1998 – Radiation
Abandonnant l'approche acoustique de "This Strange Engine", Marillion revient vers le son plus lourd de "Afraid of Sunlight" sur "Radiation", paru en 1998.
Sans doute influencé par l'album "OK Computer" de Radiohead (1997), l'album montre aussi un son Beatles qui donne plus de saveur Pop que le groupe n'en a montré auparavant. "Answering Machine", "These Chains" et "Under the Sun" sont des titres attrayants, tandis que "Three Minute Boy", une autre réflexion de Marillion sur l'impact de la célébrité, contient certains des meilleurs travaux de Steve Rothery à la guitare depuis des années.
N.B.: La version Américaine de l'album comprend deux titres bonus, des reprises de "Estonia" et "Memory of Water" de "This Strange Engine".
2007 - Celtic Origins
Ayant déjà acquis une certaine notoriété dans son pays d'origine et s'étant produit aux côtés d'admirateurs tels que Sting, Barry Manilow, Elvis Costello, les Chieftains et Sinéad O'Connor, Anúna a sorti "Celtic Origins" en 2007.
Amalgame de musique Pop et classique, l'album est rempli de douces mélodies et d'harmonies apaisantes, comme en témoignent des airs traditionnels retravaillés tels que "Siúil a Rúin" et "Pie Jesu".
En outre, d'autres morceaux mêlent texte traditionnel et musique originale composée par le leader / fondateur du groupe, Michael McGlynn, notamment "Santus" et "Dúlamán", qui n'est interprété que par des chanteurs.
Riche en talent vocal et en tradition, "Celtic Origins" a préparé Anúna à sa percée aux États-Unis.
Help! (1965)
"Help!" des Beatles, paru en 1965, est la bande originale de leur deuxième film. Pendant le tournage, ils ont continué à sortir des singles sur une base régulière et il n'est pas surprenant qu'il ait encore un peu de la lassitude post - "Beatles for Sale".
L'album est plein de reprises, mais le rebondissement de Bakersfield de "Act Naturally" ajoute une nouvelle saveur et "Dizzy Miss Lizzy" donne à John l'occasion de montrer son affinité pour le Rock & Roll. George a écrit deux contributions qui n'atteignent pas les originaux de Lennon et McCartney, mais qui sont loin d'être mauvaises.
Comme Lennon a écrit un tiers de chansons de plus que McCartney, il est facile de pardonner ses deux morceaux mineurs, "It's Only Love", "Tell Me What You See", d'autant plus qu'ils sont éclipsés par quatre grandes chansons. Son engouement pour Dylan ne se dément pas, en particulier sur la plaintive "You've Got to Hide Your Love Away" et sur la chanson-titre, où l'arrangement effronté dissimule le désespoir de Lennon.
Menée par une excellente guitare 12 cordes, "Ticket to Ride" est un chef-d'œuvre et "You're Going to Lose That Girl" est le genre de chanson que McCartney jette sans effort, ce qu'il fait aussi avec les joyeux "The Night Before" et "Another Girl", deux très belles chansons qui mettent simplement à jour sa signature mélodique. Il fait pourtant beaucoup mieux avec "I've Just Seen a Face", un joyau Folk Rock iquasi rrésistible, et "Yesterday", une ballade simple et belle dont l'arrangement, une guitare acoustique soutenue par un quatuor à cordes, et la composition suggèrent un territoire musical beaucoup plus sophistiqué et aventureux, que le groupe commencera immédiatement à explorer avec "Rubber Soul".
2002 So, It's Like That
Joe Bonamassa est un jeune virtuose de la guitare, dans la lignée de Derek Trucks et de John Mayer que certains considèraient, à l'époque comme le prochain Guitar Hero du Blues Rock. Malheureusement pour lui, il n'est pas un grand compositeur.
Ainsi, son album "It's Like That", sorti en 2002, est rempli de chansons banales et de clichés. La production de Clif Magness est assez bonne, bien que la guitare de Bonamassa sonne parfois trop soigneusement sale, et son groupe, composé du batteur Kenny Kramme et du bassiste Eric Czar beaucoup trop générique.
Bonamassa brille lorsqu'on lui permet de s'étirer et d'explorer, sur des morceaux tels que "Pain and Sorrow", au son très varié. Là, sur une longue improvisation, il travaille sur une myriade de modes de jeu, de textures et d'idées musicales.
Et comme il s'agit de l'un des seuls morceaux prolongés de l'album, c'est aussi l'un des seuls moments de rédemption de l'album, et la seule chose qui sépare clairement Bonamassa d'une grossièreté générique.
1975 - Fish Rising
Après avoir quitté Gong en 1975, Steve Hillage a suivi sa voie en faisant un album solo. Pour enregistrer "Fish Rising", sorti en 1975, il fait appel à quelques amis de Gong, le bassiste Mike Howlett, le saxophoniste Didier Malherbe et le batteur Pierre Moerlen, et les complète avec d'autres membres de son passé à Canterbury, le claviériste Dave Stewart et Lindsay Cooper d'Henry Cow.
Le résultat est un délice musical de Canterbury, même si les paroles sont pleines de sentiments hippies. Il y a beaucoup de changements de temps complexes, gérés par les musiciens facilement et en douceur, et bien que Hillage n'apporte pas autant de solos que les admirateurs de son style pourraient le souhaiter, il utilise des couches de guitare pour créer des textures et des harmonies merveilleuses.
C'est un disque très sophistiqué, avec des arrangements intéressants et une production innovante. Les rares fois où il se déchaîne sur les frettes, c'est tout à fait glorieux, avec son écho caractéristique qui laisse les notes filer. Il n'a pas besoin de prouver qu'il est le plus rapide, mais simplement qu'il a beaucoup d'invention.
L'accent est mis sur les arrangements et les compositions en plusieurs parties qui ont marqué les années 70, comme dans le prétentieux "Solar Musick Suite". Cependant, la pompe est soigneusement évitée, et les musiciens apportent suffisamment de leur propre personnalité à la fête, en particulier Malherbe.
En tant que premier album solo, "Fish Rising" est une réussite, qui reprend les qualités des concerts précédents de Hillage, mais qui fait du produit final son propre produit...
2002 - Pied Piper
Il est difficile de dire pourquoi cet album conçu pour les enfants ne fonctionne pas mieux qu'il ne le fait. C'est peut-être parce que, sur "Pied Piper", paru en 2002, tout est si pittoresque, et que le pittoresque est une notion nettement adulte, proche cousine de la nostalgie volontaire, et que la plupart des enfants ne se donneraient même pas la peine d'explorer l'une ou l'autre de ces caractéristiques.
Mélangeant des chansons plus anciennes comme "Mandolin Man and His Secret" et "Little Boy in Corduroy" avec une poignée de morceaux plus récents, Donovan fait ce qu'il a toujours fait, c'est-à-dire un album agréable, parfois même intéressant, pour les adultes qui veulent se sentir à nouveau enfants. Il n'y a certainement rien de mal à cela.
Mais le vendre aux enfants, c'est une autre paire de manches, parce qu'ils ne resteraient certainement pas les bras croisés pour l'écouter...
Waves (1978)
Sur "Waves" de Terje Rypdal, paru en 1978, celui-ci s'entoure de musiciens gravitant autour de la sphère Rypdalienne, à savoir la section rythmique composée de Sveinung Hovensjø à la basse électrique et du batteur percussionniste Jon Christensen. Pour compléter le line-up, Rypdal fait pour la première fois appel au trompettiste Danois Palle Mikkelborg qui, en plus d'illuminer le disque de ses interventions, signe une "Stenskoven" des plus intéressantes.
C'est avec "Per Ulv" que s'ouvre le disque, un morceau plutôt enjoué avec percussions et assez éloigné de l'esthétisme développé sur ses derniers disques. On en retient essentiellement le beau travail reconnaissable entre mille du guitariste et une bienvenue variété d'ambiance. Sur "Karusell", Rypdal brille dans la pureté de cette identité sonore qu'on lui connait. Ce titre est magistralement mis en lumière par la beauté de la trompette de Mikkelborg à peine soulignée par quelques effleurements de cymbales de Jon Christensen et Rypdal se contente d'y glisser quelques notes pleines de grâce et de volupté. On fait un peu machine arrière avec "Stenskoven" écrite par Mikkelborg sur laquelle sa trompette est absente, plus proche de l'environnement que de celui des vastes forêts Scandinaves enneigées... Le morceau titre est complètement dans la tradition contemplative de Rypdal, sans grande surprise mais magnifiquement habité par sa guitare et par un excellent Jon Christensen. Sur "The Dain Curse", Sveinung Hovensjø poser quelques bonnes lignes de basse pleines de groove que tour à tour Mikkelborg et Rypdal s'occupe d'embellir avec maestria. L'album se termine avec "Charisma", tout simplement du pain béni pour la somptueuse guitare, merveille pleine de sensibilité.
"Waves" est un très bel album solide mais aussi assez varié, ce qui lui laisse une bonne place dans l'abondante discographie de Terje Rypdal...
1999 – Marillion.com
L'album "Marillion.com", sorti en 1999, semble conserver une partie du style Pop alternatif de son prédécesseur "Radiation", mais il semble aussi revenir à une époque plus ancienne de Marillion tout en se tournant vers l'avenir.
Les musiciens, Steve Hogarth, Steve Rothery, Mark Kelly, Pete Trewavas et Ian Mosley, semblent vraiment s'efforcer de se créer une nouvelle niche dans le domaine du Rock moderne, tout en conservant une partie de leur héritage. Parmi les influences qui apparaissent, on trouve des artistes aussi divers que Jellyfish, Yes, Pink Floyd, les Beatles et Emerson, Lake and Palmer.
"Marillion.com" est un album très divertissant qui se laisse vraiment découvrir...
2008 Christmas Memories
L'album de Noël d'Anúna, "Christmas Memories", sorti en 2008, est basé sur un spectacle, Anúna Christmas Memories, produit par la Maryland Public Television, et les valeurs de production mettent en valeur l'ensemble dans ce qu'il a de plus clinquant et de moins subtil. Les arrangements de McGlynn sont intriguants et non conventionnels, car ils évitent les harmonisations traditionnelles, et sont souvent efficaces, mais certaines chansons sonnent tellement surproduites que de telles subtilités sont malheureusement noyées dans la masse.
Les chansons les plus convaincantes sont celles qui sont présentées le plus simplement, beaucoup d'entre elles étant a cappella ou accompagnées de façon très circonspecte: "The First Noël", "O Holy Night", "Noël Nouvelet", "Gaudete", "Angels Are Singing" de McGlynn et son particulièrement beau "Codail A Linbh". Sur ces morceaux, il est possible de reconnaître l'ensemble choral de premier ordre connu pour la pureté et l'âme de son chant.
De nombreuses chansons sont interprétées par des solistes, tous dotés de voix agréables et naturelles, l'ensemble chantant en soutien. Il y a suffisamment d'interprétations chaleureuses et satisfaisantes pour que les fans du groupe puissent passer outre les moments les plus gais et apprécier les morceaux les plus simples.
Rubber Soul (1965)
Sur "Rubber Soul", paru en 1965, les Beatles s'en tiennent encore largement aux chansons d'amour, mais les paroles représentent un bond en avant en termes de réflexion, de maturité et d'ambiguïtés complexes.
Sur le plan musical également, ils font un bond en avant considérable, avec des arrangements Folk Rock plus complexes qui reflètent l'influence croissante de Dylan et des Byrds.
Le groupe et George Martin commencent également à élargir les paramètres instrumentaux conventionnels du groupe de Rock, en utilisant, par exemple, un sitar sur "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", des lignes de guitare à la grecque sur "Michelle" et "Girl", une basse fuzz sur "Think for Yourself" et un piano qui sonne comme un clavecin sur la pause instrumentale de "In My Life".
Alors que John et Paul commençaient à se forger des identités séparées en matière d'écriture, l'album regorge d'excellents morceaux, de "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" et "Michelle" à "Girl", "I'm Looking Through You", "You Won't See Me", "Drive My Car" et "Nowhere Man" (la première chanson à s'éloigner complètement des thèmes romantiques). George Harrison devient également un excellent compositeur avec ses deux contributions, "Think for Yourself" et "If I Needed Someone", qui rappelle les Byrds.
2003 - Blues Deluxe
Le virtuose de la guitare électrique, Joe Bonamassa, a toujours été fortement inspiré par le Blues et les guitares orientées vers le Blues (comme par exemple Eric Clapton, Johnny Winter), et beaucoup de ses fans l'ont poliment harcelé pour qu'il enregistre absolument un disque de standards du Blues.
A l'origine, il s'agissait d'une activité des plus ludiques, mais les résultats d'une telle session ont été jugés suffisamment bons par Bonamassa pour être publiés et c'est ainsi que "Blues Deluxe" , sur lequel il reprend des chansons moins connues et inclut trois compositions originales, a été réalisé.
Bien entendu, la guitare occupe le devant de la scène. Les amateurs de Peter Green, Rory Gallagher et Buddy Guy, seront comblés.
"Blues Deluxe" est une nécessité absolue.
1976 - L
Après un passage au sein de Gong, Steve Hillage s'est lancé en solo.
Il réinterprète des morceaux bien connus d'autres artistes comme Donovan et George Harrison, tout en écrivant quelques-unes de ses plus mémorables gâteries sonores. Ses riffs impressionnants et ses solos rapides rivalisent avec ceux d'Hendrix et de Frank Marino, mais vont plus loin dans la composition grâce à des gammes exotiques issues d'autres cultures.
Avec Todd Rundgren en tant qu'ingénierie et producteur, le groupe Utopia en invité, et plusieurs autres musiciens comme Don Cherry aux cuivres et à la trompette tibétaine, ainsi qu'une vielle à roue du XVe siècle, on obtient un Rock éclectique endiablé.
La "Lunar Musick Suite", d'une durée de 12 minutes, est l'apogée de l'album et "Om Nama Shivaya" vient juste après, comme le Rock de transe le plus épanoui de Hillage.
Rising - 1990
L'album live "Rising" de Donovan est sorti chez Permanent Records en 1990.
Les versions live des succès de Donovan garantissaient que "Rising" sortirait à la fois aux États-Unis et au Royaume-Uni. Pour des raisons de marketing, le disque a été rebaptisé "The Classics Live" aux États-Unis, "25 Years in Concert" en Europe et "Atlantis" au Royaume-Uni. Depuis la sortie de "Rising", il y a eu de nombreuses rééditions des chansons de l'album sous différents titres.
Rising avait été enregistré sporadiquement lors de divers concerts au cours de différentes tournées mondiales. Les sources de ces enregistrements sont une tournée aux États-Unis en 1971, des concerts à Osaka en 1973 et le Cambridge Folk Festival de 1981.
Bien que les albums de Donovan aient pratiquement disparu des marchés Britannique et Américain au début des années 1980, ses concerts attiraient toujours un large public. Donovan a constamment tourné pendant cette période, se produisant en Amérique du Nord et en Europe.
Les setlists présentent un mélange de Hits internationaux des années 1960 et de titres relativement plus obscurs de ses derniers albums. Comme dans la plupart des concerts de Donovan, le chant est accompagné d'une instrumentation clairsemée (flûte, guitare acoustique, basse).
N.B.: "Rising" comprend deux chansons traditionnelles ("Young But Growing" et "Stealing") et une chanson originale ("Love Will Find a Way") qui n'ont jamais été publiées sur un album précédent de Donovan.
Descendre (1979)
Sur l'album "Descendre" enregistré en Mars 1979 au Talent Studio, Oslo et sorti en 1980, on y trouve Terje Rypdal à la guitare, synthétiseurs, flûte, Palle Mikkelborg à la trompette, bugle, synthétiseurs, et Jon Christensen à la batterie;
Cet album est tout simplement incroyable. Il est très beau, texturé et ne perd jamais de vue l'essentiel.
Le jeu de guitare de Rypdal est toujours aussi distinctif. Il utilise les effets tels que la réverbération, la distorsion et le relay pour façonner son son caractéristique, mais il utilise également la barre de whammy de ses Statocasters pour créer un vibrato impressionnant.
"Descendre" est l'un de ses plus Free Jazz de son travail, avec des compositions aux formes libres et une batterie très free-jazzy. Le trompettiste Palle Mikkelborg construit des figures aériennes à la trompette dans l'espace musical, qui rappellent parfois les moments les plus doux de Miles Davis. Les claviers sont très importants dans ce mélange, et donnent un parfum mélancolique à un son assez expérimental.
L4une des capacités uniques de Terje soit de mélanger dans sa musique des éléments assez complexes avec des éléments faciles d'accès, ce qui fait que le produit complet est facile à écouter mais avec des complexités profondément enfouies.
Quoi qu'il en soit, tous les musiciens ont créé quelque chose de vraiment spécial avec la session. Pour tous les fans de Terje, cet album est à acheter absolument.
Frais, clair comme l'air nordique, la musique avec un brassage aussi complexe, mais jamais agressif, est un excellent travail de Rypdal et de ses collaborateurs, l'un des meilleurs entre ses albums des années 70.
1999 – Zodiac
Enregistré lors de la Web UK Convention 1999, du 24 au 27 Juillet, au Zodiac d'Oxford, cet album live est une sélection de morceaux joués pendant le week-end.
La version originale de "Zodiac" est une sélection de chansons jouées lors de la convention du fan club de Marillion en 1999. Ce concert a eu lieu vers la fin de l'enregistrement de "marillion.com", et Steven Wilson de Porcupine Tree se trouvait dans le public, ce qui s'est avéré être un concert assez fatidique, car par la suite, Wilson a accepté de fournir ses propres mixages pour environ la moitié du matériel sur "marillion.com", ce qui a aidé cet album à surmonter les problèmes qui avaient affecté "Radiation".
Cette sélection live est tirée de l'audio du DVD 'Shot In the Dark', mais elle ne sonne pas comme si elle avait été remasterisée pour le CD; le son du clavier de Mark Kelly et la guitare de Steve Rothery sont particulièrement minces, ce qui sabote la plupart des morceaux. De plus, la voix de Steve Hogarth semble avoir été mise à rude épreuve au cours du week-end, de sorte que son chant ne fonctionne pas à plein régime.
Dans l'ensemble, il s'agit peut-être d'un bon souvenir pour les personnes ayant assisté au concert, mais sinon, il y a de bien meilleurs morceaux live de l'ère Hogarth à choisir...
2009 - Sanctus
L'album de musique contemplative a cappella, "Sanctus", met en lumière l'engagement du groupe Anúna pour les œuvres chorales de la Renaissance et modernes, ainsi que son traitement sophistiqué de la musique Celtique traditionnelle.
La plupart des pièces enregistrées ont été écrites par Michael McGlynn, fondateur et leader du groupe, et on y trouve également ses arrangements d'une chanson Celtique médiévale et du "Miserere Mei Deus" d'Allegri. Le groupe chante le "Crucifixus" d'Antonio Lotti non seulement avec le raffinement typique des meilleurs spécialistes de la Renaissance, mais aussi avec robustesse, un attribut qui n'est pas nécessairement associé aux groupes choraux de musique ancienne. L'interprétation de l'arrangement du "Miserere Mei Deus" de McGlynn n'a pas tout à fait le lustre nécessaire pour se hisser au même niveau, mais il s'agit néanmoins d'une interprétation satisfaisante et sans artifice du classique, et il est rafraîchissant d'entendre une interprétation aussi terre à terre d'une pièce qui est le plus souvent interprétée avec une éthalité atténuée. McGlynn transforme "Nobilis Humilis", un chant médiéval monophonique, en un hymne richement texturé, accompagné en grande partie par un magnifique bourdon densément chromatique.
Les œuvres de McGlynn le placent parmi les compositeurs de musique chorale contemporains les plus accomplis. Elles se distinguent par une technique de composition sophistiquée, toujours liée à une émotivité directe et attrayante. La fin obsédante de son motet, "O Maria", en particulier, est susceptible de susciter un frisson viscéral. La sonorité a une résonance chaude qui peut frôler la mollesse dans les passages les plus forts et les plus denses, mais qui convient pour l'essentiel à ce répertoire...
Revolver (1966)
"Revolver" a été conçu par les Beatles et leur producteur, George Martin, comme un LP de 14 chansons, et a été publié de cette manière au Royaume-Uni et en Europe au début du mois d'Août 1966. Mais comme c'était généralement le cas à l'époque, la division Américaine d'EMI, Capitol Records, avait d'autres idées basées sur ses propres besoins, et la forme du disque aux États-Unis impliquait des décisions prises des mois avant la sortie de l'album. À cette époque, la société a obtenu un accès anticipé à trois des chansons du futur album, "Doctor Robert", "And Your Bird Can Sing" et "I'm Only Sleeping", toutes écrites par John Lennon.
Comme il y avait un écart relativement long entre "Rubber Soul" et "Revolver", Capitol a voulu exploiter ces chansons, qui ne faisaient pas tout à fait un album, et ils ont fini par ajouter les trois chansons de Lennon sur "Revolver" et ont publié le tout début juin 1966 sous le nom de "Yesterday...and Today".
"Doctor Robert", "And Your Bird Can Sing" et "I'm Only Sleeping" étant déjà utilisés là-bas, ils n'étaient pas disponibles pour Revolver aux États-Unis, avec pour résultat que les Américains ont reçu un disque de 11 chansons qui était toujours assez étonnant, mais avec un équilibre considérablement différent.
Lorsque les Américains ont écouté "Revolver" pour la première fois en 1966, ils ont été enchantés par ses quelque 28 minutes de musique. En 1966, ils ne considéraient pas la musique des Beatles comme de l'"art", pas plus que Capitol Records, et ne se rendaient pas compte qu'il s'agissait plutôt de 35 minutes de musique, avec une voix de composition poétique et ironique qui s'insérait dans la Pop générée par McCartney. Les chansons "manquantes" de Lennon étaient déjà présentes sur "Yesterday...and Today", de sorte que les Américains n'en ont manqué que le contexte et la juxtaposition, et cet album a manqué une partie de leur impact en tant que déclarations personnalisées et Rock & Roll trippant et percutant (en particulier "Doctor Robert" et "And Your Bird Can Sing").
Ce qu'il y avait était toujours un chef-d'œuvre, et une curiosité d'une époque où les Beatles prenaient leur musique beaucoup plus au sérieux que leur label n'était prête à le faire, un facteur qui allait changer une fois que l'argent commencerait à rentrer et que les clips de presse s'accumuleraient à partir de "Sgt. Pepper's" dans l'année qui suivit, et que les membres du groupe commenceraient à peser de tout leur poids là où cela comptait aussi beaucoup, avec la direction de la compagnie ainsi qu'avec les ingénieurs de studio.
Ceci dit, "Revolver" est un chef d'oeuvre intemporel des Beatles et de la musique Pop. Le groupe cesse de se complaire dans une musique commerciale pour se laisser aller à une inspiration plus profonde et une créativité moins conventionnelle, mise a part "Yellow Submarine".
Les Beatles tentent des expériences inédites mais particulièrement inspirées: tout un morceaux sur une seule note... Un solo enregistré à l'envers... Violons et sitar hindou... cors et trompettes. Le son très accrocheur des guitares accordé aux harmonies vocales, confère une magie envoutante...
2004 Had to Cry Today
Le jeune virtuose de la guitare Blues Rock Joe Bonamassa sait faire brûler et gémir sa six cordes, mais comme beaucoup de guitaristes, pour ce faire, il doit se concentrer pour que son jeu soit vraiment spécial.
Cette concentration intense est la marque de fabrique de "Had to Cry Today", sorti en 2004. Alors que certains guitaristes gaspillent les notes, Bonamassa fait en sorte que chacune d'entre elles compte, qu'il s'agisse d'un picking à saveur Country, d'un Blues Rock foudroyant ou d'une improvisation turbulente et inspirée.
"Had to Cry Today" tient largement les promesses de Bonamassa.
1977 : Motivation Radio
"Motivation Radio", souvent appelé "light side of the moon" attire l'auditeur dans son propre plan astral avec un son brillant et vaporeux similaire à celui de Pink Floyd sans la noirceur.
L'idéologie New Age/ Space n'est pas très éloignée de la réalité alternative originelle de Gong, mieux expliquée lors du véritable point de transmigration de l'album, "Saucer Surfing".
Le travail de Hillage à la guitare est typiquement transcendant, les claviers de Giraudy sont une composante vitale, et la batterie de Joe Blocker est un souffle de changement fréquent. Steve Hillage n'a pas la présence vocale nécessaire pour toucher les auditeurs; au mieux, il peut les rencontrer à mi-chemin.
"Motivation Radio" fonctionne aussi bien parce qu'il attire les auditeurs à mi-chemin, en les guidant à l'aide de panneaux spirituels et en les récompensant avec une musique enivrante. C'est un voyage remarquablement doux, plus accessible que "L", mais tout aussi cosmique. Encore une fois, c'est une reprise idiomatique, "Not Fade Away", qui est devenue le single; bien qu'il s'agisse d'une façon étrange de terminer le disque, elle n'aurait eu aucun sens au milieu. Le reste de l'album est une collection continue de musique.
2004 Sixty Four
Enregistrés par Donovan en 1964, les neuf titres fr l'album "Sixty Four': sorti en 2004, sont antérieurs aux premières sorties officielles du chanteur sur Pye Records, et représentent les premiers enregistrements studio de Donovan à avoir été révélés à ce jour. Bien que deux de ces titres, "London Town" et "Codine", aient été publiés sur le coffret "Troubadour" au début des années 90, les sept autres sont restés inédits.
Donovan était à ce moment-là un musicien Folk acoustique, et ces performances sont assez similaires aux enregistrements Folk qu'il fera pour la sortie officielle en 1965, bien qu'elles soient peut-être un peu plus enracinées dans le côté traditionnel des choses.
Bien que Brian Locking l'accompagne à la basse sur "Crazy 'Bout a Woman", il n'y a que Donovan et sa guitare acoustique.
Son style distinctif de phrasé vocal et son travail accompli à la guitare sont virtuellement formés, bien que le matériel ne soit pas aussi frappant que les chansons qui l'ont propulsé vers la célébrité au milieu des années 60.
Donovan a refait quelques-uns de ces titres en studio plus tard, avec "Keep on Trucking" de Jesse Fuller apparaissant sur un album de 1965; "Isle of Sadness" a été refait avec le titre "Belated Forgiveness Plea", bien qu'autrement la chanson et l'interprétation soient assez similaires à l'enregistrement de 1965 de Pye; et "The Darkness of My Night" a été rebaptisée "Breezes of Patchulie" pour son traitement Folk Rock typiquement orné du milieu des années 60, un peu plus tard, bien que cette version soit purement acoustique et considérablement plus simple.
En ce qui concerne les meilleurs morceaux que Donovan n'a pas publiés sous quelque forme que ce soit sur ses premiers enregistrements Pye, il s'agit d'une bonne reprise du classique "Dirty Old Town" d'Ewan MacColl et de l'original Folk troubadour "Freedom Road", qui est décent et qui doit voyager.
Le seul autre original du set, "Talkin' Pop Star Blues", aurait donné à la foule des imitateurs de Donovan un peu plus de munitions s'il était sorti à l'époque, sonnant trop près de certains des premiers Blues parlants de Dylan pour être à l'aise.
Dans l'ensemble, cependant, Donovan a conservé une grande partie de sa voix originale, et cet album est un ajout digne d'intérêt à son ensemble d'enregistrements, avec un son de qualité officielle.
