur la version de "Love Me Do" présente dans cette compilation.
2014 - Different Shades of Blue
Joe Bonamassa est devenu un guitariste élégamment révérencieux et un excellent chanteur, apportant au Blues un peu de R&B. Pour "Different Shades of Blue", sorti en 2014, il a coécrit des chansons avec des auteurs-compositeurs vétérans de Nashville, Jeffrey Steele, Gary Nicholson, James House, Jerry Flowers et Jonathan Cain. Il a ensuite enregistré 11 de ces chansons à Las Vegas, au Studio at the Palms, avec le producteur Kevin Shirley et un solide groupe de musiciens de studio, dont Reese Wynans (orgue, piano), Carmine Rojas (piano), et le groupe de musiciens de l'Orchestre de l'Opéra de Las Vegas, piano), Carmine Rojas (basse), Michael Rhodes (basse), Anton Fig (batterie, percussions), Lenny Castro (percussions), Lee Thornburg (trompette, trombone), Ron Dziubla (saxophone), le Bovaland Orchestra (cordes), et les chanteurs Doug Henthorn et Melanie Williams.
Bonamassa a utilisé 20 guitares vintage différentes pour ce projet, ainsi que 13 amplis différents, et les énumère tous dans les notes de pochette. Par conséquent, il s'agit d'un album sur les sonorités de guitare, chaque chanson exigeant la sienne et Bonamassa vidant sa boîte à outils. Les meilleures chansons de l'album, comme "Love Ain't a Love Song", aux accents Pop et R&B, le Blues honky tonk "Never Give All Your Heart", et "Trouble Town", une tranche de Garage Blues avec des cuivres, sont du Bonamassa vintage, mélangeant toutes ses influences, de Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton et Rory Gallagher à Jimi Hendrix et Hank Garland, pour en faire sa propre voix du Blues.
Le point culminant, sans aucun doute déjà ou bientôt un moment fort des concerts de Bonamassa, est le majestueux et puissant "Oh Beautiful!", qui alterne entre un chant feutré et des breaks de guitare électrique fulgurants, une sorte de Blind Willie Johnson version 21e siècle, orné de lavis de tonalité et de guitares foudroyantes. Il s'agit d'un enregistrement saisissant et intemporel, et d'une grande chanson de Blues, quelle que soit la norme.
"Different Shades of Blue" est tout d'abord réservé aux amateurs de guitares et, ensuite à ceux de Bonamassa!...
1972 - Jo Jo Gunne
Jo Jo Gunne est un groupe né des cendres de Spirit. Le groupe comprend alors Jay Ferguson (claviers / voix principale), Mark Andes (basse / voix), son frère Matthew Andes (guitare / voix) et Curly Smith (batterie / voix).
Leur premier album éponyme, paru en 1972, sera le seul de cette formation et sans doute le plus fort des quatre efforts déployés sous le nom de Jo Jo Gunne. Commençant par la Pop entraînante de "Run Run Run", cet album s'appuie sur la tradition mélodique bien établie de Ferguson, qui est considérablement renforcée par l'instrumentation et les arrangements agressifs du power trio. Des morceaux comme "Shake That Fat", "I Make Love" et "99 Days" incarnent le Boogie Rock lourd du début des années 70. Bien que les contributions de Matthew Andes soient loin des frettes clinquantes de Jimmy Page, il gère habilement quelques leads solides et des riffs tout aussi mémorables, comme l'introduction accrocheuse de "Babylon" ou le relaxant "Flying Home", que l'on pourrait confondre avec un morceau des Outlaws ou de Lynyrd Skynyrd perdu depuis longtemps.
La polyvalence du groupe est continuellement évidente, avec le funky et soulful "Academy Award" qui suggère l'influence de Little Feat. La langoureuse propulsion de "Take It Easy" se développe agréablement en un groover midtempo qui est à nouveau mené par les solos de guitare fluides d'Andes.
C'est un excellent premier album!
2005 - 50 Minutes Later
Le titre de l'album de Phil Manzanera, "50 Minutes Later", paru en 2005, fait directement référence à l'album précédent de 2004, "6 PM", qui durait 50 minutes. Il s'agit du troisième volet d'une trilogie d'albums commencée avec "Vozero" en 2000, et il est tout aussi solide que les deux autres.
De magnifiques mélodies et des rythmes exotiques agrémentent son voyage dans ses premières années à Londres, notamment dans le légendaire club UFO et ses décors psychédéliques. Le choix des collaborateurs parle de lui-même, tous ses vieux amis sont à bord: Eno, Robert Wyatt, Paul Thompson, Andy Mackay.
Malgré le concept et les participants, le disque n'a rien de nostalgique. Au lieu de cela, il y a un tas de mélodies géniales dans une variété d'influences allant des motifs latins et du Psychédélisme au Rock Progressif ou au Rock mainstream, mais toutes les parties créent un ensemble plus grand.
Le Rock Progressif n'est pas mort lorsqu'il progresse au lieu d'essayer de recréer le son des années 70. Curieusement, ceux qui comprennent le mieux cela sont ceux qui ont créé le son à l'époque...
Crime Scene (2009)
L'album "Crime Scene", paru en 2009, d'une durée d'une heure, a été enregistrée en live à Bergen lors du Natjazz Festival, en Mai 2009, mais les applaudissements du public ont été supprimés. Le guitariste Terje Rypdal se déchaîne, soutenu par le Bergen Big Band composé de dix-sept musiciens, avec des tambours fracassants, un Hammond-B 3 tourbillonnant et une touche de Psychédélisme en plus.
L'utilisation de bribes de dialogues tirés de films tels que 'Le Parrain' (1972), 'Le Bon, la Brute et le Truand' (1966), 'Le Silence des agneaux' (1991) et, curieusement, 'Retour vers le futur' (1985), complète pour la plupart assez bien les segments sombres et noirs de la musique, bien que celle-ci aurait sans aucun doute fonctionné admirablement sans la nécessité d'une telle manipulation sympathique.
Cependant, il s'agit d'une œuvre orchestrale tout à fait saisissante. Par moments, le grand ensemble ressemble à un big band de Charles Mingus qui s'échauffe, ou peut-être à l'Arkestra de Sun Ra, en particulier sur l'agité "Prime Suspects", avec ses cris et ses bourrasques de cuivres, sa clarinette basse inquiétante et ses tambours qui claquent, ou sur "The Criminals", où les saxophones ténors se battent en spirale dans un duel ouvert.
Dans les sections plus calmes, une ambiance luxuriante et apaisante à la Gil Evans imprègne la musique, notamment sur "It's A Fact" et "It's Not Been Written Yet". Sur ce dernier morceau, les différentes sections du big band dirigé par Olav Dale jouent les unes contre les autres comme les voix d'une chorale, transpercées par la guitare et la trompette, bien que l'élan soit quelque peu perdu avec un assez long segment parlé tiré d'un film de gangsters. La prédilection de Rypdal pour la période électrique de Miles Davis, ainsi que la présence significative du trompettiste Palle Mikkelborg, imprègnent une grande partie de la musique de l'esprit de Miles.
Les surprises ne manquent pas: sur "Don Rypero" et "Action", qui sont des séances d'entraînement Rock, Rypdal se lance dans des solos grinçants et brûlants. L'esthétique Jazz Rock atteint son paroxysme sur "Investigation", où Mikkelborg souffle férocement et sans réserve et où Ståle Storløkken émet des cris tourbillonnants et mélancoliques depuis son Hammond B-3.
Les composantes éclectiques de "Crime Scene" se fondent en un ensemble assez homogène qui transporte l'auditeur à travers une gamme d'émotions contrastées. L'imagination fertile de Rypdal est pleinement mise en valeur par le splendide Bergen Big Band et la performance de l'ensemble est remarquable.
2022 – An Hour Before It's Dark
"n Hour Before It's Dark" de Marillion, a été publié le 4 Mars 2022 par Intact et earMUSIC.
L'album comprend un documentaire sur les coulisses de la réalisation de l'album, ainsi qu'une performance de "Murder Machines" aux Real World Studios.
En dénonçant notamment les systèmes financiers dans "F.E.A.R.", Marillion avait retrouvé une certaine forme d’engagement qu’on avait vu poindre déjà dans "Sounds That Can’t Be Made" (‘Gaza’) qui renouait avec la première vie du groupe (‘Forgotten Sons’).
Avec sa sensibilité et son expérience, Marillion, en témoin de l’ensemble de ces évènements, met en musique et fait partager son ressenti. L’album dans son ensemble renoue avec une dynamique et une fluidité qui avaient été un peu oubliées dans les précédentes parutions.
Avec "An Hour Before It’s Dark", Marillion livre un album lisible, très fluide, tout en conservant son ADN émotionnel fort. Par son apparente simplicité, son équilibre général et sa retenue, il en devient l'un des albums les plus touchants de Marillion.
Dans les UK Albums Charts du 11 Mars 2022, "An Hour Before It's Dark" est entré à la deuxième place, leur meilleure position dans le classement depuis "Clutching at Straws" de 1987.
1983 - Words and Music
"Words And Music" de Planxty, sorti en 1983, est plus complet que les deux albums précédents.
En effet, en 1983, deux des membres du groupe avaient les mains, et peut-être l'esprit, occupés par d'autres groupes: Christy Mooreen est l'exemple parfait car il était en train de compléter le groupe Moving Hearts, mais alors que Planxty se fragmentait pour la seconde fois, l'énergie s'est instillée dans la musique, avec un sentiment d'apaisement, et la musique de ses membres conserve une aura convaincante.
Il y a certainement une séparation entre le travail d'Irvine qui s'est habitué à jouer du bouzouki) et celui de Moore, Lunny semble perdu à cause de l'ajout de joueurs extérieurs comme Bill Whelan et Nollaig Casey, tandis que Liam O'Flynn fait de son mieux pour obtenir un élément cohésif avec ses tuyaux, son travail sur "Queen of the Rushes / Paddy Fays Jig" rappelle beaucoup les premiers Planxty, comme pour ramener l'atmosphère et l'humeur de ces jours-là.
Mais s'il y a eu des tensions, l'album en bénéficie plus qu'il n'en souffre. Dans les années 80, l'Irlande connaît un climat financier difficile avec la récession qui s'installe, et la musique est sombre (en particulier l'excellent "Lord Barker" de plus de neuf minutes).
Ce sera le dernier album studio de Planxty et il faudra attendre près de vingt ans pour que les quatre membres d'origine se retrouvent et redécouvrent la magie du groupe.
Anthology 2 (1996)
"Anthology 2" des Beatles est sortie en Mars 1996 dans le cadre de la collection "The Beatles Anthology".
Ce double album contient des enregistrements rares, parfois effectués en concerts, et des prises alternatives provenant de diverses sessions aux studios Abbey Road, depuis celles de l'album "Help!" au Printemps 1965, jusqu'au titres enregistrés début 1968 avant le départ du groupe pour l'Inde.
Les outtakes de l'époque "Help!", "If You've Got Troubles" et "That Means a Lot" sont un peu légers mais très amusants, surtout le dernier, que Paul et le groupe interprètent bien mieux que P.J. Proby. Certaines des prises alternatives sont extrêmement différentes et constituent d'excellentes performances en soi: la version plus funky de "I'm Looking Through You" et l'arrangement moins doux de "Norwegian Wood", un mur de réverbération pour "Tomorrow Never Knows", une approche très Byrds de "And Your Bird Can Sing" (avec des voix pleines de gloussements), et une demo acoustique de "Fool on the Hill". La version antérieure et beaucoup plus acoustique de "Strawberry Fields Forever" est le joyau le plus remarquable.
D'un autre côté, la plupart des morceaux diffèrent des versions officielles de manière assez infime et intéresseront davantage les spécialistes que le grand public (bien que des découvertes comme un solo différent sur "Penny Lane" soient fascinantes). Les sept titres live du premier disque, datant des derniers jours de la Beatlemania, sont meilleurs que beaucoup ne l'auraient supposé, montrant que le groupe était toujours capable de générer de la chaleur sur scène.
Il contient aussi la seconde 'nouvelle chanson' des Beatles, "Real Love", composée et enregistrée en demo par John Lennon et réarrangée par le groupe. Un single avec "Real Love" couplée à "Baby's in Black "et un E.P. contenant en plus "Yellow Submarine" et "Here, There and Everywhere", toutes en versions inédites, ont été publiés dans la foulée.
À l'instar du précédent volume, "Anthology 2" a obtenu un succès considérable au moment de sa sortie. Il s'est même placé directement à la première place des Charts Anglais pour y rester une semaine en plus d'atteindre 442 000 exemplaires vendus la première semaine aux États-Unis.
2015 - Groove is King
"Groove is King", paru en 2015, est un album de Funk instrumental assez lourd joué par de vrais professionnels d'un groupe appelé Rock Candy Funk Party, avec Joe Bonamassa et Randy Brecker, pour n'en citer que deux, qui demande à être entendu fort.
Il n'était peut-être pas nécessaire de dépasser les 70 minutes, et l'album s'affaiblit un peu au fur et à mesure qu'il avance, mais les amateurs de Funk sans chant sont bien servis avec une bonne dose de guitare électrique et des cuivres occasionnels.
"Don't Funk With Me" a un riff très cool, et "Rock Candy" n'est pas vraiment du Funk mais plutôt une sorte de George Benson classique / Big Band revival.
"Groove is King" est une curiosité plus qu'autre chose, mais ce disque s'écoute bien!
1973 - Bite Down Hard
Jay Ferguson et Mark Andes, après leur départ de Spirit, avaient formé Jo Jo Gunne.
"Bite Down Hard", sorti en 1973, est un bon album de Rock, des années 70 californiennes. Les chansons sont très bien écrites et très bien jouées, avec des claviers et avec des contributions Rock de la part du groupe.
De bons riffs et rythmes de guitare, de bonnes harmonies vocales mais en douceur. "Special Situations" est un bon morceau d'ouverture. "Take Me Down Easy" est le Hit radiophonique. "60 Minutes to Go" déplore la vie sur la route pour un 'groupe de Hard Rock and Roll', puis le groupe se déchaîne pour "Rock Around the Symbol" et "Broken Down Man" en guise de finale.
"Bite Down Hard" comble le vide laissé par Ferguson entre Spirit et une carrière solo plus commerciale. Randy California et Mark Andes se sont réunis pour faire revivre Spirit.
2008 - Firebird V11
Au début des années 2000, Phil Manzanera avait publié une trilogie d'albums hautement recommandables qui constituaient un voyage à travers son histoire musicale, accompagné d'une assemblée de la crème des musiciens progressifs / avant-gardistes Britanniques. "Firebird V11", sorti en 2008, adopte une approche toute différente.
L'album est centré sur sa guitare fétiche, à laquelle le titre de l'album fait référence, et a été enregistré par un quatuor en une semaine de travail. Le batteur Charles Hayward, un vieil ami de Quiet Sun et de 801, le pianiste classique / Jazz Polonais Lezek Mozdzer et le célèbre bassiste Yaron Stavi du groupe de Gilad Atzmon, que Manzanera avait rencontré à Gdansk lors des concerts de David Gilmore.
Il en résulte des instrumentaux délicats et atmosphériques qui s'articulent autour de la guitare électrique et du piano classique de Mozdzer. L'approche de base revient aux racines de 801 et de Quiet Sun, mais les excellents musiciens qui sont à bord apportent leur héritage musical pour créer quelque chose de complètement nouveau.
Manzanera prouve une fois de plus que l'on peut créer des albums de guitare impressionnants sans avoir besoin de recourir à un spectacle de pyrotechnie virtuose, mais que la méthode "less is more" crée une musique bien plus intéressante.
C'est un album époustouflant!...
2010 - Gimme Some Lightnin'
Sur l'album "Gimme Some Lightnin'", sorti en 2010, BillyLee Janey joue en trio en y ajoutant l'accompagnement occasionnel du Hammond.
Sur le dernier morceau, la version alternative du morceau d'ouverture "Gimme Some Lightnin'", son fils Bryce l'accompagne à la deuxième guitare. Ce final fait partie des cinq "extra tracks" qui clôturent le CD. On ne comprend pas pourquoi ces chansons, dont la qualité n'est nullement en baisse et qui s'améliorent même dans la variation de la chanson-titre, figurent en tant que bonus tracks. Surtout pas à la vue de l'artwork semi-professionnel du digipack et du livret inexistant.
BillyLee Janey et ses compagnons jouent plus d'une heure de Blues Rock pur et dur dans la lignée de Jimi Hendrix. Il s'en sort plus que bien, mais il s'étale parfois un peu trop avec sa guitare. Après tout, après une quarantaine d'années dans le monde de la musique, il a le droit de faire étalage de ses compétences.
Ainsi, "Gimme Some Lightnin'" offre un plaisir rugueux, un peu sale, qui navigue habilement à la frontière entre le Blues et le Hard Rock. L'instrumental discret et sensible "Blue Haze", "Smoke And Mirrors" avec une grosse ligne de basse, le Country Blues puissant "Highway Ryder" qui laisse enfin Hendrix derrière lui, le freiné "Early Morning Sunshine", les semi-acoustiques "Holes In My Shoes" et "Open Up The Door", ainsi que le Slow Blues ironique et plombant "Guitar Playin' Fool", donnent à l'album le piment qu'il lui faut pour ne pas sombrer dans une trop grande uniformité et devenir interchangeable.
BillyLee Janey ne sera jamais le nouveau Jimi Hendrix, mais en tant que son représentant sur terre, il s'en sort très bien...
1989 When The World Knows Your Name
Le groupe Deacon Blue a sorti "When The World Knows Your Name" en 1989.
Son nom vient peut-être d'une chanson de Steely Dan, mais en ce qui concerne leur composition musicale, Deacon Blue doit beaucoup plus à Simple Minds et Prefab Sprout qu'à Steely Dan.
Sur "When the World Knows Your Name", le groupe mélange AOR, fioritures celtiques et touches de blue-eyed soul pour créer un album soigné qui a plus d'un tour dans son sac. Deacon Blue n'est pas toujours à la hauteur. Il a ses défauts, notamment une tendance à devenir trop précieux et complaisant en essayant trop fort d'être impressionniste sur les chansons plus lentes vers la fin de l'album.
Mais lorsqu'il réussit, comme sur "Queen of the New Year", "Wages Day", "Real Gone Kid" et "Fergus Sings the Blues", ses mélodies entraînantes et ses accroches sont une belle compensation. L'écriture de Ricky Ross est suffisamment aboutie lorsqu'il ne cherche pas trop l'effet poétique: ses évocations de la lumière et de l'ombre par les mots sont particulièrement impressionnantes.
Le matériel est généralement solide, même s'il ne l'est pas uniformément; le jeu est plutôt concentré et énergique de manière cohérente...
1973 - Bite Down Hard
Jay Ferguson et Mark Andes, après leur départ de Spirit, avaient formé Jo Jo Gunne.
"Bite Down Hard", sorti en 1973, est un bon album de Rock, des années 70 californiennes. Les chansons sont très bien écrites et très bien jouées, avec des claviers et avec des contributions Rock de la part du groupe.
De bons riffs et rythmes de guitare, de bonnes harmonies vocales mais en douceur. "Special Situations" est un bon morceau d'ouverture. "Take Me Down Easy" est le Hit radiophonique. "60 Minutes to Go" déplore la vie sur la route pour un 'groupe de Hard Rock and Roll', puis le groupe se déchaîne pour "Rock Around the Symbol" et "Broken Down Man" en guise de finale.
"Bite Down Hard" comble le vide laissé par Ferguson entre Spirit et une carrière solo plus commerciale. Randy California et Mark Andes se sont réunis pour faire revivre Spirit.
Alors , booooofffff... Bien qu'armé de 2.5 membre du Spirit (comptons le 2è Andes comme 1/2 point), on est moi du compte du quintet qui nous a pondu 12 Dreams et Clear (trop sous-estimé)
Bien sur on entend un peu de Spirit dans JJG, mais c'est assez peu créatif et trop carré - ce qui est étonnant, car Fergie me semblait remplir plus que son 1/5 des compo réussies de Spirit. Ici et là, on a l'impression d'entendre du deuxième zone en comparaison, mais bon franchement, l'autre faction qui a continué dans le groupe n'a pa fait bcp mieux.
Certes, JJG, c'est loin d'être mauvais, mais quelle déception j'ai eu en ramenant leur deux premières plaques à casa (pas sur d'avoir jamais entendu ce qui suivait)
1973 - Bite Down Hard
Jay Ferguson et Mark Andes, après leur départ de Spirit, avaient formé Jo Jo Gunne.
"Bite Down Hard", sorti en 1973, est un bon album de Rock, des années 70 californiennes. Les chansons sont très bien écrites et très bien jouées, avec des claviers et avec des contributions Rock de la part du groupe.
De bons riffs et rythmes de guitare, de bonnes harmonies vocales mais en douceur. "Special Situations" est un bon morceau d'ouverture. "Take Me Down Easy" est le Hit radiophonique. "60 Minutes to Go" déplore la vie sur la route pour un 'groupe de Hard Rock and Roll', puis le groupe se déchaîne pour "Rock Around the Symbol" et "Broken Down Man" en guise de finale.
"Bite Down Hard" comble le vide laissé par Ferguson entre Spirit et une carrière solo plus commerciale. Randy California et Mark Andes se sont réunis pour faire revivre Spirit.
Alors , booooofffff... Bien qu'armé de 2.5 membre du Spirit (comptons le 2è Andes comme 1/2 point), on est moi du compte du quintet qui nous a pondu 12 Dreams et Clear (trop sous-estimé)
Bien sur on entend un peu de Spirit dans JJG, mais c'est assez peu créatif et trop carré - ce qui est étonnant, car Fergie me semblait remplir plus que son 1/5 des compo réussies de Spirit. Ici et là, on a l'impression d'entendre du deuxième zone en comparaison, mais bon franchement, l'autre faction qui a continué dans le groupe n'a pa fait bcp mieux.
Certes, JJG, c'est loin d'être mauvais, mais quelle déception j'ai eu en ramenant leur deux premières plaques à casa (pas sur d'avoir jamais entendu ce qui suivait)
1970 - Atlantic Bridge
L'unique LP éponyme d'Atlantic Bridge est une fusion précoce respectable mais plutôt moyenne, bien qu'en tant qu'album de 1970, il soit plus avant-gardiste qu'il ne l'aurait été s'il était sorti quelques années plus tard, alors que leur style de fusion était assez courant.
Le sax de Jim Philip est certainement l'aspect le plus frappant et le plus fougueux de leur approche, qui doit beaucoup au Free Jazz de John Coltrane et d'autres musiciens du même genre.
Daryl Runswick crée également des passages intéressants à la basse à archet. Les reprises de "MacArthur Park", "Something" et "Dear Prudence" donnent à ces chansons des formes considérablement différentes, mais les six morceaux du disque s'égarent aussi parfois.
Bref, cet album est une curiosité bien sympathique!
