cet album (et projet) est un peu la suite de Quiet Sun (75) où officiaient McCormick et Manzanera.
Rongwrong et Asteroid y font directement référence.
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The Beatles (1968)
Le double album éponyme des Beatles, dit l'album blanc, paru en 1968 est un recueil hétéroclite de morceaux de chacun des membres du groupe.
Chaque chanson est une entité en soi, car le groupe touche à tout et à n'importe quoi. Cela donne un disque frustrant et dispersé ou une expérience musicale singulièrement captivante, mais ce qui le rend intéressant, c'est justement son désordre. Jamais auparavant un disque de Rock n'avait été aussi autoréflexif, ni aussi ironique.
Lennon interprète deux de ses meilleures ballades avec "Dear Prudence" et "Julia" et il a fouillé les coffres d'Abbey Road pour le collage de musique concrète "Revolution 9"; il réserve le dernier morceau, "Good Night" pour Ringo et il célèbre le culte des Beatles avec "Glass Onion".
McCartney ne va pas aussi loin, mais ses chansons sont stupéfiantes: le Music-Hall "Honey Pie", le faux Country de "Rocky Raccoon", le Ska "Ob-La-Di, Ob-La-Da" et le rugissement Proto Metal de "Helter Skelter".
Il est clair que les deux principaux auteurs-compositeurs des Beatles ne sont plus du tout sur la même longueur d'onde, mais George et Ringo ne sont pas non plus sur la même longueur d'onde.
Harrison n'avait toujours que deux chansons par album, mais il est clair, d'après "While My Guitar Gently Weeps" (avec Eric Clapton en invité), "Savoy Truffle", l'obsédant "Long, Long, Long" et même "Piggies", qu'il était devenu un auteur-compositeur qui méritait d'être plus largement exposé. Et Ringo régale avec son tout premier morceau original, le lugubre "Don't Pass Me By", un morceau de Country-Carnaval.
Rien de tout cela ne semble avoir été conçu pour partager l'espace d'un album ensemble, mais d'une manière ou d'une autre, les Beatles créent leur propre style et leur propre son à travers ce désordre.
Tout ceci fait que cet album est un véritable MUST!
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2009 - The Ballad of John Henry
En 2007, Joe Bonamassa avait intitulé son album d'après une chanson de Bob Ezrin. En 2009, il a intitulé son album "The Ballad of John Henry", d'après l'un des récits les plus durables de la musique Folk Américaine.
La différence entre ces deux chansons devrait indiquer une grande différence entre les deux albums et c'est vrai, dans une certaine mesure. "The Ballad of John Henry' fait la part belle aux mythes, ce qui se traduit par des guitares lourdes à plusieurs reprises, en particulier sur l'épique morceau-titre de six minutes, dont les riffs en tonalité mineure, les orchestrations et les excursions dans les instruments acoustiques sont plus proches du Prog que du Blues. Bien que le reste du disque ne soit jamais aussi démesuré, il partage des sonorités épaisses similaires et une sensibilité sobre, une approche qui traite le "Funkier Than a Mosquito's Tweeter" d'Ike and Tina Turner comme un texte sacré et redresse le "Jockey Full of Bourbon" de Tom Waits.
Cette approche obstinée donne à l'album un certain sérieux, ajoutant l'impression de poids qui convient à un disque qui ressemble à un résumé de ses forces. Sa guitare et sa voix ont le même poids alors qu'il traverse des Blues lents à la Stevie Ray Vaughn, un shuffle ou deux, des morceaux acoustiques, des reprises et des originaux...
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1979 - Rainbow Dome Musick
"Rainbow Dome Musick" de 1979 est trop avant-gardiste pour être classé comme un album New Age et trop épuré pour être classé dans un sous-genre du Rock Progressif, mais quelle que soit la catégorie, c'est un excellent exemple de l'habileté et de la vaste expérience musicale de Steve Hillage.
Le temps qu'il a passé avec Gong de Daevid Allen et leurs grooves extravagants et fusionnés avec l'espace a déteint sur lui, et il a canalisé son expérience musicale dans un style de musique tout aussi divertissant, mais plus raffiné.
Le fait d'avoir joué de la guitare dans Soft Machine et d'avoir travaillé avec Kevin Ayers n'a pas fait de mal non plus, mais les 20 minutes et plus des deux titres de cet album abritent une instrumentation intelligente et mature grâce à une gamme distincte de séquenceurs et de percussions.
"Garden of Paradise" est un mélange luxuriant et complexe de guitare, de piano et de synthétiseur dont Hillage est le pionnier. Les cloches tibétaines et la puissance du double séquenceur de Miquette Girandy donnent à ce morceau son caractère et sa substance. Les instruments convergent gracieusement pour façonner le paradis inexistant que Hillage a créé musicalement. "Four Ever Rainbow" contient beaucoup plus de rythme et de courant grâce à la guitare électrique et au glissando, ainsi qu'à l'harmonisateur subtilement planant de Rupert Atwill.
Le résultat final de ces deux morceaux est un voyage relaxant et agréablement divergent à travers un spectre d'instruments triés, faisant de cet album l'un des meilleurs albums de Steve Hillage.
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1975 - Diamond Head
La première incursion de Phil Manzanera dans les albums solos après Roxy est une formidable affaire de stars qui tient encore très bien la route.
Faisant appel aux membres présents et passés de Roxy, ainsi qu'à ceux de la scène Art Rock Britannique de Cambridge, Manzanera a réuni un supergroupe pour chaque chanson. Robert Wyatt chante un charabia Espagnol sur la première chanson "Frontera", une réécriture de sa propre chanson "Team Spirit". Brian Eno fait équipe pour la chanson ensoleillée "Big Day" et l'absurde "Miss Shapiro", qui n'auraient pas dépareillé sur ses premiers albums solo. John Wetton chante en duo avec Doreen Chanter, et Bill MacCormick de Matching Mole et Quiet Sun chante sa propre "Alma", la ballade qui clôt l'album.
Les fans des chanteurs susmentionnés, sans oublier Manzanera, dont c'est la fête, ne seront pas déçus.
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The Sea II (1995)
Le quartet du pianiste Ketil Bjørnstad avec le violoncelliste David Darling, le guitariste Terje Rypdal et le batteur Jon Christensen a enregistré "The Sea II" en 1995.
Les thèmes sont moins importants que l'atmosphère qu'ils forment, et les solos individuels des musiciens sont moins importants que le son de l'ensemble. L'ambiance générale est un peu somnolente et l'évolution d'une chanson à l'autre est assez lente, bien que le guitariste Terje Rypdal ait quelques solos fougueux et Rock.
Dans l'ensemble, ce disque est bien joué et bien enregistré, mais il manque un petit quelque chose indéfinissable...
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2007 – Somewhere Else
"Somewhere Else" de Marillion, sorti en 2007, est un album relativement court (un peu plus de 52 minutes) et très fort avec des chansons que l'on aime ou que l'on n'aime pas immédiatement. Certaines chansons parlent de la vie émotionnelle d'Hogarth, de sa tristesse et de sa solitude après la rupture de sa relation avec sa femme ("Somewhere Else", "The Wounds") et aussi de son bonheur alors que sa nouvelle vie vient de commencer ("The Other half", "See It like a baby", "Faith"). D'autres chansons décrivent le monde tel qu'il le voit ("Voice from the Past", "Last century of the Man").
"Somewhere Else", la chanson-titre, est une très belle chanson sur la solitude avec une fin inattendue et explosive; "Voice from the past" est une chanson très sombre et profonde; "No Such Thing" possède un fantastique riff de Rothers; et "The Wound" est une chanson assez agressive. "The Last Century for the Man" a des paroles très intéressantes mais musicalement elle sonne un peu endormie et "Most Toys" est très 'bruyante'.
Dans l'ensemble, "Somewhere Else" est un excellent album autonome et non-conceptuel de Marillion.
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1971 - Blue
Triste, dépouillé et magnifique, "Blue", sorti en 1971, est la quintessence de l'album confessionnel de Joni Mitchell.
Les chansons, franches et poétiques, sont des histoires d'amour et de perte gravées avec une complexité étonnante; même des titres comme "All I Want", "My Old Man" et "Carey", les moments les plus lumineux et les plus porteurs d'espoir de l'album, sont assombris par des moments doux-amers de tristesse et de solitude.
En même temps que des chansons comme "Little Green" qui parle d'un enfant donné en adoption et le morceau-titre, un hymne au salut écrit pour James Taylor, élèvent les enjeux de la Folk Pop confessionnelle à de nouveaux niveaux d'honnêteté et d'ouverture, la musique de Joni dépasse les contraintes de la Folk acoustique pour entrer dans un territoire plus complexe et plus diversifié, préparant le terrain pour l'expérimentation de son travail ultérieur.
Inégalé par son intensité et sa perspicacité, "Blue" reste un tournant dans sa discographie...
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Yellow Submarine (1969)
"Yellow Submarine", sorti en 1969, est le seul album des Beatles que l'on peut aisément qualifier d'inessentiel, parce qu'il ne s'agit pas d'un véritable album, mais de la bande originale d'un dessin animé qui n'utilise que quatre nouvelles chansons.
Le reste du disque est complété par "Yellow Submarine", "All You Need Is Love" et une partition de George Martin. Qui plus est, deux des quatre nouvelles chansons n'étaient rien d'autre que des morceaux qui avaient été enregistrés en 1967 et au début de 1968. "All Together Now" est une chanson enfantine de McCartney, tandis que "Hey Bulldog" a une légère méchanceté de Lennon, un bon rythme et un riff de piano central, avec une belle interprétation tout autour. L'inclusion de la chanson de Lennon est d'autant plus importante que la séquence du film dans laquelle elle était utilisée a été supprimée de la version Américaine du film qui n'a eu aucun succès au Royaume-Uni et a rapidement disparu, faisant ainsi de la version Américaine le montage établi du film pendant des décennies.
Les deux contributions de George Harrison sont les plus marquantes des nouvelles entrées: "Only a Northern Song" est un reliquat des sessions de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", issu d'une période où le guitariste était de plus en plus fasciné par les claviers, en particulier l'orgue et le Mellotron. Il s'agit d'un étrange ersatz de Psychédélisme, mêlant tripes et commentaires personnels. Ses paroles et son titre expriment d'une part son mécontentement d'être lié dans son travail d'édition à Northern Songs, une société dont John Lennon et Paul McCartney étaient les actionnaires majoritaires et, d'autre part, elles présentent la vision de Harrison sur la façon dont la musique et l'enregistrement sonnaient, de l'intérieur vers l'extérieur et de l'extérieur vers l'intérieur, pendant l'ère psychédélique vers 1967.
La meilleure des nouvelles chansons, "It's All Too Much" date de la seconde moitié de 1967. Resplendissante avec son Mellotron, ses percussions et ses vagues de guitare à effet Larsen, c'est une excursion virtuose dans un Psychédélisme brumeux.
Le fait même qu'Harrison ait eu droit à deux plages de chansons et à un canevas relativement peu compétitif pour sa musique montre à quel point le projet ne comptait pas vraiment pour Lennon et McCartney, tout comme la coupure de la séquence "Hey Bulldog" du film, apparemment sans résistance de la part de Lennon.
Malgré tout, ce qu'il y a est une raison suffisante pour posséder le disque, bien que rien ne le place au rang d'achat prioritaire, loin de là...
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2010 - Black Rock
Sur l'album "Black Rock" sorti en 2010, Joe Bonamassa a obtenu la participation de B.B. King. Il a conservé un peu le côté Folk de "The Ballad of John Henry", mais avec des racines restantes dans un Blues Rock épais et lourd qui rappelle plus le Londres des années 60 que le Delta des années 50.
Bonamassa n'a jamais caché son amour pour le Blues Britannique, le soulignant même avec une bonne reprise épurée de "Spanish Boots" de Jeff Beck, mais il conserve un respect sain pour toutes les formes de Blues classique, reprenant le "Three Times a Fool" d'Otis Rush, revenant à Blind Boy Fuller pour "Baby You Gotta Change Your Mind" et reproduisant habilement le groove Soul de la dernière génération de B. B. sur une reprise de "Night Life" de Willie Nelson.
Bonamassa aime aussi la musique non blues, reprenant "Bird on a Wire" de Leonard Cohen et "I Know a Place" de John Hiatt, en liant le tout avec des lignes de basse puissantes, mais les moments provocateurs de "Black Rock" sont tous écrits par lui-même, qu'il s'agisse du "When the Fire Hits the Sea", du Folk Britannique de "Quarryman's Lament" et "Athens to Athens", ou de l'épopée dramatique et bourdonnante "Blue and Evil". Ce sont facilement les chansons les plus intrigantes de l'album.
Ce qu'il y ai sur "Black Rock" est à la fois satisfaisant et admirablement, bien que réservé, ambitieux.
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1979 - Open
Quelques mois seulement après "Live Herald", Steve Hillage sort en Octobre 1979 "Open", un nouvel album studio.
Après une belle série de disques réussis, "Open marque" le début d'un manque de créativité du virtuose britannique. Contrairement à la plupart des sons utilisés dans les années précédentes, ceux de cet album ont bien vieillis et les arrangements sont aussi loin d'être les plus pertinents.
"EarthriseP est un morceau électronique passable, mais la majeure partie de ce disque est plutôt Space Disco que Space Rock. De ce point de vue, "Definite Activity" avec ses cris "whooo" insistants, ainsi que "Don't Dither Do It", qui est déjà de la musique disco pure avec un petit solo de guitare spatial, sont tout à fait pénétrants. D'ailleurs, seuls les solos éparpillés et les synthétiseurs 'bouillonnants' typiques rappellent le passé musical de Hillage. Seul le final "The Fire Inside" est un peu plus réussi, on y retrouve un peu plus de Space Rock, bien que ce morceau soit également assez Pop dans l'ensemble.
"Open" est évidemment une grosse déception!
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1978 - K-Scope
Enregistré au Printemps 1978 dans le home studio du bassiste de Yes Chris Squire, "K-Scope" de Phil Manzanera, sorti en 1978, réunit trois membres fondateurs de Split Enz / Crowded House, à savoir Eddie Rayner (clavier), Tim Finn (lead vocal) et son frère Neil Finn (seconde voix). Manzanera fait également appel au batteur percussionniste Simon Phillips, à ses amis John Wetton et Bill MacCormick (tous deux bassistes et chanteurs), et au saxophoniste Mel Collins, entre autres.
Le groupe s'appuie sur des structures Pop / Rock solides et aborde les instrumentaux avec la même verve. Le morceau littéralement le plus cool de l'album est aussi le préféré de Manzanera, l'enjoué "Gone Flying". La 'guitare écho' atmosphérique de Manzanera est au cœur du morceau, Phillips apportant des percussions raffinées, décalées et fluides, et MacCormick, le chanteur le plus séduisant de l'album fournissant un travail de basse tout aussi exceptionnel. La chanson est complétée par le morceau suivant, l'instrumental excentrique "N-Shift", qui met en valeur les lignes de basse prononcées et funky de MacCormick.
Parmi les autres morceaux marquants, on trouve le morceau d'ouverture "K-Scope", un instrumental chargé où Mel Collins joue du saxophone, le rythme Reggae de "Cuban Crisis", le chant de Wetton sur "Numbers" et l'instrumental de Manzanera qui clôt l'album, "You Are Here".
Bien qu'il ne s'agisse probablement pas du travail le plus accompli de Manzanera, "K-Scope" reste l'un de ses projets les plus intéressants et les plus agréables...
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Nordic Quartet (1995)
Lalbum "Nordic Quartet", paru en 1995, n'a été qu'un succès mitigé. Le-dit qauatuor est composé de John Surman, Karin Krog, Terje Rypdal et Vigleik Storaas.
John Surman est le chanteur principal la plupart du temps et son jeu, en particulier au baryton et à la clarinette basse, est typiquement atmosphérique et émotionnel. Cependant, la chanteuse Karin Krog qui est présente sur environ la moitié des chansons ne fait impression que sur la dernière chanson "Wild Bird" ; sinon, ses longues tonalités ne sont pas à leur place. Le pianiste Vigleik Storaas est surtout utilisé dans un rôle d'accompagnateur, tandis que le guitariste Terje Rypdal, dont le son est dominé par les larsens, est surtout utilisé pour la couleur.
Le groupe ne parvient jamais vraiment à unir ses voix disparates et peu de ses compositions spatiales et parfois sinueuses, à l'exception de "Wild Bird", sont mémorables.
Encore un disque décevant!
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2008 – Happiness Is The Road
Après le controversé "Somewhere Else", Marillion décide de revenir avec un double album, "Happiness Is The Road", sorti en 2008. Il semble que ce sont deux albums séparés et distincts (chacun avec son propre titre) et les différences stylistiques entre les deux disques sont même assez évidentes.
Le premier disque, "Essence", une sorte d'album conceptuel introspectif, est caractérisé par une série de chansons dominées par le piano et les claviers et il est imprégné d'une atmosphère mélancolique et rêveuse, avec des chansons qui sont souvent d'un Pop Rock raffiné et où l'on trouve aussi des passages ambiants et électroniques, ainsi que des mélodies douces et solaires. L'un des meilleurs morceaux étant "Trap This Spark" avec une forte charge émotionnelle, et le morceau-titre, une suite de plus de dix minutes qui représente un album, qui dans l'ensemble est très relaxant, mais qui dénote toujours une certaine classe et une imagination enviables.
Le deuxième album, "The Hard Shoulder" s'ouvre avec "Thunder Rock", un morceau qui sonne immédiatement différent, par rapport à l'album précédent, plus proche du Prog et du Blues, des environnements futuristes, et du Neo Prog, incluant quelques références à Traffic David Bowie et Pink Floyd, tendent à se poursuivre avec un Rock plus énergique et impactant par rapport à "Essence". Les magnifiques "Whatever Is Wrong With You" et "Real Tears For Sale" méritent d'être mentionnés également.
Dans son ensemble, "Happiness Is The Road" est un album honnête, sans grande surprise pour le style du groupe, très compact et équilibré, et dont les épisodes ne sont pas particulièrement brillants...
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1973 - Planxty
Christy Moore, Andy Irvine, Liam O'Flynn et Dónal Lunny ont formé Planxty, une version argotique du mot irlandais "Slainte" signifiant "bonne santé", en 1973 après avoir collaboré à l'album "Prosperous" de Christy Moore.
Leur premier album éponyme est sorti la même année, pour le plus grand plaisir des amateurs de musique Celtique traditionnelle. Leurs interprétations carrées, organiques et authentiques d'airs tels que "Raggle Taggle Gypsy", "The Blacksmith" et "Merrily Kissed the Quaker" les distinguent de nombre de leurs contemporains plus expérimentaux.
"Sweet Thames Flow Softly", une chanson écrite par Ewan MacColl sur un Roméo et Juliette Londonien, est magnifiquement interprétée par Moore et le bouzouki d'Irvine, dont la composition originale "The West Coast of Clare" marquera le début de la longue carrière de l'artiste dans l'écriture de ballades intemporelles. Les versions de "The Jolly Beggar Reel" et "Arthur McBride", cette dernière étant une chanson anti-recrutement du Donegal, sont énergiques et bien interprétées, rayonnant de la chaude compression de la scène Folk Britannique du début des années 70.
De nombreux groupes de l'époque, the Boys of the Lough, the Chieftains, the Sweeny's Men,avec Andy Irvine, luttaient pour trouver un public en dehors des pubs, alors que les membres de Planxty parvenaient à se frayer un chemin dans les salles et les théâtres. "Planxty" est le premier disque remarquable de l'un des groupes les plus influents du genre.
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Abbey Road (1969)
Bien que sa sortie précède celle de "Let It Be", c'est le dernier album enregistré par les Beatles.
Le 20 Août 1969, le groupe s'est réuni pour la toute dernière fois en studio et, le 20 Septembre, au moment où le disque sortait, John Lennon avait mis fin au groupe en lui annonçant son départ définitif. La séparation des Beatles ne sera toutefois officialisée qu'en Avril 1970.
Après les difficultés rencontrées lors du 'projet Get Back' en Janvier 1969, McCartney, au nom de tout le groupe, avait contacte le producteur George Martin pour lui proposer d'enregistrer un album 'comme avant'. Martin avait répondu qu'il était prêt à le faire, "mais seulement si vous me laissez vous produire comme je l'ai toujours fait. John est-il d'accord?", "oui, oui", avait répondu McCartney. L'ingénieur du son Geoff Emerick, qui avait laissé les Beatles en plan au milieu des sessions de l'album blanc l'année précédente, accepta lui aussi d'être de la partie. Un de ses assistants sera Alan Parsons, futur fondateur du Alan Parsons Project.
Les Beatles, disposant d'une collection conséquente de chansons encore inexploitées, se réunissent une dernière fois dans les studios EMI durant l'Eté 1969. Ils sont décidés à mettre de côté leurs dissensions, à tirer dans le même sens, afin de 'finir sur une note haute'.
Après quelques enregistrements effectués entre Février et Mai 1969, ils se réunissent une dernière fois aux studios EMI de Londres (renommés plus tard studios Abbey Road), en Juillet et Août 1969, pour interpréter une série de chansons dont la plupart avaient été composées, répétées et / ou enregistrées sous forme de demos à l'époque de l'album blanc et du projet Get Back, toutes retravaillées pour l'occasion.
À bien des égards, "Abbey Road" se démarque du reste de leur catalogue, car c'est un album qui tire sa force de sa production luxuriante et enveloppante, un enregistrement si luxuriant qu'il gomme les différences esthétiques entre les trois principaux auteurs-compositeurs du groupe et réunit une série de chansons inachevées et déconnectées en une suite complète. Alors que "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" avait été le pionnier de ces techniques auditives hallucinantes, "Abbey Road" a véritablement exploité les possibilités du studio et, ce faisant, a ouvert la voie à l'ère de l'album Rock des années 1970.
La plupart des astuces de studio apparaissent pendant cette suite de chansons. L'excentricité enjouée de McCartney se heurte au cynisme de John Lennon, tandis que le groupe s'amuse des changements d'humeur soudains et joue beaucoup de guitare, le point culminant étant l'échange de solos entre McCartney, Lennon et George Harrison sur "The End".
La profondeur des détails sonores de "You Never Give Me Your Money" et de "She Came in Through the Window" a donné naissance à des sous-genres entiers de Pop dans les années 70, mais "Abbey Road" contient également une poignée des chansons les plus durables des Beatles, chacune apportant une nouvelle maturité émotionnelle à leur catalogue.
Le Boogie discret de "Come Together" de Lennon contient une sensualité jamais entendue chez les Beatles, il est égalé par "Because", qui est la meilleure vitrine pour les harmonies du groupe, "Something" de Harrison est une ballade d'amour d'une sensibilité inhabituelle, et son "Here Comes the Sun" est incandescent, peut-être son expression la plus pure de la joie.
Aussi bons que soient ces moments individuels, ce qui rend "Abbey Road" transcendant, c'est que l'album est tellement plus grand que la somme de ses parties. Si une seule chanson ou un seul segment peut être éblouissant, une succession de moments merveilleux, parfois entremêlés, n'est pas seulement une merveille, mais aussi un résumé de tout ce qui a fait la grandeur du groupe.
Cité comme un album particulièrement bien produit et remarquablement construit, "Abbey Road" est un immense succès commercial et l'un des albums les plus vendus au monde avec 30 millions d'exemplaires écoulés.
Il va sans dire que cet album est un MUST, le nec plus ultra des Beatles...
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2011 - Dust Bowl
Pour son deuxième album en un an, sans compter son excursion avec Black Country Communion, Joe Bonamassa, le guitariste Blues Rock le plus actif du 21e siècle, s'inspire un peu des Black Keys, signe qu'il n'est pas aussi attaché au passé qu'il n'y paraît de prime abord.
De manière assez appropriée pour un album intitulé "Dust Bowl", Bonamassa s'attaque à la Country en faisant appel à John Hiatt pour un duo sur la chanson "Tennessee Plates" de l'auteur-compositeur et en invitant Vince Gill à jouer sur le shuffle paresseux "Sweet Rowena".
Ce sont des accents sur un album qui reste par ailleurs fidèle au Blues de Bonamassa, dans la veine de Cream, Stevie Ray et Gary Moore, mais la différence est juste suffisante pour donner à "Dust Bowl' une saveur distinctive et suggère que le travail constant du guitariste le pousse à synthétiser ses influences claires en quelque chose qui lui est propre.
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1982 - For to next
"For to Next", sorti 1982, suit de quelques années le dernier album de Steve Hillage, et dans l'intervalle, la scène Synthé / New Wave en pleine évolution semble avoir capturé son imagination.
En collaboration avec la claviériste Miquette Giraudy, l'album présente des synthétiseurs relativement légers et sautillants, renforcés par les solos de guitare parfois épicés et les voix somnolentes de Hillage. Le mysticisme optimiste de Hillage a disparu au profit d'une vision sombre à la mode, popularisée par des groupes de Synth Rock comme Ultravox, Visage et Gary Numan.
D'où le mélange de mélodies séduisantes et d'un sentiment de malaise social sur des titres comme "These Uncharted Lands", "Anthems for the Blind", "Glory" et "Bright Future". C'est un cadre qui confine trop les talents de Hillage, surtout pour quelqu'un dont le milieu naturel est l'éther illimité de la conscience cosmique illustrée sur des albums comme Motivation Radio et Green.
Par moments, comme sur "Frame by Frame", la vieille magie de la guitare réapparaît pour créer un amalgame 'discosmique " intéressant, qui pourrait être considéré comme un signe avant-coureur de System 7. Mais Steve Hillage n'a tout simplement pas la voix ou le gimmick nécessaire pour tirer ce genre de musique à base de synthétiseurs, se plaçant légèrement derrière Pete Shelley et Tony Banks dans la lignée des gentils garçons qui n'ont pas les capacités vocales nécessaires pour rentabiliser leurs propres idées.
Reconnaissant peut-être son propre statut de poids plume, l'album était à l'origine accompagné d'un LP instrumental gratuit, "And Not Or"; les deux ont été combinés sur un seul CD dans les rééditions ultérieures.
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1982 - Primitive Guitars
"Primitive Guitars" de Phil Manzanera, paru en 1982, se veut une rétrospective de son évolution stylistique à travers une série de morceaux en solo qui reprennent les différentes étapes de sa vie: enfance en Amérique du Sud, adolescence à Londres, passages dans Roxy Music, 801, et autres projets.
Ces étapes sont évoquées dans les titres ("Caracas", "Bogota", "Ritmo de Los Angeles") et souvent dans les influences latines des mélodies et des styles de jeu. Sur toutes ces pistes instrumentales rythmées et centrées sur le groove, Manzanera n'est soutenu que par une boîte à rythmes et, sur un morceau, par John Wetton à la basse. Autrement, tous les sons, bruits, mélodies et rythmes ont été créés à la guitare, ce qui rapproche Manzanera d'un autre virtuose du progressif, Adrian Belew.
Entre les morceaux, Manzanera insère des bribes de dialogues enregistrés lors de diverses répétitions, ce qui en fait un album très personnel.
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If Mountains Could Sing (1995)
Terje Rypdal a construit un monde musical qui lui est propre. Avec de lazz Fusion, de la guitare électrique presque Rock, de la musique classique, du Free jazz, etc.
"If Mountains Could Sing", sorti en 1995, est un album très poétique, lyrique et romantique, mais à la manière nordique: avec des airs sentimentaux, des cordes de chambre, de la guitare rock électrique, de l'espace ambiant et du violon. Presque tous les auditeurs peuvent apprécier cette musique, mais pour l'apprécier pleinement, il faut l'aimer.
Le son clair et aérien habituel, mais plus chaleureux, avec plus d'émotions. La raison en est peut-être l'inclusion d'un violon très chaud.
Stylistiquement, c'est un mélange de tout: on y trouve facilement de la musique de chambre, du Jazz Rock, du Free Jazz, du Post Rock rempli de cordes et même des éléments New Age. Mais tous ces éléments sont utilisés avec beaucoup de goût, dans des portions minimalistes, et ne sont jamais mélangés en un mélange chaotique.
"If Mountains Could Sing" est un album agréable, intéressant et jamais ennuyeux. Très recommandé.