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Reborn (2008)
Cet album de 2008 contient des versions réenregistrées de 11 chansons qui figuraient à l'origine sur les cinq premiers albums studio de Curved Air, plus deux nouvelles chansons (ainsi qu'un Dance Remix!?). Il est à noter que tous ces titres sont de nouveaux enregistrements et que "Reborn" ne contient pas d'inédits, ce n'est donc pas une compilation.
C'est un bon album dans son genre. Les nouveaux enregistrements de vieilles chansons ne sont pas mal du tout, et franchement les enregistrements originaux étaient loin d'être parfaits. La qualité du son sur les albums originaux des années 70 n'était pas très bonne et ces chansons méritaient certainement d'être réenregistrées.
Le résultat final est bon mais également loin d'être parfait. Les sons de batterie utilisés sont particulièrement problématiques et donnent à ces versions un air très 90's malgré le fait qu'elles aient été créées en 2008 (et il vaut mieux éviter le morceau final susmentionné qui est un remix Dance de "Back Street Luv").
Les deux nouvelles chansons sont "Coming Homeé et "The Fury" qui sont toutes deux de bonnes chansons et constituent les premières nouvelles chansons de Curved Air depuis de nombreuses années.
Daryl Way dirige la manoeuvre sur "The Fury" avec ses violons sophistiqués.
Pour les fans de Curved Air, "Reborn" vaut vraiment la peine d'être (ré)écouté...

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Kansas 1976 : Leftoverture
L'album "Leftoverture" est une énigme impénétrable de signification qui est couronnée par rien de moins qu'une suite en cinq parties, intitulée de manière appropriée "Magnum Opus", et comportant des titres de mouvements aussi prometteurs que "Father Padilla Meets the Perfect Gnat" et "Release the Beavers". Bien sûr, il n'est pas possible de savoir si cet opus final est en rapport avec le premier morceau, "Carry On Wayward Son", le plus grand single que Kansas ait jamais enregistré, une chanson qui réussit à être pompeuse, puissante et entraînante à la fois.
Il s'agit peut-être de l'album le plus cohérent de Kansas, en dehors de "Point of Know Return"...

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Bob Dylan 1963 : The Freewheelin' Bob Dylan
"The Freewheelin' Bob Dylan" est le disque qui a fermement établi Dylan comme un auteur-compositeur inégalé, d'une compétence, d'une imagination et d'une vision considérables.
À l'époque, le Folk était très populaire sur les campus universitaires et dans les cercles bohèmes, faisant son entrée dans les hit-parades sous forme diluée, et bien qu'il y ait eu un certain nombre d'auteurs-compositeurs talentueux, personne n'avait transcendé la scène comme Dylan l'a fait avec ce disque. Il y a quelques (très bonnes) reprises, avec "Corrina Corrina" et "Honey Just Allow Me One More Chance", mais elles font pâle figure face aux originaux.
À l'époque, ce sont les protestations sociales qui ont reçu le plus d'attention, et à juste titre, car "Blowin' in the Wind", "Masters of War" et "A Hard Rain's A-Gonna Fall" n'étaient pas seulement spécifiques dans leurs cibles; elles étaient gracieusement exécutées et même mélodiques. Bien qu'elles se soient avérées résistantes au fil des ans, si le disque n'avait eu que cela à offrir, il n'aurait pas eu son impact sismique, mais cela a également révélé un auteur-compositeur capable de produire des fantaisies ("Don't Think Twice, It's All Right"), de magnifiques chansons d'amour ("Girl From the North Country") et un humour joyeusement absurde ("Bob Dylan's Blues", "Bob Dylan's Dream") avec autant d'habileté.
Il s'agit tout simplement d'une musique riche et imaginative, qui capture le son et l'esprit de l'Amérique autant que ceux de Louis Armstrong, Hank Williams ou Elvis Presley.

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1969 : Aoxomoxoa
Le Grateful Dead a atteint son véritable sommet en matière de psychédélisme sur son album, "Aoxomoxoa", paru en 1969.
Sous l'emprise de l'acide et en phase avec l'évolution rapide de la sous-culture hippie de la fin des années 60, le groupe s'est déchaîné grâce à sa nouvelle liberté sonore. Les jams exploratoires et le Blues Rock brut de leurs concerts sont ornés de chœurs superposés, d'effets sonores électroniques et de couches d'harmonies vocales traitées. Une production expérimentale rudimentaire a pris l'approche trippante du groupe et l'a amplifiée avec des effets généreusement appliqués et des montages dérangeants. Dans les chansons les plus directes, la production ambitieuse d'"Aoxomoxoa" n'est pas aussi visible. Des Rocks gluants comme "Cosmic Charlie" et "St. Stephen" mettent en valeur les guitares de Jerry Garcia et les harmonies vocales avant de dévier vers des expérimentations de studio sauvages. Bien que le mixage studio de "China Cat Sunflower" donne l'impression que les différents instruments flottent dans l'espace, essayant de se connecter à partir de planètes individuelles éloignées, le cœur de la chanson est toujours présent, et ce morceau deviendra l'un des favoris en concert pour le reste de la longue carrière du groupe.
C'est le premier album sur lequel le groupe fait appel au parolier Robert Hunter, qui écrira par la suite certains des textes les plus appréciés du groupe. Les premiers aperçus du partenariat Hunter / Garcia qui apparaissent sur le Bluegrass "Dupree's Diamond Blues" ou la douce ballade "Rosemary" préfigurent le virage complet vers une douce Americana que le groupe fera sur son prochain album studio, le magistral "Workingman's Dead" de 1970.
La production excessivement expérimentale peut parfois obscurcir les idées musicales, les voix distordues se heurtant aux instruments acoustiques ou les multiples pistes de batterie s'entrechoquant dans le champ stéréo. L'épopée de huit minutes "What's Become of the Baby" est l'exemple le plus flagrant de l'esthétique de production non fondée de l'album, atteignant un niveau de bizarrerie proche de la musique concrète avec des sons électroniques aléatoires et des effets hachés qui envahissent les pistes vocales isolées de Garcia.
"Aoxomoxoa" est tellement extravagant que le groupe lui-même s'est ravisé, revenant en 1971 pour remixer l'album dans son intégralité. Le nouveau mixage atténue certains des moments les plus sauvages et ajoute de la clarté, mais ces huit chansons resteront les productions les plus aventureuses, les plus déroutantes et les plus exagérées que le groupe enregistrera.
Avec "Aoxomoxoa", même en s'appuyant sur tous les outils disponibles, le groupe n'a pas réussi à capturer les profondeurs de l'émerveillement cosmique dans lequel il puisait à chaque fois qu'il montait sur scène. Non sans d'excellents moments, l'album est plus un document d'expérimentation en studio de la fin des années 60 qu'un grand pas dans une voie durable pour le groupe.

[Harvest]

Un de mes disques préférés du groupe avec Anthem et plusieurs autres.

J’ai un exemplaire de chacun des deux mix. Et j’aime beaucoup les deux en fait. Le mix de 69 est plus révélateur de l’état d’esprit du moment. Période fortement alimentée en acide et défonce permanente. En 71, c’est plus aéré, éclaircie en vue… mais ça se joue sur des petits détails. Et puis la pochette, totale réussite. Enfin le titre en forme de palindrome. Tout contribue à faire de ce disque un objet très singulier.

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Completely Well (1969)
"Completely Well" est l'album qui a permis à B.B. King de percer en 1969 et qui lui a enfin valu la reconnaissance qu'il méritait depuis si longtemps.
Il contient son titre phare, "The Thrill Is Gone", et huit autres morceaux, dont six émanent de la plume de King, généralement en situation de coécriture. Les plus intransigeants considèrent que les diagrammes de cuivres et les cordes superposées marquent le début de la fin de l'ancien style de King, qui a si bien marqué ses premières faces pour les Bihari Brothers et ses derniers morceaux pour ABC, mais c'est vraiment l'album qui a fait que le monde s'est levé et a pris conscience de B.B. King.
Les points forts sont des arrangements souples et un petit combo derrière lui qui n'éclipse jamais les procédures ou ne se met pas en travers du chemin. King, pour sa part, semble s'amuser comme un fou, jouant et chantant à pleine puissance. Ce n'est certainement pas l'endroit où commencer votre collection B.B. King, mais c'est une belle étape sur le chemin avant de la terminer.

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Big Mama Thornton With The Muddy Waters Blues Band
Au milieu des années 60, Big Mama Thornton était une chanteuse de Blues relativement obscure, connue principalement pour son enregistrement original de "Hound Dog" en 1953, trois ans avant qu'Elvis ne connaisse un succès monstre avec cette chanson.
En raison d'un manque de concerts, elle avait du mal à garder un groupe stable sur la route et se démenait pour rassembler des musiciens toujours décents. Heureusement, le fondateur et président d'Arhoolie Records, Chris Strachwitz, avait été témoin d'une performance étonnante de l'époque, où elle était soutenu par un groupe de musiciens de Chicago, dont Buddy Guy à la guitare.
Avec cette performance en tête, Strachwitz était déterminé à retranscrire cette excellence en studio. Il proposa le concert à Muddy Waters, qu'il avait rencontré à San Francisco quelques jours avant la session. Muddy accepta et emmèna avec lui James Cotton (harmonica), Otis Spann (piano), Sammy Lawhorn (guitare), Luther "Guitar Junior" Johnson (basse) et Francis Clay (batterie).
Ce qui est sorti chez Coast Recorders le 25 Avril 1966 est présenté sur ce disque de 17 titres, dont sept inédits. Du Blues organique de "Black Rat" et de "Big Mama's Shuffle" (où Thornton et James Cotton se livrent à une bataille d'harmonicas) à l'atmosphère brumeuse de fin de soirée de "Life Goes On", "Since I Fell for You" et "I Feel the Way I Feel", tous ces morceaux sont absolument intemporels.
On ne peut qu'imaginer ce qui se serait passé si les espoirs de Big Mama d'enregistrer un album de Gospel avec ce groupe s'étaient concrétisés.

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1993: The Battle Rages On
Joe Lynn Turner était toujours membre du groupe lorsque Deep Purple commença à écrire et à enregistrer l'album "The Battle Rages On", mais plus pour bien longtemps....
Car Mike DiMeo (futur chanteur de Riot) avait été initialement choisi pour l'album après le licenciement de Turner par Blackmore. A cette époque, il n'était connu que sur la scène des clubs New-Yorkais lorsque Ritchie lui avait demandé de rejoindre Deep Purple. Cette année-là, il avait même enregistré quelques demos avec Glover pour ce qui deviendrait plus tard "The Battle Rages On...".
Mais, sous la pression des managers qui visaient une tournée pour le 25ième anniversaire du groupe, Lord, Glover et Paice durent convaincre Blackmore que Gillan était le seul véritable chanteur pour Deep Purple à la place de DiMeo, et les demos enregistrées ne furent jamais publiées.
Blackmore cèda à contrecœur, après avoir demandé et finalement reçu 250 000 dollars sur son compte en banque.
À la fin de l'année 1992, quelques mois après les premières sessions d'écriture et d'enregistrement de "The Battle Rages On...", Turner fut renvoyé officiellement de Deep Purple qui réintègra aussitôt Gillan.
Une poignée de pistes de travail destinées à l'origine à la suite de "Slaves and Masters" se retrouvèrent, par conséquent, sur des albums solo ultérieurs de Turner.
Pour accessoirement assurer le succès du nouvel album après l’échec de "Slaves & Masters", Gillan, en plus de nouveaux morceaux, dût retravaillé une grande partie du matériel existant qui avait été écrit avec Turner pour l'album et le tout fut réenregistré. Cela déplût évidemment totalement à Blackmore qui devint furieux de ce qu'il considérait comme des éléments non mélodiques.
"The Battle Rages On..." fut rapidement enregistré et il finit par sortir le 19 Juillet 1993 en Europe. Ce sera le dernier album enregistré avec la formation classique Mk II du groupe.
Le retour du chanteur emblématique du groupe permit de meilleures ventes en Europe: dès sa sortie, l'album, coproduit avec Thom Panunzio, se classa 21ème au Royaume-Uni.
Cependant, les tensions entre Blackmore et Gillan, de nouveau réapparues lors des sessions d'enregistrement, s'accentuèrent tout au long de la tournée Européenne qui s'ensuivit, comme en témoignent les albums "Come Hell or High Water" (1994) et "Live in Europe 1993" (2006).

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Live Atmosphere (2012)
Curved Air était pratiquement terminé en 1976, du moins en tant qu'entité studio. Ils ont fait quelques retours dans les années 1980 et des retrouvailles en 1990, mais cela semblait être tout pour le groupe. Hélas, ce n’était pas censé se produire. Le groupe est revenu en tant qu'entité live en 2008 et continue de tourner depuis, malgré quelques changements de line-up. Pourtant, la voix reconnaissable du groupe demeure toujours : Sonja Kristina. Certains de leurs concerts récents ont également été enregistrés et c'est ainsi qu'est né l'album Live Atmosphere.
Malheureusement, Darryl Way, membre fondateur, n'est plus dans le groupe puisqu'il l'a quitté en 2009 et qu'il est désormais remplacé par deux musiciens. Pourtant, pour un groupe en tournée uniquement, ce n'est pas un problème car il y a tellement de musiciens talentueux autour. Et dès qu'on entend le premier morceau, on sait que quelques nouveaux membres ne font aucune différence et que ce groupe est vraiment au top de sa forme. En nous livrant de superbes moments forts de leurs albums des années 70, le groupe nous présente toute sa palette stylistique, du folk au classique en passant par le symphonique et même le jazz. De petits détours dans des sections plus improvisées fonctionnent bien avec les sections plus structurées et laissent la musique respirer, ce qui en fait une expérience live parfaite. Même s'il y a quelques nouveaux joueurs, ils n'ont pas hésité à improviser. Pourtant, la majeure partie du matériel est très reconnaissable parmi les albums que nous avons appris à aimer.
Le DVD bonus n'est pas vraiment spectaculaire, avec juste une courte vidéo du groupe en live, plus un collage de diverses interviews, extraits et commentaires de fans de la route.
Le sens dramatique de Sonja Kristina n'a pas diminué au fil des années. Au contraire, sa prestation est peut-être encore plus convaincante que jamais et elle semble également très à l'aise en live. Le reste du groupe est également en pleine forme, se déchaînant souvent sur ses instruments.
"Live Atmosphere" est un album live très solide, avec une collection de compositions très solide...

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1977: Point of Know Return
"Point of Know Return" est certainement l'enregistrement définitif de Kansas, qui comprend l'un des morceaux les plus célèbres, "Dust in the Wind".
Le groupe est au sommet de sa forme et a également produit le single "Point of Know Return". Si leur approche Pop et leur son de guitare Rock standard ont contribué à définir le son Classic Rock des années 70, une écoute attentive révèle que le talent de ce groupe va au-delà de collègues tels que Bachman-Turner Overdrive et Boston.
Leurs arrangements et leurs signatures temporelles reflètent plus fidèlement la musique de Yes et d'Emerson, Lake & Palmer. "Paradox" et "The Spider" sont deux excellents exemples de leur approche progressive. Malheureusement, le groupe a toujours eu un peu de mal à maintenir un équilibre sain entre le Prog et la Pop.
Cependant, malgré les petites incohérences et un son plutôt daté, l'interaction et la musicalité supérieure font de cet album un incontournable du Rock Classique et du Rock Progressif.

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Bob Dylan 1964 : The Times They Are a-Changin'
Si "The Times They Are a-Changin'" n'est pas un net progrès par rapport à "The Freewheelin' Bob Dylan", même s'il s'agit de son premier recueil entièrement composé d'originaux, c'est tout de même un beau recueil.
Il n'est pas aussi riche que "Freewheelin'", et Dylan a considérablement tempéré son sens de l'humour, choisissant de se concentrer sur les protestations sociales dans le style de "Blowin' in the Wind". Avec la chanson-titre, il a écrit un hymne qui égale presque cette chanson, et "With God on Our Side" et "Only a Pawn in Their Game" sont presque aussi bons, tandis que "Ballad of Hollis Brown" et "The Lonesome Death of Hattie Carroll" sont des relectures remarquablement habiles de récits contemporains sur l'injustice.
L'absurde lui manque, mais il se rattrape avec les merveilleuses "One Too Many Mornings" et "Boots of Spanish Leather", deux adorables classiques. S'il y a quelques chansons qui n'atteignent pas le niveau de celles mentionnées ci-dessus, cela en dit plus long sur la qualité de ces chansons que sur la faiblesse du reste du disque. Et c'est aussi le cas de l'album lui-même qui fait pâle figure à côté de son prédécesseur, mais il est, quand même, formidable à tout point de vue.

[lienard]

Je connais un gars qui a eu la chance d'assister à un concert fleuve du Grateful Dead .. il m'avait dit que ce n'était même pas la peine d'apporter son pétard .. l'air était tellement saturé que tout le monde planait ..

[alcat01]

A propos de concert du Dead, en voilà un!



1969: Live / Dead
L'album "Live / Dead' du Grateful Dead est leur premier enregistrement de concert prolongé. Réparti sur deux 33 tours, il est enfin capable de retransmettre en temps réel la magnificence sonore intrinsèque d'un concert du groupe.
En outre, il a permis de libérer plusieurs éléments clés de leur répertoire, notamment l'épopée sidérale "Dark Star", ainsi que des reprises acides hurlantes et électrifiées du standard de Blues de Rev. Gary Davis "Death Don't Have No Mercy" et de l'hymne R&B "(Turn on Your) Lovelight".
Les quatre faces de l'album fournissent la palette permettant de reproduire le flux et le reflux naturels d'un set typique du Dead vers le début de 1969.
"Dark Star" est devenue une pierre de touche culturelle signifiant que la musique Rock devenait de plus en plus expérimentale en rejetant les exigences autrefois acceptées de la chanson Pop courte et autonome. Cette version a été enregistrée le 27 Février 1969 au Fillmore West et est présentée pratiquement telle qu'elle s'est déroulée lors du concert. Il en va de même pour les sept autres titres de "Live/Dead". "Saint Stephen" réinvente le prototype d'"Aoxomoxoa" avec un tonnerre déchaîné et une fin prolongée qui s'enfonce dans une excursion rythmique instrumentale intitulée "The Eleven" d'après la signature temporelle délicate de la jam.
Le deuxième album commence par une reprise marathonienne de "(Turn on Your) Lovelight", qui a connu un succès important pour Bobby "Blue" Bland et Gene Chandler plus tôt dans la décennie. Avec Ron "Pigpen" McKernan à la baguette, le Dead se fraye un chemin à travers l'œuvre, la reproportionnant et la nommant avec des solos enflammés de Garcia et des raps vocaux de McKernan. "Death Don't Have No Mercy" est une interprétation noire et langoureuse du Blues du révérend Gary Davis. Les frettes de Garcia brûlent tandis que ses solos fouillent la mélodie. Le travail de clavier de Tom Constanten est tout aussi remarquable. L'association finale de "Feedback" avec le chant funèbre "And We Bid You Goodnight" est fidèle à la façon dont le groupe concluait la majorité de ses concerts vers 1968-1969. Ils se joignent tous à un dérivé a cappella. Peu d'enregistrements ont jamais représenté aussi fidèlement l'essence d'un artiste en concert que "Live / Dead".
Il est devenu un instantané sonore dans l'évolution de 30 ans du Grateful Dead et, en tant que tel, il est vivement recommandé à tous les passionnés.
C'est un véritable monument!

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Indianola Mississippi Seeds (1970)
Produit par Bill Szymczyk et mettant en vedette le guitariste Joe Walsh, les pianistes Carole King et Leon Russell et le batteur Russ Kunkel parmi ses musiciens, B.B. King livre des classiques mineurs dans l'émouvant "King's Special" et le Hard Blues "Until I'm Dead and Cold".
Il n'a pas fait beaucoup d'albums plus Pop que celui-ci. En plus de faire sonner "Hummingbird" de Leon Russell comme sa propre composition, King a montré qu'il est possible de mettre du Blues dans n'importe quelle situation et de faire en sorte que cela fonctionne.

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Muddy Waters 1967 - More Real Folk Blues
Le volume qui accompagne le premier enregistrement de Waters dans la série "Real Folk Blues" est encore plus terre à terre que le premier. Avec un autre groupe de morceaux de Chess datant de 1948-1952, cet album contient des titres essentiels que l'on ne trouve pas sur The Chess Box.
Avec l'époustouflant "She's Alright", qui bénéficie du remarquable jeu de batterie d'Elgin Evans, et l'introspection morose de "My Life Is Ruined", à compter parmi les nombreux points forts, il s'agit d'un excellent paquet budgétaire que les fans de Muddy ne devraient certainement pas négliger.

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1994 : Come Hell or High Water
"Come Hell or High Water" de Deep Purple est un album sorti en Novembre 1994. Il contient des morceaux extraits de deux concerts, le 16 Octobre 1993 à la Hanns-Martin-Schleyer-Halle de Stuttgart, en Allemagne et le 9 Novembre au National Exhibition Center de Birmingham, donnés par la Mark II reformée du groupe, peu avant le départ de Blackmore.
Le CD ne contient que des chansons du concert de Stuttgart, à l'exception de "Anyone's Daughter", extrait de Birmingham.
Le DVD retrace l'intégralité du concert de Birmingham, avec un morceau en moins que sur le CD, "Hush". Ce concert est également entrecoupé d'interviews des membres du groupe, sauf Blackmore.
Dans ces interviews, ils se disent indignés de l'attitude sur scène de Ritchie: lors de ce concert, le groupe avait commencé à jouer le premier morceau, "Highway Star", sans Blackmore; pour cause, dans un premier temps, celui-ci avait refusé de monter sur scène, et ne se décida à entrer qu'au moment de son solo, pendant lequel il passa derrière Gillan et jeta un verre d'eau sur la caméra qui filmait Gillan.
Les problèmes de Blackmore avec la présence d'un caméraman de son côté de la scène au début du concert de Birmingham l'avaient incité à retourner dans sa loge jusqu'à ce que le caméraman soit retiré. Cela avait conduit à une introduction plus longue que d'habitude, sans guitare, dans 'Highway Star' et à plusieurs solos de guitare tronqués pendant le concert.
Par la suite, Blackmore ne resta sur scène que pour ses solos, ou presque. Et enfin, une fois le dernier morceau, "Smoke on the Water", terminé, au lieu de rester sur scène avec les autres membres du groupe pour le salut final, il s'empressa de partir...

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North Star (2014)
"North Star" de Curved Air, paru en 2014, est le premier album studio avec du nouveau matériel depuis 1976.
Il comprend sept nouvelles chansons, trois chansons réenregistrées, une chanson solo de Sonja Kristina réenregistrée et trois reprises.
Curved Air fait du Rock tout en rendant la musique très calme et facile à écouter. Des chansons comme "Stay Human" et "Time Games" ont toutes deux des guitares et des basses assez Rock, mais les claviers et le violon paisibles ajoutent vraiment une sensation différente. Certaines parties de ce dernier morceau sonnent presque comme un autre monde, c'est difficile à expliquer, mais la façon dont tous les instruments jouent ensemble le rend Rock et calme à la fois. "Images and Signs" combine particulièrement bien le violon et la guitare, cette dernière fournissant des riffs grimpants et devenant parfois menaçante, tandis que le violon et les claviers apportent une présence apaisante.
Ce n'est, bien sûr, pas du Hard Rock, mais le groupe a vraiment mis du Rock dans son Rock progressif avec cet album. Alors que la plupart des nouveaux morceaux ont un excellent travail de guitare, l'instrumental 'Spider' a vraiment des excellents riffs. Il y a aussi des parties spatiales dans la chanson qui s'intègrent très bien. La production est très organique et naturelle, avec une vraie chaleur.
Cet album est recommandé à tous les fans de Rock Symphonique qui veulent quelque chose d'à la fois Rock et relaxant...

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Kansas 1979 : Monolith
"Monolith" de Kansas, paru en 1979, est différent des deux albums précédents. Ce n'est pas du Hard Symphonique Prog, avec un penchant résolument vers un son AOR et les paroles et les mélodies vocales semblent se concentrer sur cet album. Il y a encore beaucoup d'éléments progressifs, mais ceux-ci semblent un peu plus secondaires par rapport à "Point of Know Return".
Les deux premiers morceaux sont d'excellents morceaux de Hard Rock, mais ils s'éloignent des Blues Rocks énergiques des albums précédents, ou de quelque chose de plus progressif et symphonique.
"Monolith" est un album plus introspectif et plus avant-gardiste, qui, bien que profond, ne fait pas ce que Kansas fait de mieux.
Bref, c'est un disque un peu décevant en comparaison avec les précédents...

[Harvest]

A propos de concert du Dead, en voilà un!



1969: Live / Dead
L'album "Live / Dead' du Grateful Dead est leur premier enregistrement de concert prolongé. Réparti sur deux 33 tours, il est enfin capable de retransmettre en temps réel la magnificence sonore intrinsèque d'un concert du groupe.
En outre, il a permis de libérer plusieurs éléments clés de leur répertoire, notamment l'épopée sidérale "Dark Star", ainsi que des reprises acides hurlantes et électrifiées du standard de Blues de Rev. Gary Davis "Death Don't Have No Mercy" et de l'hymne R&B "(Turn on Your) Lovelight".
Les quatre faces de l'album fournissent la palette permettant de reproduire le flux et le reflux naturels d'un set typique du Dead vers le début de 1969.
"Dark Star" est devenue une pierre de touche culturelle signifiant que la musique Rock devenait de plus en plus expérimentale en rejetant les exigences autrefois acceptées de la chanson Pop courte et autonome. Cette version a été enregistrée le 27 Février 1969 au Fillmore West et est présentée pratiquement telle qu'elle s'est déroulée lors du concert. Il en va de même pour les sept autres titres de "Live/Dead". "Saint Stephen" réinvente le prototype d'"Aoxomoxoa" avec un tonnerre déchaîné et une fin prolongée qui s'enfonce dans une excursion rythmique instrumentale intitulée "The Eleven" d'après la signature temporelle délicate de la jam.
Le deuxième album commence par une reprise marathonienne de "(Turn on Your) Lovelight", qui a connu un succès important pour Bobby "Blue" Bland et Gene Chandler plus tôt dans la décennie. Avec Ron "Pigpen" McKernan à la baguette, le Dead se fraye un chemin à travers l'œuvre, la reproportionnant et la nommant avec des solos enflammés de Garcia et des raps vocaux de McKernan. "Death Don't Have No Mercy" est une interprétation noire et langoureuse du Blues du révérend Gary Davis. Les frettes de Garcia brûlent tandis que ses solos fouillent la mélodie. Le travail de clavier de Tom Constanten est tout aussi remarquable. L'association finale de "Feedback" avec le chant funèbre "And We Bid You Goodnight" est fidèle à la façon dont le groupe concluait la majorité de ses concerts vers 1968-1969. Ils se joignent tous à un dérivé a cappella. Peu d'enregistrements ont jamais représenté aussi fidèlement l'essence d'un artiste en concert que "Live / Dead".
Il est devenu un instantané sonore dans l'évolution de 30 ans du Grateful Dead et, en tant que tel, il est vivement recommandé à tous les passionnés.
C'est un véritable monument!

J’ai découvert ce disque par hasard et ce fut même le premier que j’ai écouté d’eux. C’était dans une communauté moitié étudiante moitié hippie à la sortie de la ville dans un ancien corps de ferme. Le frère d’une copine y vivait et c’était la fête permanente.
On y passait après le collège ou le week end. Beaucoup de musique, évidemment.
Après cette découverte du Dead, je n’ai jamais cessé d’écouter leurs disques ou de traquer des bootlegs.
Mais Dark Star fut une immense découverte et je pense que personne, jamais, ne s’est même rapproché d’une telle musique. Inimitable.

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Bob Dylan 1964 : Another Side of Bob Dylan
L'autre facette de Bob Dylan dont il est question dans le titre est vraisemblablement sa facette romantique, absurde et fantaisiste, bref tout ce qui ne figurait pas sur l'album "Times They Are a-Changin'", résolument folklorique et contestataire, en fait.
Pour cette raison, "Another Side of Bob Dylan" est un disque plus varié et plus réussi, puisqu'il capture Dylan en train d'élargir sa musique, offrant des performances imaginatives et poétiques sur des chansons d'amour comme sur des chansons de protestation.
Il contient autant de classiques que son prédécesseur, avec "All I Really Want to Do", "Chimes of Freedom", "My Back Pages", "I Don't' Believe You" et "It Ain't Me Babe" qui font partie de ses standards, mais la clé du succès de ce disque réside dans les morceaux de l'album, qui sont gracieux, poétiques et stratifiés.
Les paroles et la musique sont devenues plus profondes et Dylan tente plus de choses: dans sa construction et son attitude, cet album est loin d'être strictement Folk, car il englobe bien plus que cela.
Le résultat est l'un de ses meilleurs disques, une belle affaire intime.