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The Green Bullfrog Sessions
Green Bullfrog est un album de blues enregistré par un groupe ad hoc et produit par Derek Lawrence. La majeure partie de l'album a été enregistrée sur deux sessions aux studios De Lane Lea à Londres en 1970, avec des overdubs ultérieurs de cordes et de cuivres. Il a été initialement publié en 1971, avec des rééditions en 1980 et 1991.
L'album a répertorié des pseudonymes au générique pour des raisons contractuelles et n'a pas connu de succès commercial.
Les musiciens ont finalement été confirmés comme incluant Ritchie Blackmore et Ian Paice de Deep Purple, Matthew Fisher de Procol Harum, Chas Hodges de Chas & Dave et les guitaristes de session Albert Lee et Big Jim Sullivan .
Green Bullfrog était l'idée du producteur Derek Lawrence, qui a réuni un groupe de musiciens avec lesquels il avait travaillé dans les années 1960. Le guitariste Albert Lee avait travaillé avec Lawrence en tant que musicien de session, et l'idée originale était d'enregistrer avec l'ancien bassiste de Screaming Lord Sutch, Tony Dangerfield. Cependant, les sessions n'ont pas fonctionné, alors le duo a décidé d'inviter d'autres musiciens de session et d'anciens élèves de Sutch et d'enregistrer une jam en studio.
Les pistes d'accompagnement ont été enregistrées en deux sessions nocturnes les 20 avril et 23 mai 1970 aux De Lane Lea Studios, Londres, à partir de 23 heures. Elles ont été enregistrées en live sur une bande à quatre pistes. Le guitariste de Deep Purple et ancien guitariste de Sutch, Ritchie Blackmore, avait auparavant travaillé avec Lawrence et amené le batteur Ian Paice. Selon Lee, Blackmore et Paice sont arrivés au studio directement des concerts de Deep Purple à ces deux occasions. Le guitariste de session Big Jim Sullivan a été invité car il avait à l'origine enseigné à Blackmore comment jouer de la guitare et était grandement admiré par lui. Le guitariste Rod Alexander était ami avec Blackmore et travaillait dans un magasin de musique sur Charing Cross Road. Il est arrivé à la session pour livrer des cordes de guitare et a été persuadé de rester. Tous les musiciens voulaient jouer ensemble depuis un certain temps, mais étaient trop occupés par des tournées ou des sessions de travail pour le faire. Le chanteur Earl Jordan avait enregistré avec les Humphries Singers. Il a posé des vocaux de guidage pendant la session principale, puis a réenregistré toutes ses parties après que tout le monde soit parti. Des cordes et des overdubs de cuivres ont été ajoutés le 4 janvier 1971.

Quelques originaux (écrits par Lawrence) ont été joués, ainsi que de nombreuses reprises aux influences blues. Sullivan a réarrangé "Lovin' You (Is Good for Me Baby)" composé par Lawrence en tempo 17/9 pour le rendre plus intéressant à jouer. L'instrumental d'entraînement de guitare "Bullfrog" est une chanson de Deep Purple "Jam Stew", qui avait été précédemment enregistrée lors d'une session de BBC Radio 1.
Blackmore a joué une fois le riff principal à Sullivan et Lee, qui ont tous deux immédiatement créé des harmonies de guitare autour de lui. Le morceau présente également Tony Ashton à l'orgue Hammond. Les sessions comprenaient également une reprise de "Makin' Time" de Creation, que Blackmore et Lawrence avaient tous deux voulu enregistrer. Lawrence a sélectionné toutes les autres chansons pour que tout le monde les enregistre.
Pour des raisons contractuelles, les musiciens étaient facturés sous des pseudonymes. Lee s'appelait "Pinta" après une blague où il disait "Je ne fais que livrer le lait!" lorsqu'une deuxième prise d'une chanson était demandée. Ashton s'appelait "Bevy" parce qu'il aimait garder des bouteilles de bière légère sous son orgue. Le bassiste Chas Hodges (qui jouait auparavant avec Blackmore dans the Outlaws et sera plus tard la moitié de Chas & Dave) a pris le nom de "Sleepy" en raison de son habitude de s'endormir lors des sessions. Blackmore s'appelait "Boots" parce qu'il portait fréquemment des bottes de cow-boy en daim, tandis que Sullivan était surnommé "The Boss" en raison de son respect des autres comme l'un des meilleurs musiciens de session. Matthew Fisher, qui jouait du piano sur l'album, a été nommé "Sorry" après sa réputation de s'excuser si une autre prise était nécessaire. Alexander s'appelait "The Vicar" après l'habitude de Lawrence de lui dire "bonjour, vicaire", tandis que Paice était surnommé "Speedy" en raison de son style de jeu rapide. Malgré les rumeurs à l'époque, Roger Glover et Jon Lord n'ont assisté à aucune des séances.
Le titre Green Bullfrog a été choisi par Lawrence. Hodges a dit plus tard que c'était parce que Lawrence voulait nommer chaque projet d'après une couleur. La première sortie de la session date du 19 mars 1971 aux États-Unis chez Decca Records, ainsi qu'un single couplant les morceaux "My Baby Left Me" et "Lovin' You Is Good for Me, Baby". Il a été publié au Royaume-Uni par MCA Records en mars 1972 après que Lawrence ait joué quelques morceaux au président de la société Mike Maitland.
Cependant, Maitland avait quitté l'entreprise au moment de la sortie de l'album, il avait donc peu de promotion et n'a pas eu de succès commercial.

L'album a été réédité en 1980 sous ECY Street Records aux États-Unis. La réédition avait des notes de pochette supplémentaires écrites par Ed Chapero. La couverture contenait une citation de Blackmore tirée d'une interview avec le magazine Guitar Player en septembre 1978, qui s'identifiait correctement, Paice, Lee et Sullivan sur l'album mais il citait à tort Glover.
Blackmore et Glover n'ont pas été impressionnés par la citation de couverture. Il a été remixé aux Abbey Road Studios, à Londres en 1991 par Lawrence et l'ingénieur Peter Vinceet réédité en LP et CD. La réédition contenait des pistes supplémentaires qui ne figuraient pas sur la version originale, ainsi que des informations supplémentaires et des notes sur la pochette, y compris une interview de Lawrence. C'était la première version qui créditait correctement tous les musiciens.
Quatre pistes enregistrées par Green Bullfrog ont été publiées sur la compilation 2005 Blackmore Get Away – Groups and Sessions.

wikipedia

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The Whole World’s Goin’ Crazy (1976)
Un an après la sortie de Stand Back, l'une des plus grandes réussites d'April Wine, le groupe revient avec un album au son similaire, Whole World's Goin' Crazy.
Bien que l'album ne contienne pas de rocks solides comme "Tonite Is a Wonderful Time" ou "Oowatanite" (tous deux tirés de Stand Back), il contient l'une des meilleures ballades du groupe, "Like a Lover Like a Song", qui révèle également le talent de Goodwyn pour chanter les chansons lentes.
La plupart des autres titres d'April Wine sont assez solides, en particulier "Gimme Love", "We Can Be More Than We Are" et la chanson titre, qui a atteint le Top 20 dans son pays d'origine.
Avec le départ de Jimmy Clench et l'arrivée du bassiste Steve Lang, April Wine a poursuivi son projet d'arena rock/radio ; le seul problème est que trop de comparaisons ont été faites avec l'album qui l'a précédé, et qu'il n'y a pas eu assez de temps entre les deux pour que l'impact de Stand Back se dissipe, surtout au sein de la base de fans grandissante du groupe.
Mais Whole World contient suffisamment de rock sympathique à base de guitares pour en faire l'un des meilleurs albums des années 70, Goodwyn et Moffet s'attirant de sérieuses relations avec les incontournables crochets hard rock et les ballades pop sirupeuses.
La même année, ils ont sorti Forever for Now, sur lequel April Wine semble moins enthousiaste et dérive quelque peu vers la banalité du rock de stade.

Mike DeGagne

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Some Enchanted Evening (1978)
Imaginez-vous en train de déguster un Grand millésime de Château Latour dans les jardins des prés d’Eugénie chez Michel Guérard devant son « Jour de fête au pays » légendaire. Le rêve de tout homme civilisé. Votre bien-aimée est assise en face de vous, sublime de sensualité sous le tendre soleil printanier. Vos enfants sont en vacances chez leurs grands parents, mère-grand a prévu une soirée culturelle dans les arènes romaines de Nimes, après la visite de la maison carrée et quelques expériences soniques au pied de de la tour Magne, la teutonique équipe est-allemande de RAMMSTEIN va exploser les mirettes ainsi que les tympans de vos chers bambins. Bref, vous êtes détendus.

Cet instant de perfection champêtre tout enrobé d’une ambiance surannée se devait d’être rehaussé d’un chef-d’œuvre musical. Un opus alliant la maestria de musiciens à la technique sûre, à un cœur dégoulinant d’émotions, à une joie communicative propice à une communion rare.
"Some Enchanted Evening" est cette œuvre-là. Le hasard voulut que ce live exceptionnel fut mon premier contact avec le culte de l’huître bleu. Et admettons le : quelle émotion ! Quel plaisir ! La comparaison avec les mets les plus succulents, avec les vins les plus exquis, n’est pas fortuite loin s’en faut, tant la qualité phénoménale touche en bien des points comme le précise le titre du skeud, ce qualificatif : « enchanteur ».

Enchanteur… Comme "RU Ready 2 Rock" petit titre tiré de "Spectres" sans grand relief ni dynamique, il gagne en live une maturité démentielle. Les refrains, les chorus, le bridge les soli de guitare, c’est à se damner, tout y approche sans exagération la perfection. Aucune note n'est de trop, pas un instant de fébrilité. Quel bonheur ! Il accompagne à merveille votre entrée dans le célèbre restaurant landais. Êtes-vous prêt ? Oh que oui !

"E.T.I." vous permettra sans nul doute de vous lancer dans la dégustation d’une entrée rien de moins que cosmique : j’ai nommé « L'Ile Flottante comme un Jardin, Truffes Râpées en Purée Chaude sur la soupe de petit pois glacés au vert »… Ah la la ! Je ne sais pas vous, mais ce simple souvenir me donne envie de rejoindre les étoiles. Merci à toi, Buck !
Ah, mais ne vous endormez point, car le summum du plaisir est en passe d’arriver sous la forme conjointe des « Chuletitas d’Agneau de Lait des Pyrénées à la Broche », une des spécialités du lieu, que vous dégusterez avec ravissement tout en écoutant, le cœur battant la chamade, la version d’"Astronomy" présente ici, soit l’une des plus belles réussites de l’histoire de la musique live. J’en veux pour preuve les interventions de Buck Dharma, toutes plus scintillantes les unes que les autres, quel talent ! Inutile d’en rajouter ni sur l’un ni sur l’autre, je gage que les jeunes générations sauront se souvenir de ceci lors de leur prochaine intrusion dans les empires peu ragoûtants des enseignes de junk food - mais il faut de tout pour faire un monde, SLIPKNOT et KORN doivent bien servir à quelque chose !
Vous aurez alors la ressource d’embrayer "The Reaper", ou "Godzilla" pour terminer ce repas pantagruélique de saveur. La première servira d’écrin royal à « La Fameuse Feuillantine de Poire Caramélisée », dessert de noblesse royale s’il en est, car terminer en cavalcade cet instant exquis ne pourra qu’être propice à un instant de quiétude -!!- partagé avec votre compagne dans les prés landais lors d’un retour coquin à l’hôtel. Si votre énergie est consumée, "Godzilla" vous achèvera avec « Le Dessert du Roy Tout en Chocolat », dégoulinant d’un sang foncé que ne renierait pas le célèbre monstre japonais.
"We Gotta Get Out Of This Place" sera l’épilogue de cet instant d’amour et d’humanité rare. Il faut bien partir et quitter le paradis pour regagner l’instant d’après un monde où McDonald, coca et RHAPSODY règnent en maîtres - à combattre sans dangers on triomphe sans gloire !
Merci à Michel et merci à Buck, Eric, la Bouchard connection et Allen. C’était la perfection ! J’en pleurerai presque !

ERWIN

[Algernon]

Chronique gastronomique (marrante) pour un talent astronomique (Astronomy)
Qu'est-ce que ce live est beau. C'est mon préféré, si je dois faire un choix.

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Chronique gastronomique (marrante) pour un talent astronomique (Astronomy)
Qu'est-ce que ce live est beau. C'est mon préféré, si je dois faire un choix.

J'ai trouvé que ce texte collait parfaitement à cet album!

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Soul Finger
The Bar-Kays étaient un groupe né de la même inspiration que Booker T. & the MG's, c'est-à-dire qu'ils étaient à la fois un combo de soutien pour les nombreux chanteurs des labels Stax et Volt de Memphis et une unité autonome.
La formation originale, composée de James Alexander (basse), Jimmy King (guitare), Ronnie Caldwell (orgue), Phalon Jones (saxophone), Carl Cunningham (batterie) et Ben Cauley (trompette), n'a été réunie que le temps de sortir cet album avant la perte tragique de tous les membres du groupe, à l'exception d'Alexander et de Cauley, dans l'accident d'avion de décembre 1967 qui a également coûté la vie à Otis Redding.
Soul Finger (1967) commence par la chanson titre, qui est rapidement devenue un tube pop du Top 20 et l'une des œuvres les plus connues du groupe, sans parler d'un hymne de fête "feel good". Le reste du plateau suit le même chemin en proposant dix autres instrumentaux qui restent fidèles au précédent qui avait guidé Booker T. & the MG's, en mélangeant des morceaux amusants et entraînants avec, de temps en temps, des morceaux au tempo plus lent qui complètent les sélections destinées aux adolescents et définitivement dansantes. Ici, la reprise de "I Want Someone" de the Mad Lads, coécrite par la cofondatrice de Stax, Estelle Axton, est tout à fait appropriée, Caldwell offrant un joli et affectif premier rôle sur cette ballade mélodique et langoureuse. "Theme From Hells Angels" est intéressant car il n'y a aucune désignation donnée ni à l'auteur de la chanson ni à ce à quoi Hells Angels fait précisément référence. Un film ? Le tristement célèbre club de motards ? Le rythme staccato rappelle le "Boléro" de Maurice Ravel, tandis que le jeu de frettes nettement déformé de King contribue à renforcer le caractère indéniablement dramatique de la composition. Un autre point fort est le "Bar-Kays Boogaloo", qui, bien qu'il s'agisse d'un produit de l'époque, illustre la cohésion de l'unité en tant que fournisseur du son Stax/Volt au swing indéniable.

Lindsay Planer

[Cooltrane]

Même si l'album simple de l'époque laissait un peu sur sa faim et que, pour finir, n'était qu' une bonne compile des meilleurs morceaux de cette époque (en fait, on est presque dans un Best Of Live, avec des morceaux de mains et différents concerts), la dernière version en date rend cet album incontournable.

Avec une longueur accrue de 50% (des morceaux de choix, qui plus est), le DVD de la tournée l'est tout autant, même si la qualité du film n'est pas excellente.

Pour finir, je crois que c'est cela et Treaties que je garderais en dernier BÖC, si je devais me débarrasser de mes piles de disques.

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Même si l'album simple de l'époque laissait un peu sur sa faim et que, pour finir, n'était qu' une bonne compile des meilleurs morceaux de cette époque (en fait, on est presque dans un Best Of Live, avec des morceaux de mains et différents concerts), la dernière version en date rend cet album incontournable.

Avec une longueur accrue de 50% (des morceaux de choix, qui plus est), le DVD de la tournée l'est tout autant, même si la qualité du film n'est pas excellente.

Pour finir, je crois que c'est cela et Treaties que je garderais en dernier BÖC, si je devais me débarrasser de mes piles de disques.

Quelle idée!!!

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1974 : Wonderworld
A la suite d'une succession de chef-d'oeuvres et d'un succès toujours grandissant, les revers traditionnels de la vie de rock star finissent toujours par s'abattre progressivement sur les groupes et Uriah Heep n'échappe pas à la règle. Entre un chanteur, David Byron, en proie à de graves problèmes d'alcoolisme et une dictature de plus en plus pesante imposée par le manager Gerry Bron réservant au claviériste Ken Hensley la quasi-totalité de ses compos pour chaque album, rien ne va plus !
Wonderworld a dont été accouché dans la douleur et le moins que l'on puisse dire est que cela s'entend ! Mais ce climat de tension permet aussi de rendre l'album plus agressif, bien plus en tout cas que tous les albums qui suivront ! Le chant de David Byron n'est pas à son meilleur niveau mais il contribue à rendre encore plus tordues les idées développées sur ce disque. Tordues en effet certaines parties de claviers (Wonderworld) ou ces lignes de chant où on sent un David Byron au bout du rouleau (sur les heavy Suicidal man et So tired, toutes les 2 terriblement efficaces). Pas de véritables classiques à signaler ici, à part peut-être Wonderworld ou la ballade au piano The easy road qui restera longtemps dans le répertoire de la carrière solo de Ken Hensley, preuve s'il en est de sa qualité.
Mais si Wonderworld ne fait pas parti des classiques d'Uriah Heep, cela ne signifie nullement qu'il est mauvais, bien au contraire, il est très solide, a été sous-estimé par la critique à sa sortie à cause des chef-d'oeuvres qui le précèdent.
Il est aussi symbolique dans la mesure où c'est le dernier album enregistré par le line-up considéré comme ultime et représentant le mieux l'âge d'or d'Uriah Heep.

DAVID

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I

n April Came the Dawning of the Red Suns (1973)
Le court moment de rock & roll d'April Lawton au soleil prend une meilleure tournure sur le deuxième essai de Ramatam, In April Came the Dawning of the Red Suns.
Les divagations acoustiques comme "Excerpt From Guitar Concerto #1", où elle joue en solo pendant 44 secondes, sont plus invitantes que la plupart des morceaux du premier album éponyme du groupe. Puisque ses prouesses ont fait l'objet d'une grande partie du battage médiatique, le mystère réside dans le fait que ces aperçus introspectifs n'ont pas été prolongés.
Il y a aussi un joli interlude, "Rainy Sunday Evening", qui vient entre deux moments terribles de la première face, "Betty Lou" et "I Can Only Love You", ce qui prouve le point précédent. Un son vocal de type années 50 se glisse dans ce marasme, et ces deux titres affichent les pires éléments que l'on puisse trouver en " expérimentant " le premier effort du groupe, malgré le fait que seuls le lead guitariste Lawton et Tommy Sullivan restent.
Avec un autre producteur d'Atlantic, Geoffrey Haslam, qui remplace Tom Dowd, et de lourdes sections de cordes qui remplacent les anciens membres du groupe, Mitch Mitchell et Mike Pinera, l'album a des étincelles qui ne décollent jamais. Les parties instrumentales de "I Can Only Love You" ont le mérite d'être décimées par une voix affreuse de Sullivan, qui chante bien mieux sur "The Land" et "Autumn Now", deux chansons qui sonnent comme si Robbie Robertson et le Band jammaient avec America après un concert. L'orchestration lourde - 11 cordes et huit cors - dirigée par Charles Gouse, apporte un certain raffinement à ce groupe de rock qui, en concert et dans son incarnation précédente, était un assaut total.
M. Haslam a travaillé avec des artistes et des projets aussi divers que Loaded du Velvet Underground, le J. Geils Band, The Divine Miss M de Bette Midler, Delbert McClinton, et d'autres encore, et il apporte son savoir-faire pour arrondir les angles - mais comme le regretté Jimmy Miller avait l'habitude de dire (en le paraphrasant), "une grande partie du problème réside dans le talent avec lequel on vous donne à travailler".
Lorsqu'un chanteur n'a pas cette capacité à faire passer son message, on peut se retrouver avec le dilemme auquel Ramatam est confronté. La force que Haslam a apportée au premier album de J. Geils, en rassemblant tous les éléments et en les laissant s'exprimer, est moins efficace ici, bien que ce soit une grande amélioration par rapport au travail de Dowd sur le premier album de Ramatam.
Si la première édition de cet ensemble était un supergroupe du pauvre, cette version voit la bonne production entravée en partie par la transformation de Tommy Sullivan en ce Jim Dandy du pauvre de Black Oak Arkansas. Imaginez Dandy essayant de chanter sur une version boogie-woogie de la musique de Cream et vous comprendrez le dilemme.
"Stars and Stripes Forever" est un exercice inutile qui ouvre la deuxième face, mais il mène au moment le plus brillant, la jolie voix de Lawton complétée par le violon de Bruce Morgenheim sur une chanson appelée "Bounty on My Table". Ce moment de répit disparaît avec " Downrange Party ", où le groupe semble voir son personnage de Jim Dandy se heurter à celui de Jimi Hendrix Experience, avec des cuivres en prime - épouvantable. Le "Free Fall" de Sullivan, d'une durée d'une minute, est aussi séduisant que certains des élans créatifs de Lawton, et le fait qu'une certaine magie se soit échappée de ce projet est évident.
Ce qu'il fallait, c'était supprimer le pseudo-rock sudiste grinçant et inutile, pour le remplacer par un jam psychédélique à la Iron Butterfly - un groupe auquel appartenait un ancien membre. Un bon éditeur numérique pourrait faire un copier-coller et créer quelque chose de très spécial si les personnes concernées en avaient envie.

Joe Viglione

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"Hideaway", initialement sorti en 1976, a été enregistré dans le Colorado, et le Caribou Ranch est représenté sur la pochette hivernale.
Il est immédiatement clair dès l'ouverture de 'Hideaway' que le groupe tente quelque chose de différent. Sous la supervision assurée de l'ancien producteur des Beatles George Martin, ils choisissent de démontrer leur polyvalence musicale avec cet album. Le morceau d'ouverture, "Lovely Night", a quelque chose d'une touche reggae mélangée à une saveur de solo de John Lennon, qui signale immédiatement un changement de direction. La guitare électrique dans 'Amber Cascades' montre l'influence de Martin et se sent aussi comme quelque chose de nouveau. La troisième chanson, 'Don't Let it Get You Down' est la plus rock que le groupe ait fait jusqu'à présent, et ils poussent vraiment le chant pour leur donner plus de bien-être. Bien qu'il s'agisse d'un morceau qui fait tapper du pied, entendu isolément, il serait difficile de l'épingler sur 'America' si vous ne connaissiez que leurs travaux antérieurs.
Le court et doux "Can't You See" (le premier de l'album à être écrit par Dan Peek) est plus proche du territoire familier, surtout lorsque Gerry Beckley et Dewey Bunnell se joignent aux chœurs, et une touche d'harmonica lui donne un son typiquement américain, bien que ce ne soit pas une chanson particulièrement distinctive ou originale.
Le morceau le plus long de l'album, "Watership Down" de Beckley, est également l'un des plus créatifs et des plus habilement produits, avec de longs passages instrumentaux complétés par des chœurs. C'est pendant les refrains qu'elle prend vraiment vie, et avec un accompagnement au piano, cette chanson de bien-être est bien orchestrée, amenant des cordes vers l'apogée.
Il y a des sections de l'album qui ne s'emboîtent pas confortablement. Par exemple, un dispositif doo-wop termine 'She's Beside You', qui fait la transition avec l'instrumental 'Hideaway Part I', qui sonne un peu comme la musique d'ouverture dramatique d'une émission populaire de jour. Elles sont suivies par la chanson plus rock "She's a Liar" au début de la face B, qui vous entraîne avec une guitare électrique résonnante et se transforme ensuite en une explosion de saxophone. La juxtaposition entre les sons de chansons voisines est un peu aliénante, surtout à la première écoute. En s'efforçant de démontrer sa diversité artistique, l'album risque parfois de paraître décousu, voire incohérent. La trompette sur "Letter" suggère qu'il aurait peut-être mieux valu viser un son plus orchestré qu'un tel assortiment d'approches. L'autre grande faiblesse de l'album est que, bien qu'il offre une collection de chansons décentes et agréables, il y a peu de titres qui pourraient être considérés comme les meilleures chansons de tous les temps du groupe.
Cela dit, la deuxième face se complète bien. Dan Peek, qui a un bon album avec quatre chansons fortes, fournit 'Jet Boy Blue' qui revient à un côté plus rock avec des harmonies fortes. La lente construction de " Who Loves You " de Beckley, avec le retour de l'accompagnement au piano qui lui confère un son plus grandiose, élève également la chanson à quelque chose de plus spécial.
Bien qu'il ne s'agisse pas de leur album le plus fort, 'Hideaway' a quelques joyaux. "Letter" a tellement de choses à faire et une instrumentation inhabituelle, ce qui en fait un concurrent évident. Bien que n'étant pas du goût de tout le monde, nous avons apprécié 'Watership Down' de Gerry Beckley pour son originalité et ses passages instrumentaux. Pour une chanson entraînante idéale pour conduire au soleil avec la fenêtre baissée, vous ne pouvez vraiment pas battre "Today's the Day" de Dan Peek, surtout si vous voulez chanter en même temps. Pour un classique plus rock dans une veine « américaine » riche et familière, « Jet Boy Blue » est la chanson vers laquelle se tourner.
Leur musique enracinera les nostalgiques fermement dans le milieu des années 70, ce qui est en soi une chose de toute beauté.
'Hideaway' comprend un insert carré en couleur avec des photos du groupe prises dans le Colorado lors de la réalisation de l'album, représentant d'excellents tricots et manteaux d'hiver qui sont sans doute maintenant perdus dans les ravages du temps.
Bien que "Hideaway" ne soit pas une quête entièrement réussie pour trouver un nouveau son, c'est une autre démonstration de l'abondance de talents musicaux au sein du groupe. Bien qu'ils soient à leur meilleur quand ils jouent avec leurs forces.

Greg Jamesson

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1969 : Kick Out the Jams
J'ai lu aujourd'hui la nouvelle annonçant l'intronisation du MC5 au Rock & Roll Hall of Fame. Je ne sais pas vraiment comment ça marche, et je m'en moque, mais la lecture de cette nouvelle m'a donné envie de mettre des trucs du MC5 (ainsi que des New York Dolls, un autre nouvel intronisé au Hall of Fame, et il y a une autre raison à ce lien dans le fait que Wayne Kramer a joué avec Johnny Thunders pendant un certain temps). Les Motor City 5 étaient le groupe par excellence de la scène rock de Détroit dans le Michigan, une ville qui, pour diverses raisons, allait jouer un rôle central dans l'histoire du rock et son évolution au cours des années 1970. Il suffit de penser aux Stooges pour comprendre de quoi nous parlons. Le fait est qu'ils étaient un groupe fondamental, un groupe clé dans l'histoire du rock et du garage-rock et peut-être parmi les plus avant-gardistes du genre.
Un autre groupe qui, je pense, a joué un rôle similaire à la même époque est le Blue Cheer de San Francisco. La parabole du quintet de Détroit est courte et leur bâton est destiné à porter ses fruits à long terme, mais ils sèmeront diverses graines dans leur ville comme nous l'avons dit, et pour cette raison ils ne peuvent être séparés de leur fond, qui est certainement fortement identifiable.
Le line-up historique est celui avec Rob Tyner, au chant, Fred Smith et Wayne Kramer à la guitare, le bassiste Michael Davis, le batteur Dennis Thompson. L'homme clé dans les coulisses est John Sinclair, l'activiste fondateur du parti des White Panthers.
"Kick Out the Jams est l'un des disques les plus fous de l'histoire de la musique et il est incroyable qu'il date de 1969. Après tout, comme nous l'avons mentionné, la parabole du groupe a été courte : 1964-1972. Lorsque le rock and roll est devenu un phénomène de masse et commercial, ils n'en ont pas récolté les fruits, et dans les années 70, les choses ne vont pas si bien pour tout le monde.
"Kick Out the James" est le premier LP du groupe, il est donc sorti avant les deux LP enregistrés en studio. En 1969 pour Elektra Records et avec une production de Jac Holzman et Bruce Botnik. Enregistré en live bien sûr entre les 30 et 31 octobre 1968, il contient huit titres et aucun d'entre eux, il faut le dire, ne figurera sur les deux LP studio qui seront enregistrés.
Sauvage, violent, le disque s'inscrit dans ce moment de l'histoire et ouvrira pratiquement la voie à toute une série de groupes qui sortiront de manière tout aussi " brute " aux États-Unis dans les vingt années qui suivront. Le son du groupe est ampoulé, la voix de Tyner est stridente, les riffs de guitare tourbillonnent, sauvages, riches en fuzz et acides. Certains titres sont devenus des icônes : Kick Out the Jams bien sûr, Rocket Reducer n°62 (Rama Lama Fa Fa). Stylistiquement, c'est un groupe de rock and roll, ancré dans le genre blues rock and roll noir (voir Ramblin' Rose, I Want You Right Now pour donner des exemples).
Ce qu'ils y apportent, c'est une impétuosité et une insolence, une colère qui a un caractère métropolitain, et cela fait toute la différence. Comme Together et Borderline, le moins que l'on puisse dire, c'est que ce sont déjà les Replacements de Paul Westerberg. Tout cela explique pourquoi le groupe réussit ensuite à s'imposer et à jouer deux reprises qui sont certainement des choix " particuliers ". Ou plutôt, si Motor City Is Burning de John Lee Hooker, pour mille raisons déjà évoquées, est en quelque sorte une "citation" de ce milieu et de ce sous-bois urbain dans lequel le quintet a grandi et dans lequel il était, un blues rock and roll primitif et brut, joué de la manière la plus laide, la plus sale et la plus méchante possible ; si leur Motor City Is Burning est donc le "ventre", les entrailles du rock and roll de Detroit, alors Starship en est le grand chef-d'œuvre. Le MC5 prend le morceau de Sun Ra et le transforme en un long morceau de rock and roll psychédélique, sauvage et primitif, les abstractions acides et cosmiques des parties instrumentales sont quelque chose de schizophrénique et d'explosif, une sorte d'orgasme qui monte dans votre cerveau jusqu'à ce qu'il se réinitialise et vous laisse avec cette satisfaction qui frise le silence qui est l'espace infini.
Inutile de dire qu'il s'agit d'un disque fondamental, qui est devenu d'année en année un objet de culte, et ce bien plus qu'il ne l'était en son temps.
Cette nuit du 30 au 31 octobre 1968 a marqué un moment dans l'histoire de la musique et du rock and roll et l'a changé.

maotse (2022)

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Forever for Now (1977)
Mis à part le slow des années 1950 de "You Won't Dance With Me", Forever for Now est en grande partie un album de rock amateur, sans que les capacités éprouvées d'April Wine ne fassent surface pour éviter la redondance.
Des chansons comme "Hard Times", "Come Away" et "Forever for Now" tentent de reproduire certains de leurs anciens singles comme "Oowatanite" ou même la chanson titre de Whole World's Goin' Crazy, mais ni le chant de Goodwyn ni les chansons elles-mêmes ne dégagent assez d'énergie rock contagieuse pour le faire.
Forever for Now sonne comme un engagement obligatoire, mais ce n'est pas le cas, et si l'on avait accordé suffisamment d'attention au reste des chansons comme on l'a fait pour "You Won't Dance With Me" (qui a atteint le Top Ten au Canada), alors l'album aurait pu être à la hauteur de Whole World et proche du calibre de Stand Back.
Mais des titres comme " Holly Would ", " Hard Times " et " Child's Garden " sonnent un peu bêtes, sans riffs de guitare de soutien ni saveur sympathique d'arena rock, et le groupe donne l'impression d'être encore sur la lancée de son dernier album.
L'ajout de Forever for Now à la collection est compréhensible pour les complétistes, mais pour la plupart, il est dispensable.
Ce n'est que trois ans plus tard qu'April Wine connaîtra un autre succès dans les charts, entrant dans le Top 40 avec "Roller" en 1979.

Mike DeGagne

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Mirrors (1979)
Quel groupe étrange que BLUE ÖYSTER CULT, quand même. Comme on le sait, il a commencé par livrer trois albums d'authentique hard-rock, dont Tyranny and Mutation et Secret Treaties, deux chefs-d’œuvre incontournables que je considère comme le sommet du genre. Ensuite, ses membres ont décidé de s'amuser en divertissant le public avec de la pop musclée, à moins qu'il s'agisse de hard-rock léché et démagogique, enfin qu'importe. A vrai dire, si je regrette qu'ils soient ainsi descendus de leur piédestal, tous les albums que je connais présentent de sacrées qualités, d'écriture comme d'interprétation. Si Agents of Fortune et Spectres ont connu une certaine célébrité grâce à leurs tubes respectifs, Mirrors, le troisième album de cette deuxième tendance du groupe, tient une place plus ingrate dans leur discographie.

C'est un album bien paradoxal. Il peut paraître encore plus commercial que ses prédécesseurs, avec sa production surfaite et la présence de chœurs féminins, et pourtant il est beaucoup plus homogène stylistiquement, ce qui semble indiquer un resserrement des liens au sein du groupe, qui s'étaient bien relâchés dans le décousu Spectres. Étant donné le manque de charisme des mélodies, cette cohérence rend cependant l'album un peu lassant bien que fort agréable. Il semble donc acquis que c'est le moins bon des huit albums de la formation originelle.

Notons que le son assez particulier de l'album est dû à un nouveau producteur. Jusque là, B.Ö.C s'était reposé sur un de leurs mentors, Sandy Pearlman. Il semble que l'ambition du groupe pour Mirrors était effectivement d'obtenir un résultat commercial encore plus grand qu'avec les précédents, ce pourquoi ils ont cette fois engagé Tom Werman, également connu pour son travail avec CHEAP TRICK ou Ted NUGENT, lesquels auraient également recherché une certaine fusion entre pop et hard-rock. Le résultat est un son avec beaucoup plus d'aigus que d'habitude et donc tautologiquement avec moins de basses. Les chœurs féminins rencontrés sur certaines chansons comme "Dr Music" et "Mirrors" participent de la même tendance haut perchée. C'était pourtant bien inutile, car on connaît la qualité du jeu de guitare des membres, et quand ils s'y mettent à trois plus le bassiste, nul n'est besoin de gonfler les aigus. Le résultat est bien évidemment déséquilibré, on ne peut que penser qu'il manque de la densité à ce son.

Avant de commenter les différents morceaux, parlons du chant. Depuis les débuts de B.Ö.C, Eric Bloom est le chanteur principal, mais Donald Roeser et les deux Bouchard ont régulièrement montré leurs petits talents de vocalistes également. J'avoue ne pas trop aimer la voix lisse de Donald Roeser, mais elle semblait plaire au public, au vu du succès de "Don't Fear the Reaper" et "Godzilla". Il n'est donc pas étonnant de le voir se charger de quatre chansons sur neuf, n'en laissant que trois à Bloom et une à chacun des Bouchard. Ce n'était sans doute pas un bon calcul non plus, il réussit à rendre bien plates "In Thee", "Mirrors" ou "The Vigil".

Allez, l'album s'ouvre fort bien avec la puissante "Dr Music" et ses paroles amusantes, une belle démonstration de la virtuosité naturelle du groupe. "The Great Sun Jester" a beau avoir des paroles de Michael Moorcock, elle manque un peu de folie et est l'exemple le plus gênant du problème des aigus. "In Thee" était un single décent, plutôt accrocheur bien que de nouveau un peu linéaire. Je leur préfère nettement la pop de "Mirrors", une chanson-titre avec une assise bien carrée et ce refrain répétitif où, étrangement, les chœurs ne me dérangent pas du tout. La chanson de Joe Bouchard, "Moon Crazy", est plus fantaisiste ; on y retrouve un peu ce rythme sensuel typique du groupe et qui manque globalement à l'album.
La semi-épique "The Vigil" est sans-doute la composition la plus ambitieuse. On y rencontre évidemment une excellente interprétation des musiciens qui réussissent à rendre une ambiance sombre en dépit de la production, mais je reste persuadé qu'il aurait fallu un autre chanteur. Ma préférée ici est certainement "I am the Storm", surtout pour l'incroyable jeu de guitare, je préfère décidément Roeser dans son rôle principal. "You're Not the One I Was Looking For" est une petite ballade un peu trop classique mais pas vilaine. Enfin, "Lonely Teardrops" conclut l'ensemble sur une note à la fois dramatique et bondissante. Elle est plutôt bien structurée, mais les chœurs finaux donnent un caractère un peu plat à la conclusion de l'album.

En bref, un album fort imparfait, certainement pas indispensable, mais tout de même attachant. La plupart des amateurs du groupe trouveront ici pas mal de choses à se mettre sous la dent. Disons qu'il faut bien désigner des albums moins bons que d'autres dans chaque discographie, mais Mirrors n'est pas le pire des faire-valoir.

ARP2600

[alcat01]

Restless aurait dû être l'album qui catapultait Randy California dans la ligue majeure. Mais ce n'était peut-être plus le moment. En plein milieu de la révolution New Romantics, et l'album présente même deux membres de ce groupe jetable "The Thompson Twins". Vous pouvez entendre ce clavier Roland des années 80 à intervalles fréquents, mais il ne domine pas et complète réellement les chansons pour son atmosphériques.
Le jeu de guitare tout au long représente Randy à son meilleur niveau ! C'est sa production la plus heavy depuis Captain Kopter and the Twirly Birds. Très puissant et basique (sans fioritures) et c'est comme ça que ça devrait être.
Neil Murray (Whitesnake/Black Sabbath et d'innombrables autres) fournit également des basses charnues. J'ai lu des critiques dans des magazines critiquant les tons nasaux de la voix de Randy. Je ne comprends pas du tout celui-là. Sa voix sur ce disque est d'une beauté absolue.
Les morceaux les plus remarquables sont Second Child, Jack Rabbit et mon "Camelot" préféré. Camelot, à mon avis, est là-haut avec l'un des classiques immortels de Spirit, c'est-à-dire Natures Way.

Paul Watson

[alcat01]

1975 : Return to Fantasy
A peine remis du décès du bassiste Gary Thain, qui était à Uriah Heep ce que Cliff Burton était à Metallica, un bassiste dont le jeu très mélodique représentait un atout important dans le son d'Uriah Heep, l'arrivée du bassiste John Wetton, célèbre pour avoir joué dans King Crimson, UK et Asia, semble provoquer un léger bouleversement dans le style d'Uriah Heep. Return to Fantasy est en effet un album plus accessible, conçu pour faire face à des ventes en baisse à l'époque. Il contient davantage de titres joyeux, dans une lignée pop-rock comme on pouvait en voir beaucoup dans les années 70. Mais l'identité d'Uriah Heep demeure intacte. Simplement, l'aspect progressif, épique et heavy des albums précédents est ici en retrait au profit d'une musique plus légère ce qui fait de Return to Fantasy un album un peu moins bon que d'habitude.
Mais la qualité et l'inspiration sont quand même au rendez-vous, avec notamment des rock songs énergiques très appréciables, aux mélodies sucrées comme Shady Lady, Devil's daughter, Prima Donna ou le bluesy Your turn to remember. Le seul reproche que l'on peut faire à ce genre de chansons, c'est d'être parfois un peu pauvre musicalement comme c'est le cas de Show down ou Prima Donna, enfin quand je dis pauvre, c'est uniquement dans le cadre d'Uriah Heep, car pour un groupe banal de rock à l'époque, ce genre de titres me parait très riche.
Heureusement, il reste quelques moments sublimes où Uriah Heep prouve qu'il a aussi conservé sa grandeur d'antan sur le classique Return to fantasy, Beautiful dream même si les claviers sur ce morceau ont mal vieilli et A year or a day.

Même si il ne rivalise pas avec les albums légendaires du combo que sont Salisbury, Look at yourself, Demons and wizards et The magician's birthday, Return to Fantasy reste très bon malgré ses quelques imperfections.

DAVID

[whereisbrian]

https://leseternels.net/chronique.aspx?id=2284
https://hardrock80fr.wordpress.com/2018 ... tasy-1975/

[alcat01]

Ray Owen's Moon - Moon
Nous parlons d'un album de Ray Owen qui a atteint le numéro 1 du classement des singles en Belgique et a été considéré par le magazine Classic Rock comme un véritable joyau perdu.
En 1969, Ray Owen décide de quitter Juicy Lucy, avec qui il avait enregistré un album (Juicy Lucy), pour débuter sa carrière solo.
Pour compléter son groupe il recrute les guitaristes Dick Stubbs et Les Nicol, le bassiste Sid Gardner et Ian McLeanà la batterie. Ils participent au festival de l'île de Wight et au Midnight Sun suédois.
En 1971, ils sortent leur seul Lp, "Moon", qui s'est perdu dans l'abîme du temps, ainsi que la carrière solo d'Owen. Il a collaboré en quelque sorte avec Killing Floor et Vincent Crane, revenant reformer Juicy Lucy bien des années plus tard.
Ray Owen nous présente un rock psychédélique aux accents blues et funk. L'album est chargé de bons riffs, car dans le groupe on a trois guitares (Owen, Gardner et McLean).
"Talk to Me" combine tout ce qui a été dit plus haut, un riff accrocheur avec une rythmique de basse très funky. Excellent travail de guitare sur "Free Man". "Don't Matter" nous détend après tant de choc avec une ambiance à la Peter Green. Une fois de plus des airs funk nous parviennent dans "Ouiji". Le point culminant de l'album se trouve dans la version qu'ils font de la chanson mythique d' Hendrix "Voodoo Chile", vraiment remarquable.
Bref, un super disque qui n'a pas eu la reconnaissance qu'il méritait vraiment.

ANGEL

[alcat01]

"Harbor", sorti en 1977, est un retour à la forme d'America après le décousu "Hideaway". C'est le dernier album à présenter le line-up original de Gerry Beckley, Dewey Bunnell et Dan Peek. Après sa sortie, Peek partira pour poursuivre un chemin différent, donc ces chansons représentent ses dernières contributions à America.
Dans l'ensemble, il s'agit d'un son beaucoup plus cohérent, qui est en partie influencé par l'évolution de la mode musicale de la fin des années 1970, avec des influences disco entrecoupées de leur production folk rock habituelle. Il est produit par le maestro de longue date des Beatles, George Martin.
"God of the Sun" est le premier morceau et l'un des singles de l'album. Écrit par Beckley, il a toutes les caractéristiques des grandes chansons d'América, y compris des harmonies fantastiques, un refrain mémorable et une influence distincte des Beatles apportée par le producteur légendaire du groupe. Le bien-être « Slow Down » a un accompagnement de saxophone et un rythme disco qui établit des comparaisons avec la bande originale de « Saturday Night Fever » qui faisait fureur à l'époque, qui a popularisé la production des Bee-Gees. 'Don't Cry Baby' est écrite par Dan Peek. Une fanfare de cordes fait sortir la chanson d'un son purement acoustique, mais le refrain reste longtemps dans la tête. Il y a un côté plus rock dans "Now She's Gone", qui met très clairement en évidence l'influence des "Beatles".
Les paroles cyniques de « Political Poachers » de Bunnell voient un côté différent, ou du moins rarement entrevu, d'América, et il se marie avec la fin de l'amour rythmée « Sarah » : une chanson de rupture classique s'il y en a jamais eu une. Ces deux chansons offrent une fin austère à la première face, bien que l'orchestration donne à cette dernière un style big band satisfaisant.
La deuxième face débute tout aussi mélancolique avec 'Sergeant Darkness'. C'est une autre chanson où l'orchestration complète et les guitares électriques lui donnent un son expansif, bien que sa courte durée suggère que cela aurait pu être poussé plus loin. « Are You There » est marqué par une prestation vocale inhabituelle qui ne convainc pas complètement, mais un accompagnement de guitare électrique rock audacieux donne de l'intérêt à la chanson. "These Brown Eyes" est l'une des chansons les moins remarquables de l'album et n'attire pas l'attention même après quelques écoutes.
"Monster" de Beckley est la chanson la plus courte de l'album et l'une des plus sombres. En contraste direct, la dernière chanson de Peek, "Hurricane", est upbeat et ressemble à un hommage à "The Beach Boys" et "The Beatles" (en particulier "Day Tripper"), et est un autre morceau accrocheur du type qu'il a si bien écrit. La dernière chanson, 'Down to the Water', assure qu'un album périodiquement mélancolique se termine sur une note positive. La chanson de Bunnell est construite simplement et n'est pas particulièrement mémorable, mais les voix harmonisées sont typiques du groupe et, comme toujours, agréables à l'oreille.
Malgré de très bonnes chansons sur l'album, 'Harbor' a été un échec commercial au moment de sa sortie. Bien que 'Harbor' présente une production plus lourdement produite et musicalement diversifiée, pour de nombreux fans de leur musique, 'America' était à son meilleur pour ses premiers albums qui avaient un son acoustique terreux. Cela vaut la peine de persévérer avec 'America' et de suivre leur parcours musical, car des albums méconnus comme 'Harbor' ont beaucoup de promesses et une forte musicalité.
La tournure légèrement plus sombre que prend 'Harbor' sera embrassée par certains, même si c'est une question de goût. Cela donne à l'album une urgence et un intérêt qui manquaient peut-être aux précédents. Bien qu'une grande partie de la musique soit immédiatement accessible,
La pochette contient une réplique de l'affiche originale représentant le groupe jouant dans le stade bondé d'Anaheim en juillet 1976. La couverture originale de l'album évocateur est reproduite, et il y a un insert en couleur avec d'excellentes photographies dont une du groupe en hawaïen. chemises. Quelque chose d'un joyau négligé.

Greg Jamesson

[alcat01]

1970 : Back in the USA
Ok les enfants, c'est l'heure du rock !" Cette simple phrase, prononcée par Rob Tyner dans le premier et unique single de Back In The USA, Tonight, illustre bien l'état d'esprit du MC5 à l'aube de leur deuxième disque.
Après s'être présenté au monde avec l'orgie sonique brute et teintée de révolution qu'était Kick Out The Jams, le groupe s'est retrouvé à gravir les échelons, signant finalement avec Atlantic, après avoir été lâché par Elektra en raison des jurons profonds de leur premier album.
Sous l'aile du producteur débutant Jon Landau, le groupe ne tarde pas à sortir son deuxième album, Back In The USA (1970). Et le moins que l'on puisse dire, c'est qu'il constitue une surprise.
En effet, ce deuxième album est loin de la sauvagerie débridée de Kick Out The Jams, et le groupe s'est contenté d'un format studio plus sobre. Cependant, même dans cet environnement plus stérile, Tyner, Kramer and Co ont veillé à ce que leurs idéaux révolutionnaires et leur style de vie transparaissent, même s'ils ont dû les transmettre par des moyens moins explicites.
La voie choisie est de faire un album sur la jeunesse sauvage, remplaçant les tirades politiques chargées de blasphèmes par des célébrations entraînantes de ce que signifie être jeune. Alors que Kick Out The Jams montrait le MC5 comme une force révolutionnaire libre-pensante, Back In The USA les montre comme de jeunes hommes, faisant ce que tous les jeunes hommes ont l'habitude de faire : s'amuser, faire la fête et célébrer les meilleures années de leur vie. Les paroles de chansons telles que Tonight, High School ou Shakin' Street en témoignent bien, tandis que Teenage Lust décrit parfaitement les problèmes hormonaux d'un adolescent et que Let Me Try est la tentative dégoulinante et peu sincère de courtiser une fille avec des mots de romance stéréotypés.
De même, le style choisi cette fois-ci est sensiblement différent de celui de Kick Out The Jams. Les claquements de guitare abrasifs et les sections de jam trippantes ont disparu, remplacés par une batterie dynamique, des passages au piano et des influences explicites du rock'n'roll des années 50. C'est comme si le MC5 avait décidé de faire un album hommage à ses influences, avec presque toutes les chansons qui doivent plus à Chuck Berry et Little Richard - qui sont tous deux cités dans les reprises - qu'à tout ce qui est proto-hard rock.
D'une certaine manière, cet album rappelle les toutes premières œuvres des contemporains du MC5, les Rolling Stones et les Who, dont les premiers albums présentaient également un rock'n'roll apparemment bien élevé, mais quelque peu subversif. Le résultat final, bien qu'un tout petit cran en dessous de Kick Out The Jams, est sans aucun doute aussi satisfaisant.
Le petit pas qui sépare cet album de son prédécesseur est lié à un seul facteur, très simple : contrairement à l'album phare de 1969, Back In The USA présente quelques titres plus faibles. Malgré son caractère ironique, Let Me Try est horriblement sirupeux et, avec ses quatre minutes et demie, interminable, dans un album où la plupart des chansons atteignent à peine les deux minutes et demie. De même, Human Being Lawnmower, le seul clin d'œil sonore du groupe à son précédent album, est une chanson plutôt quelconque. Des morceaux tels que Call Me Animal, Looking at You et Tonight, par contre, se contentent d'être simplement écoutables, mais parviennent tout de même à se situer au-dessus de la moyenne.
Cependant, toutes ces chansons sont bien pâles en comparaison avec les titres les plus marquants. À son meilleur, cet album grésille autant, sinon plus, que Kick Out The Jams, bien que d'une manière différente. Qu'il s'agisse de la reprise simple et craquante de Tutti Frutti de Little Richard, des paroles rebelles à l'ancienne de The American Ruse, de la simple et entraînante High School ou de la vibrante Shakin' Street, les moments les plus forts de cet album font partie des meilleures chansons pop-rock jamais créées, et constitueront un délice pour quiconque croise leur chemin. Combinés aux chansons décentes susmentionnées, ils contribuent à former un ensemble indéniablement solide, qui compense largement l'occasionnel moment terne.
En fin de compte, Back In The USA n'est peut-être pas aussi marquant que Kick Out The Jams, ni même aussi cohérent, mais c'est tout de même un excellent disque.
Malheureusement, le MC5 n'a pas fait long feu sur la scène musicale, ne sortant qu'un seul autre album avant de se dissoudre. Quiconque écoute leurs deux premiers albums conviendra que c'est une perte majeure - le monde aurait besoin de plus de groupes comme celui-ci.

Pedro B.