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1187

Join Inn (1973)
Bonne nouvelle ! Klaus Schulze après un essai solo en 1972 avec l’énigmatique Irrlicht revient au sein du Ash Ra Tempel rejoignant ainsi le guitariste Manuel Göttsching et le bassiste Hartmut Enke. Après un album éponyme remarquable et incontournable du style krautrock, ces deux derniers avaient poursuivi l’aventure en publiant deux Lp, l’attachant Schwingungen et le raté Seven Up en collaboration avec Timothy Leary, l’apôtre du LSD. Bref, deux galettes d’Ash Ra Tempel qui n’étaient pas à la hauteur du premier disque. De fait, le retour de Klaus Schulze apparait comme une aubaine, où le groupe va pouvoir profiter de l’expérience de Irrlicht. Précisons tout de même que Klaus Schulze reprend la batterie abandonnée dans son album solo. En 1973, Ash Ra Tempel pond son 4ème 33-tours publié sur Ohr et intitulé Join Inn.

L’auberge à joint ! Visiblement ce disque a été réalisé dans un état second sous l’influence de la fumette et autres psychotropes. Ce qui ne sera pas sans conséquence pour la suite. Fait de deux pièces, une par face donc, cette œuvre complétement barrée débute par « Freak’n’roll » habillé par moment de quelques effets sonores. Il s’agit d’un véritable tour de force de free rock, plus de 19 mn d’improvisation hendrixienne souvent répétitive à la sauce krautrock. Manuel Göttsching se montre inspiré avec sa six cordes électrique cosmique, Klaus Schulze se dévoile être un batteur redoutable avec ses roulements interminables et Hartmut Enke est comme possédé avec sa basse gonflée à l’hélium.

La seconde face propose les 24 mn de « Jenseits ». Une piste space rock vaguement inquiétante nous ramenant aux travaux de Irrlicht pour une ambiance planante à nous plonger dans un état comateux. Un fabuleux voyage cérébral parsemé de nappe sonore froides, de vagues de synthé glacées, habillé d’un subtil arpège lymphatique à la guitare élaborant son thème mélodique de manière lente et progressive. Mais à l’écoute, Klaus Schulze n’est pas venu seul. En effet, on entend de discrètes interventions vocales. Elles sont signées de la vocaliste Rosi Müller, dernière recrue.

Bref, Ash Ra Tempel propose un incontournable du genre krautrock. Toutefois, à la vue de la pochette Klaus Schulze semble prendre ses distances avec le groupe où l’on observe les musiciens posant et lui isolé dans un cadre. Immanquablement, Klaus Schulze quitte définitivement Ash Ra Tempel pour sa carrière solo et devenir l’un des maitres de la musique électronique. Il est suivi de près par Hartmut Enke ayant trop abusé du LSD. On n’entendra plus parler de lui. Il décède en décembre 2005.
Restent donc Manuel Göttsching et Rosi Müller qui tenteront un dernier effort la même année.

jeanjacquesperez

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1188

The Impossible Dream (1974)
En 1974, alors que la Grande-Bretagne est en proie à la fièvre du Glam Rock, The Sensational Alex Harvey Band sort son troisième album intitulé "The Impossible Dream". Après le succès relatif de leur album révolutionnaire "Next" en 1973, c'était la suite parfaite et elle représentait un énorme bond en avant musicalement.

Alex Harvey, qui avait commencé sur la voie de la célébrité en remportant un concours "L'Ecosse trouve son propre Tommy Steele", a d'abord passé cinq ans en tant que directeur musical pour l'émission à succès "Hair" du West End. Mais en 1972, ayant déjà eu 37 ans, il entreprit de devenir une rock star à un âge où la plupart de ses pairs avaient déjà atteint et disparu. Il a rencontré le groupe Tear Gas à Glasgow, en Écosse, et les a persuadés de l'embarquer et de changer de direction pour devenir The Sensational Alex Harvey Band. Leur ascension vers la gloire en Grande-Bretagne a été mercurielle, passant de groupe de soutien à têtes d'affiche presque du jour au lendemain.
Harvey a mélangé son rôle de parrain de la mafia pantomime avec les nombreux talents du groupe. Zal Cleminson était un génie incroyablement unique à la guitare solo, avec le maquillage et l'image d'un clown dangereux complétant l'ensemble. À la basse se trouvait Chris Glenn, une présence scénique intimidante pour aller avec sa capacité de jeu, et le groupe était complété par les cousins ​​Hugh et Ted McKenna aux claviers et à la batterie respectivement.

Cet album comprend neuf chansons surmontées de morceaux épiques, mais les sept du milieu ont donné au groupe beaucoup de matériel à étoffer sur scène, en particulier dans le cas de Zal Cleminson qui pourrait vraiment flipper sur "Weights Made Of Lead". Ailleurs, les chansons nous ont donné de nouveaux personnages pour Alex Harvey à représenter dans l'arène en direct, y compris le sergent Fury et le Tomahawk Kid, qui ont donné vie à tout le truc de Treasure Island. Les membres du public ont également eu la chance de se défouler sur la fanfaronnade «Long Hair Music».

Mais ce sont les deux épopées qui volent la vedette. L'album s'ouvre sur les treize minutes de "Hot Street Symphony", qui nous réintroduit dans le super-héros Vambo et montre les penchants du groupe pour le rock progressif tout en revenant aux riffs de Frame et Vambo des sorties précédentes. Alex Harvey lui-même passe un merveilleux moment devant, jouant son rôle de prince clown des gangsters.

L'épopée de clôture "Anthem" est un morceau de musique magnifiquement écrit qui clôturait les concerts du groupe. Construit sur un rythme de batterie hypnotique, le chœur féminin vous entraîne dans la chanson avant qu'Harvey ne plaide sa cause depuis le quai alors que le groupe fait irruption, appliquant la pression lentement mais fermement. À l'approche de la finale, Cleminson joue encore une fois de la guitare merveilleusement de bon goût avant l'arrivée d'une chorale complète, avec le groupe London Scottish TA Regiment Pipe and Drums ajoutant leur touche pour amener l'album à un point culminant tonitruant.

Malheureusement, The Sensational Alex Harvey Band, tout en étant une grande histoire en Grande-Bretagne pendant un an, n'a jamais vraiment percé nulle part ailleurs. Aussi brillants qu'ils soient arrivés, ils se sont vite estompés et ne nous ont laissé que des souvenirs. Alex Harvey lui-même est décédé en 1982 d'une insuffisance cardiaque à l'âge de 46 ans seulement.

Pattaya

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1189

1979 Slipstreaming
Nick Simper's Fandango fut l'un des nombreux groupes avec lesquels Nick Simper a été impliqué après ses mandats dans les légendaires premières légendes du Proto-Heavy Metal Deep Purple et Warhorse.
Fandango est plus une formation plus rock / hard rock que Warhorse ou Purple, il n'y a pas de véritable présence majeure du clavier ici comme il y en avait dans les groupes précédents de Simper (Rick Wakeman était dans Warhorse, Jon Lord dans Purple) et donc Fandango est plus orienté guitare.
Il y a plusieurs morceaux de rock solides ici, mais seulement quelques-uns des plus hard (Slipstreaming et Rocky Road Blues). Mais la pièce maîtresse absolue de l'album est la ballade élégiaque d'une beauté douloureuse et sinueuse Time Will Tell, qui n'est rien de moins qu'un voyage autobiographique à travers le temps de Simper dans Deep Purple. Et, en même temps, la chanson est aussi une attaque cinglante contre certains des membres du groupe Purple, une mise en accusation de la dureté de l'industrie de la musique et l'une des meilleures chansons "Cautionary life of a Rock Star tale" jamais écrites, juste là-haut avec Shooting Star de BadCo et Jukebox Hero de Foreigner, juste plus amèrement triste. C'est l'une des meilleures chansons que j'ai jamais entendues facilement.

Cet album vaut certainement la peine de l'avoir rien que pour ça.

DarthKarl

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1190

Backlash
En regardant les crédits des compositions du premier album, on pouvait déjà deviner les faiblesses qui auraient raison deux ans plus tard de ce beau projet que fut BAD ENGLISH. L’union de ces fortes individualités n’était pas tant fragilisé par les ego qui la composaient que par les aspirations divergentes de chacun de ses membres. D’un côté, John Waite — et probablement Jonathan Cain — souhaitait plutôt ancrer la musique du groupe dans l’AOR ; de l’autre : Neal Schon et Ricky Phillips, de leur propre aveu, auraient aimé durcir le ton. Waite, qui plus est, devait avouer plus tard qu’il n’était guère à l’aise avec l’image du groupe qui, à en croire la photo illustrant la pochette du premier disque, cherchait à s’aligner sur les modes capillaires du moment (de manière peu avantageuse pour le chanteur qui avait manifestement été victime d’un brushing assassin juste avant la séance photo).

Toujours est-il que sur le premier album, on sentait Schon assez peu investi dans l’écriture, si ce n’est sur les quelques titres un peu hard en fin d’album. On peut imaginer que l’orientation de « Backlash », plus recentré sur l’AOR, et encore une fois pas avare en ballades (les jolies « Savage Blue » et « Time Stood Still » — et ses parties de guitare acoustique aux accents hispaniques —, et les plus classiques « The Time Alone With You » et « Make Love Last »), ne lui donna guère envie d’autre chose que d’aller fonder HARDLINE avec le batteur Deen Castronovo, aux côtés des frères Gioeli qui, eux, ne regardaient pas à la dépense d’énergie.

On peut regretter la fin en eau de boudin de Bad English en écoutant « Backlash », car à l’image du premier, l’AOR y était remarquablement servi, et particulièrement sur des titres comme « Pray For Rain », « Straight For The Heart » ou même « So This Is Eden » et « Rebel Say A Prayer ». Des titres dans l’ensemble peut-être un peu moins intenses que ceux figurant sur le précédent disque, mais des titres forts qui, hélas, n’auront pas eu la moindre chance de briller, le groupe étant déjà aux abonnés absents alors que l’album n’était pas encore sorti du mixage.

Pichon

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1191

1969 Terry Reid
Terry Reid sur ses premiers disques a montré beaucoup de talent, mais il a eu plus de succès aux États-Unis que dans son Royaume-Uni natal. "Terry Reid" (intitulé "Move Over for Terry Reid" aux USA) est son deuxième album, reprenant Keith Webb à la batterie mais remplaçant Pete Solley au clavier, plus bien sûr la production de Mickey Most.
Le style et la qualité sont similaires à l'album précédent, pop-folk-rock assaisonné de la belle voix de Terry et de sa touche soul, ce n'est pas un hasard s'il reprend Donovan avec Superlungs (Supergirl) puisque son influence est perceptible. D'autres bonnes chansons sont Silver White Light, July and Speak Now ou Forever Hold Your Peace (reprises dans les années 70 par Cheat Trick).

Le fait que ses chansons soient reprises n'est pas rare et la dernière chanson de l'album a été revisitée en 2008 par The Raconteurs.

Lucasstevens

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1192

Heads, Hands And Feet a enregistré un double album qui a beaucoup en commun avec le travail de the Nitty Gritty Dirt Band et the Grateful Dead de la même poque.
Ce véritable premier opus intitulé "Heads Hands & Feet", enregistré avec l'aide d'invités des scènes folk et de chanteurs-compositeurs-interprètes, a été publié en 1971 comme un double album sur Capitol Records aux États-Unis, mais seulement comme un LP simple sur Island Records en Grande-Bretagne et en Europe.
Cet album propose une facette du talent et de la guitare toute scintillante de Albert Lee, qui est un musicien très recherché; il a joué avec presque tous les grands groupes de Rock et les groupes de studio. C'est un maître reconnu et incontesté de la six cordes électrique qui a su se forger une nouvelle façon de jouer et de placer la guitare comme instrument lead mélodique dans les groupes de Rock.
Très innovant et techniquement incroyable, c'est un ajout précieux à tout collectionneur qui veut écouter la progression de la guitare, particulièrement les riffs interminables de "I'm Just a Country Boy".
Albert Lee est l'un des plus grands, et son jeu de guitare brille vraiment incroyablement. Écoutez le solo lent et évocateur dans "Devil's Elbow". Et bien sûr, le jeu en picking maniaque de Lee sur "Country Boy" est étonnant.

Grandes chansons, les vocaux de Tony Colton et d'Albert Lee sont très bons et Lee et Colton sont absolument impressionnants...
Ce double album est bourré de bonnes choses et c'est l'une des meilleurs mutations Rock et Country jamais enregistrées.
Le song-writing et le jeu de tous les membres sont uniformément excellents, ce qui en fait incontestablement un must. La qualité sonore est très bonne.
"Heads Hands & Feet" est une sorte de collage, une composition complète, une collection homogène d'odes à l'amour non partagé, à boire, à arrêter de boire, à la décadence et à l'auto effacement.

Travaillant dans la même veine créative que certains des travaux champêtres du Grateful Dead, leur musique s'ingurgite comme une bonne gorgée de whisky.
Magnifié par l'excellent travail d'un invité légendaire au sax, Elton Dean et poli par la production de l'omniprésent Eddie Offord, et joué à merveille par Albert Lee, Pete Gavin, Tony Colton, Chas Hodges, Ray Smith et Mike O'Neil sur des airs tels que "Green Liquor", "Devil's Elbow", 'Country Boy", et "The More You Get, The More You Want" (avec le sax de Dean flamboyant sur ​​ce morceau).
Ne pas oublier de mentionner que "Country Boy" de Lee est un véritable classique.
"Everybody's Hustlin" pourrait être un hymne: elle ironise cyniquement, "seuls les bibliothécaires pieds nus deviennent végétariens" suivi de "et tout le monde lit et j'avais pas de chaussures aux pieds, et c'est un peu de lignes à répéter"'.
"Hang Me Dang Me" est un classique...
L'album vaut aussi pour le duo mandoline électrique / sax dans "The More You Get, the More You Want".
Des douces ballades telles que "A Song For Suzie" se positionnent presque dans la musique de salon, mais elles gardent le thème général bien présent garantissant l'ensemble des réglages...Les paroles sont sophistiquées et la musicalité est excellente.
L'excellent travail à la batterie de Pete Gavin ne fait qu'ajouter à l'ensemble.

Bien que ce chef-d'œuvre préfigure le mouvement Americana près de 25 ans avant, que ces gars sont tous Anglais est encore plus étonnant.
L'enregistrement a été très bien considéré, avec le travail de guitare de Albert Lee recueillant toute l'attention.

Tout amateur de Country Rock ne peut qu'adorer ce disque...

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1193

Starring Rosi (1973)
Fin 1973, plus rien ne va pour Ash Ra Tempel. En effet, après l’excellent Join Inn Klaus Schulze a repris sa carrière solo et Hartmut Enke, le cerveau trop cramé par les acides, se fait oublier. Reste donc la vocaliste Rosi Müller et le guitariste leader Manuel Göttsching. Ce dernier sent bien que la fin est proche. Qu’importe il tente le tout pour le tout en recrutant le batteur de Wallenstein, Harald Großkopf, afin de publier la même année Starring Rosi. Ce 5ème opus du temple du dieu Ash Ra toujours sous le label Ohr, est un disque dédié à sa muse avec qui il vit un grand amour, Rosi Muller qui en plus de prêter sa voix joue de la pedal harp et du vibraphone.

Un Lp qui change de ce qui a été fait précédemment. Nous sommes loin des pistes élastiques qui occupait toute une face. Ce 33-tours est constitué de 7 morceaux pour un total dépassant à peine les 35 mn. Et musicalement, si le genre est au space rock psyché toujours à la sauce krautrock, Manuel Göttsching s’émancipe de la cosmic music sous acide. Il n’empêche que le trio va nous pondre de magnifiques pièces même si l’on regrettera les expériences aventureuses du disque éponyme et de Join Inn.

Cela débute avec les 8 mn de « Laughter Loving ». Introduit par des rires d’un autre monde de Rosi Müller, Ash Ra Tempel nous embarque dans un joyeuse country intergalactique nappée par endroit de claviers futuristes. « Day-Dream » qui suit est un folk rêveur et planant où Rosi Füller palabre en écho avec Manuel Göttsching chantonnant au loin pendant qu’il cisèle de subtils soli acid rock. L’hendrixien et floydien « Schizo » est plus vaporeux misant pourtant sur les émotions et la mélodie. De belles mélodies que l’on retrouve dans le paisible « The Fairy Dance ». Toujours ailleurs concernant la vocaliste, le bref « Cosmic Tango » se rapproche du genre Can. Menées par un xylophone kaléidoscopique, les 9 mn de « Interplay of Forces » nous baladent en eau trouble, à nous plonger dans un état comateux. Jusqu’à la venue d’une guitare folk qui accompagne une six cordes électrique là aussi aux propos acid rock et des percus tribales. L’affaire se conclut par « Bring Me Up » au registre exotique et funky.

Bref, un disque qui déroute mais d’une grande qualité. Si cela sent la fin, Ash Ra Tempel fait encore parler de lui en composant en 1975 la BO du film Le Berceau De Cristal de Philippe Garrel où Manuel Göttsching est épaulé par le guitariste Lutz Ulbrich. Bande son qui ne surgira qu’en CD en 1993.
Mais pour l’heure Il est peut-être temps pour Manuel Göttsching de réfléchir sérieusement à une carrière solo.

jeanjacquesperez

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1194

Live (1975)
Un excellent concert du Sensational Alex Harvey Band, l'un des groupes les plus sous-estimés et ignorés des années 70.

Les musiciens sont à leur apogée mais nous émerveillent toujours : les puissants roulements de batterie de Ted McKenna propulsent avec force le groupe sensationnel, il suffit d'écouter "Give My Compliments To The Chef".
Le délicat et subtil claviériste et co-compositeur de Hugh McKenna apporte un souffle stimulant et euphorisant de la vie, notamment sur le virevoltant "Delilah", les riffs de basse de Chris Glen sur les contretemps donnent l'impression d'une fondation instable, comme si tout pouvait arriver n'importe quand... il est génial sur "Compliments" et "Tomahawk Kid".
Le jeu de guitare de Zal Cleminson est merveilleux. Ses solos sont souvent courts, mais prennent de plus en plus d'ampleur jusqu'au moment explosif où des musiciens se joignent à lui. Il brille sur "Vambo", ses petites détonations musicales occupent de plus en plus de place pendant la pause solo comme un puzzle à reconstituer mais le frisson est là, le chat tombe sur ses pattes. Cela apporte la sensation que la musique peut basculer et c'est excitant. Zal est totalement et injustement oublié, c'est un musicien brillant, original et talentueux, très friand de tous les styles musicaux.
La version sensationnelle "Framed" met en avant sa capacité à jouer de la musique blues-rock, mais toujours avec cette composante palpitante, sa façon de jouer comme s'il volait bas, comme s'il était aussi la voix d'Alex, je veux dire comme s'il ne voulait plus être encadré et prenait le risque de sortir de la piste de course.
Et Alex Harvey. Son bagage musical, son talent et son charisme naturel suffisent pour faire un super concert. Mais entouré de ces lieutenants musicaux efficaces, le concert se transforme en un moment galvanisant, un cirque rock and roll inoubliable. Alex a le public dans sa poche, depuis le début avec son fameux : "Bonsoir mesdames et messieurs, j'en profite pour vous présenter mon groupe, le Sensational Alex Harvey Band" ("The Faith Healer" commence ...). Un petit personnage effrayant et fascinant, aux comportements étranges et inattendus, mais en même temps très sympathique avec son sourire mémorable et son accent écossais si particulier, surtout sur "Framed", qui devient ici "FRRRRRRRRRRamed".
La foule et Alex sont en totale interaction. Alex lui parle généreusement, s'amuse à jouer au forçat avec ses vêtements rayés gris et jaunes attendant que le public réagisse et réponde à ses questions : "Est-ce que tu me crois ? OUI OU NON ?" Il joue avec et le public semble s'amuser aussi, mais il réussit aussi à retranscrire une palette d'émotions, de la terreur dans "Faith Healer" à un bagnard traqué et apeuré dans "Framed". La voix rauque et le chant d'Alex touchent directement le cœur.

SAHB était vraiment sensationnel. Cet album est représentatif de leur travail, de leur talent et de leur touche de douce fantaisie. Dommage que cet album ne soit pas plus long (seulement 6 chansons si on enlève l'intro instrumental "Fanfare") et il me manque les images pour être pleinement transporté en Vibrania.

sanglochon

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1195

1970 C.C.S.
Quiconque se souvient de l'âge d'or de Top Of The Pops a entendu la Collective Consciousness Society, car ce "supergroupe" des années 70 le plus improbable était responsable de la version big band de Whole Lotta Love, qui a ouvert le spectacle pendant la majeure partie de cette décennie.
Formé en 1970 par le vétéran du blues britannique Alexis Korner, l'arrangeur John Cameron et le géant de la pop Mickie Most, CCS a réuni la crème des musiciens de session londoniens
dans un big band alimenté par le blues, sa composition en constante évolution comprenant le chanteur Peter Thorup, le guitariste Alan Parker, le bassiste Herbie Flowers, le batteur Barry Morgan et une armée de titans de cuivres, dont Kenny Wheeler, Henry Lowther et Harry Beckett. Leur MO était de s'attaquer à un riche mélange de standards (Boom, Boom, Wade In The Water), oldies (Satisfaction des Stones), succès récents (Living In The Past de Tull, Lola des Kinks) et compositions originales (Sunrise atmosphérique de Korner) sur trois albums.
CCS a également apprécié les singles à succès lorsque Whole Lotta Love a atteint le n ° 13 en 1970, leur promenade contagieuse à travers Donovan's Walkin 'strode au n ° 7 en 1971, et l'effronté Tap Turns On The Water est entré dans le Top 5 peu de temps après, aidé par la voix graveleuse de Korner. Cette sélection amusante de faits saillants offre un aperçu fascinant, bien que parfois daté, d'un chapitre souvent négligé de la carrière stellaire du grand homme.

Kris Needs

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En hommage à Tom Verlaine...



1196

Marquee Moon est un album révolutionnaire, mais c'est une révolution subtile et discrète.
Il s'agit sans aucun doute d'un album de rock à guitare - il est étonnant d'entendre l'interaction entre Tom Verlaine et Richard Lloyd - mais c'est un album de rock à guitare qui ne ressemble à aucun autre.
Alors que leurs prédécesseurs de la scène punk new-yorkaise, notamment le Velvet Underground, avaient fusionné des structures blues avec des fioritures avant-gardistes, Television se débarrasse complètement de tout sens du swing ou du groove, même lorsqu'ils jouent des changements standard de trois accords.
Marquee Moon est entièrement composé de rocks garage tendus qui s'enfoncent dans un territoire intellectuel entêtant, ce qui est obtenu grâce aux longues sections instrumentales entrelacées du groupe, et non grâce aux paroles de Verlaine. Ce seul élément a fait de Marquee Moon un album pionnier - il est impossible d'imaginer des paysages sonores post-punk sans lui.
Bien sûr, il n'aurait pas eu un tel impact si Verlaine n'avait pas écrit un excellent ensemble de chansons qui véhiculent une mythologie urbaine fracturée différente de celle de ses contemporains.
De l'ouverture nerveuse, "See No Evil", à la majestueuse chanson titre, il n'y a tout simplement pas une seule mauvaise chanson sur l'ensemble du disque.
Et ce qui a permis à Marquee Moon de conserver sa fraîcheur au fil des ans, c'est la façon dont Television a su transformer la poésie de Verlaine en épopées sonores.

Thomas Erlewine

[alcat01]

Suivi de ...



1197

Adventure 1978
Le premier album révolutionnaire de Television, Marquee Moon, était aussi proche de la perfection que n'importe quel groupe des années 1970, et à bien des égards, il aurait été impossible pour le groupe de faire mieux.

On sent que Television le savait, car Adventure semble conçu pour éviter les comparaisons en se concentrant sur un aspect différent de la personnalité du groupe.
Alors que Marquee Moon était direct et direct dans son approche, les subtilités étant clairement dans la performance et non dans la production, Adventure est un disque résolument plus doux et moins agressif, et si la production de John Jansen n'est pas intrusive, elle arrondit les angles du son du groupe d'une manière que le travail d'Andy Johns sur le premier album n'avait pas.
Mais les deux qualités qui ont vraiment rendu Marquee Moon si spécial sont les chansons de Tom Verlaine et la façon dont son travail à la guitare se mêle à celui de Richard Lloyd, dont le style est moins voyant mais dont les dons sont tout aussi impressionnants, et s'il faut tendre l'oreille pour découvrir Adventure, Si l'on doit écouter un peu plus attentivement Adventure, il ne faut pas longtemps pour se rendre compte que ces deux vertus sont plus qu'apparentes ici, et si l'on peut souhaiter que le son ait un peu plus de mordant sur "Foxhole" ou "Ain't That Nothin'", le son plus calme et plus stratifié est exactement ce que le docteur a ordonné pour "Glory" et "The Dream's Dream". "
Bien sûr, Marquee Moon est un meilleur album, mais Adventure présente l'un des plus grands groupes de guitares de tous les temps jouant superbement sur un ensemble de chansons vraiment excellentes, et des albums comme celui-ci se présentent beaucoup trop rarement pour que l'on puisse ignorer une musique aussi agréable simplement sur la base d'une évaluation relative; ce n'est pas tout à fait un chef-d'œuvre, mais c'est un disque brillant à tout point de vue.

Mark Deming

[Slade]

1970 C.C.S.
Quiconque se souvient de l'âge d'or de Top Of The Pops a entendu la Collective Consciousness Society, car ce "supergroupe" des années 70 le plus improbable était responsable de la version big band de Whole Lotta Love, qui a ouvert le spectacle pendant la majeure partie de cette décennie.
Formé en 1970 par le vétéran du blues britannique Alexis Korner, l'arrangeur John Cameron et le géant de la pop Mickie Most, CCS a réuni la crème des musiciens de session londoniens
dans un big band alimenté par le blues, sa composition en constante évolution comprenant le chanteur Peter Thorup, le guitariste Alan Parker, le bassiste Herbie Flowers, le batteur Barry Morgan et une armée de titans de cuivres, dont Kenny Wheeler, Henry Lowther et Harry Beckett. Leur MO était de s'attaquer à un riche mélange de standards (Boom, Boom, Wade In The Water), oldies (Satisfaction des Stones), succès récents (Living In The Past de Tull, Lola des Kinks) et compositions originales (Sunrise atmosphérique de Korner) sur trois albums.
CCS a également apprécié les singles à succès lorsque Whole Lotta Love a atteint le n ° 13 en 1970, leur promenade contagieuse à travers Donovan's Walkin 'strode au n ° 7 en 1971, et l'effronté Tap Turns On The Water est entré dans le Top 5 peu de temps après, aidé par la voix graveleuse de Korner. Cette sélection amusante de faits saillants offre un aperçu fascinant, bien que parfois daté, d'un chapitre souvent négligé de la carrière stellaire du grand homme.

Kris Needs

Du tout bon ! J'ai eu la chance de trouver les 3 lp's au début des années 80 quand tous le monde remplacait le vinyle par le cd . J'aurais bien aimé les voir en Live ..

[alcat01]

1970 C.C.S.
Quiconque se souvient de l'âge d'or de Top Of The Pops a entendu la Collective Consciousness Society, car ce "supergroupe" des années 70 le plus improbable était responsable de la version big band de Whole Lotta Love, qui a ouvert le spectacle pendant la majeure partie de cette décennie.
Formé en 1970 par le vétéran du blues britannique Alexis Korner, l'arrangeur John Cameron et le géant de la pop Mickie Most, CCS a réuni la crème des musiciens de session londoniens
dans un big band alimenté par le blues, sa composition en constante évolution comprenant le chanteur Peter Thorup, le guitariste Alan Parker, le bassiste Herbie Flowers, le batteur Barry Morgan et une armée de titans de cuivres, dont Kenny Wheeler, Henry Lowther et Harry Beckett. Leur MO était de s'attaquer à un riche mélange de standards (Boom, Boom, Wade In The Water), oldies (Satisfaction des Stones), succès récents (Living In The Past de Tull, Lola des Kinks) et compositions originales (Sunrise atmosphérique de Korner) sur trois albums.
CCS a également apprécié les singles à succès lorsque Whole Lotta Love a atteint le n ° 13 en 1970, leur promenade contagieuse à travers Donovan's Walkin 'strode au n ° 7 en 1971, et l'effronté Tap Turns On The Water est entré dans le Top 5 peu de temps après, aidé par la voix graveleuse de Korner. Cette sélection amusante de faits saillants offre un aperçu fascinant, bien que parfois daté, d'un chapitre souvent négligé de la carrière stellaire du grand homme.

Kris Needs

Du tout bon ! J'ai eu la chance de trouver les 3 lp's au début des années 80 quand tous le monde remplacait le vinyle par le cd . J'aurais bien aimé les voir en Live ..

J'avais acheté les trois à leur sortie à la FNAC Lyon!

[alcat01]

1198

1980 Future Times
Au fil du temps, Ron Penney a quitté Nick Simper's Fandango et été remplacé par l'ancien batteur de Warhorse Mac Poole, ce qui a donné trois anciens membres de Warhorse maintenant dans Fandango.

Le morceau d'ouverture "Pull Out & Start Again" est un gros rock, essayant peut-être de faire savoir aux fans que ce groupe peut certainement rocker comme les deux anciens groupes de Simper. Après la ballade puissante "I'll Never Get Over You", le groupe se lance dans le bluesy, presque rock sudiste "Get Down, Lay Down", qui présente des solos de guitare grésillants de Parks, "She Was My Friend" a beaucoup en commun avec certains des morceaux plus basés sur des ballades de Nazareth (avec une excellente voix de Proops), tandis que "Future TImes" est un morceau de blues rock de mauvaise humeur avec des pistes de guitare mélodiques audacieuses de Parks. Le heavy rock revient sur "Undercover Man", un blues rock torride de style ZZ Top / Nazareth, suivi de la ballade fade "Somethings Burning". L'album se termine avec le rock torride "Hard Drinks & Easy Women", avec des grooves profonds de Simper & Poole ainsi que des riffs brûlants de Parks. C'est facilement l'un des meilleurs morceaux de l'album.

Après cet album, le groupe fut presque oublié par la plupart de la communauté rock.
Nick Simper n'a peut-être pas atteint le facteur «wow» avec Fandango comme il l'a fait avec Warhorse, mais c'est toujours un truc très agréable.
Pete Pardo

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1199

Heads Hands & Feet a pu enregistrer et sortir son deuxième album, "Tracks" en 1972 avec un certain succès critique...
Pour sa deuxième sortie, "Tracks", il continue sa quête de matériel à saveur particulièrement Country et Heads, Hands & Feet représente l'un des plus beaux fleurons du Rock Britannique du milieu des années 70'. Dommage que ce groupe n'en ai pas fait plus!
Le Country Rock 'made in England', qui l'eût cru?
Imaginez un Steely Dan plus Country ou encore The Doobie Brothers Britanniques.
Ce groupe aurait certainement pu tenir dans le créneau savoureux rempli plus tard par the Eagles. Malheureusement, au moment de la sortie de leur prochain album moins cohérent, ils étaient déjà condamnés, victimes d'une mauvaise commercialisation et de querelles internes bousculant les objectifs de carrière et ces malheurs ont tué ce si beau groupe.
Le groupe est pourtant bien huilé, après avoir eu le temps de se roder en tournant ensemble avec un excellent catalogue de chansons de Albert Lee, de Chas Hodges et de Tony Colton.
Cet album est très poli et chaque musicien joue parfaitement. Et, toujours en particulier, le jeu en pickin' de la guitare d'Albert Lee est incroyable. La section rythmique assure au maximum. En outre, le groupe bénéficie des talents multi-instrumentaux de certains de ses membres.
Les musiciens traversent une large gamme de styles, y compris le Blues, le Jazz, la Country, le Rockabilly et le bon vieux R & R. et tout cela fonctionne.

Ils perdent très peu de temps, car le morceau d'ouverture, le fougueux "Let's Get This Show on the Road" est une ode de haute énergie, de bon temps contre les rigueurs et les faiblesses de la scène et des tournées. Lee, multi instrumentiste, est particulièrement remarquable sur son travail au piano acoustique et à l'orgue Hammond, couplé avec les lignes accrocheuses de sa Telecaster aussi bien dans ses riffs rythmiques que dans ses solos. Excellent travail de l'orgue Hammond dans la conclusion.
"Safety in Numbers" est un Country Rock mid tempo avec quelques parties en pickin' d'Albert Lee.
"Roadshow" montre un côté très différent du groupe, démontrant la capacité de Lee à être un chanteur sensible et un excellent compositeur de ballades. Sa voix tempérée et les passages de piano mélodique pourraient rappeller Jackson Browne, Elton John.période 70' ou même un Tom Waits folklorique.
Sur "Harlequin", avec de jolis vocaux de Tony Colton, une belle mélodie et une production sophistiquée, on trouve une pedal steel bien posée et un contraste saisissant guitare acoustique /conga.
"Dancer", qui clôt la première face du vinyle, possède des harmonies qui trouvent leur groove quelque part entre l'alum blanc des Beatles et Neil Young.
"Hot Property" démontre une nouvelle fois la grande musicalité du groupe. C'est certainement la chanson la plus Hard Rock sur l'album. Remarquablement, le combo allie une énergique introduction Bluegrass instrumentale à une mélodie assez funky que n'aurait pas renié Lynyrd Skynyrd. De grands vocaux, un duo de lead guitares et une super rythmique...
L'organique "Jack Daniels (Old No. 7)" est un thème champêtre, situé à Lynchburg, au Tennessee, qui rappelle le son du Band sur "Up on Cripple Creek" ou "Life Is a Carnival" avec un joli travail de violon, de piano électrique et de bonnes harmonies. .
"Rhyme and TIme" est une autre ballade magnifique d'Albert Lee. Une douce saveur de folk Anglais assaisonné de Country Américaine avec un côté Gordon Lightfoot.
"Paper Chase" est un refrain dramatique écrit par Tony Colton.
Le mid tempo "Song and Dance" termine l'album avec un travail magistral de lead guitare de la part d'Albert Lee. En comparaison, Eric Clapton peut aller se rhabiller!...
On comprend mieux pourquoi Clapton a tenu absolument à l'embaucher un peu plus tard dans dans groupe...

Probablement le meilleur album du groupe: Peut-être plus poli que leur premier album, peut-être un peu moins inspiré, mais toujours de premier ordre.

[alcat01]

1200

1976 Seed Of Memory
Terry Reid a déménagé en Californie au milieu des années 70, se liant d'amitié avec un certain nombre de musiciens de cette région et élargissant son son dans le processus.
Le résultat est cet album, produit par Graham Nash et avec David Lindley aux guitares acoustiques et slide. Seed of Memory n'est pas aussi heavy que ses travaux antérieurs, et n'a rien à voir avec la production rock virtuose, audacieuse et stridente de son premier LP - la plupart des morceaux, à l'exception de "The Way You Walk", qui ressemble vaguement à du Led Zeppelin, sont plutôt décontractés selon les normes de Reid. "Ooh Baby" tente une sorte de fusion entre le funk et le blues britannique. Mais plusieurs morceaux, comme "Brave Awakening", avec son rythme détendu, ses harmonies élevées et son orchestration discrète, ou le sinistre "To Be Treated Rite" à la texture acoustique, ressemblent plus à des extraits de Songs for Beginners de Nash ou de ses albums suivants, ou encore à l'un des albums de Neil Young du milieu des années 70, qu'à l'œuvre de l'un des bluesmen anglais les plus prometteurs des années 60. L'album se termine sur une note décousue, avec l'ambitieux mais pas totalement réussi "Fooling You", qui fait un usage intensif du saxophone.
Tout cela n'est peut-être pas ce que les fans recherchent dans le travail de Reid, et manque un peu de l'excitation de ses autres albums.

Bruce Eder

[alcat01]

1201

Inventions For Electric Guitar (1975)
Si Ash Ra Tempel a toujours connu un line-up fluctuant autour du maître des lieux Manuel Göttsching, véritable plate-forme artistique pour nombre de musiciens gravitant au sein de la scène berlinoise, c’est surtout à partir de son sixième opus, Inventions For Electric Guitar, que le groupe se confond alors totalement avec son guitariste. Tout seul dans son studio, il enfante donc cet album qui reste aujourd’hui encore une des pierres angulaires de son œuvre car il a fixé durablement le style de son géniteur, ce jeu aérien léger comme une brise, caresse musicale pleine de finesse comme touchée par la Grâce.

Arc-bouté uniquement sur des lignes de guitare et des nappes de synthétiseur, ce disque est parfaitement résumé par son titre : les trois plages qui le composent sont des inventions, une exploration d’un instrument que l’Allemand propulse vers des sphères inédites, plus encore que David Gilmour, artiste dont il se rapproche par moment. La filiation est des plus évidentes sur le gigantesque "Echo Waves", long voyage de près de 18 minutes à travers le spectre infini d’une six-cordes stratosphérique qui libère des ondulations magnétiques envoûtantes, lesquelles, finissent par tracer une sorte de transe hypnotique.

Tandis que le cosmique "Quasarsphere" déambule dans un espace cotonneux, guidé par une guitare pointilliste, l’énorme "Pluralis" braconne sur les terres de Mike Oldfield dont les travaux contemporains (Hergest Ridge, Ommadawn), bien que plus accessibles, ne semblent parfois pas si loin que cela. Cette longue (plus de 20 minutes au compteur) piste atmosphérique déroule tout d’abord un accord répété à l’infini sur un tapi de sons électroniques qui prolifèrent, se répandent en un maillage évanescent. Puis, Göttsching commence à tricoter avec sa Gibson des boucles qui progressent crescendo pour s’élever très haut, avant que sa guitare n’ouvre les vannes d’une cascade d’effluves électriques qui parachèvent l’album.

Touche à tout de génie (comme on dit), Manuel Göttsching a réussit, avec Inventions For Electric Guitar, à conférer une nouvelle dimension à cet instrument, une dimension à la fois hypnotique, contemplative et planante qui confine à une forme de pureté, de beauté divine et absolue. Loin du rock cosmique expérimental en vigueur sur Ash Ra Tempel ou Join Inn, loin également du psychédélisme qui colorait Seven Up et Starring Rosi, ce millésime 1975 pose les jalons du superbe New Age Of Earth et annonce déjà les créations plus récentes d’un musicien hors du commun bien qu’en définitive (malheureusement) assez peu connu du grand public.

CHILDERIC THOR

[alcat01]

1202

Tomorrow Belongs To Me (1975)
Absolument inclassable tout au long de sa carrière, en 1975, le Sensational Alex Harvey Band était toujours à la recherche d'un hit insaisissable, mais l'album Tomorrow Belongs to Me suivait de près le brillant The Impossible Dream, et prouvait sans aucun doute que son prédécesseur n'était en aucun cas un coup de chance.

Le rock "Action Strasse" donne le coup d'envoi de l'album avec beaucoup de style, et il est rapidement suivi par le ondoyant "Snake Bite", déclarant que Harvey et ses camarades de groupe étaient au sommet de leur art, mais qu'ils avaient encore faim. Étant donné l'ascension incessante de Harvey vers le succès commercial, il n'allait jamais se contenter de ce goût singulier du succès. Ses coéquipiers n'étaient évidemment pas moins déterminés, en particulier ses collaborateurs musicaux Zal Cleminson et Hugh McKenna, et à eux deux, ils ont assemblé un album qui est indubitablement SAHB.

SAHB s'est distingué tout au long de sa carrière, mais à aucun moment autant que pendant cette période étrange entre le déclin des géants du rock du début des années 70 et les premiers soubresauts du punk en 75 et 76. En jetant un pont entre les deux styles par le biais d'un rock théâtral, mais tout à fait réaliste, qui leur permettait de ne ressembler à personne d'autre, SAHB s'est taillé une place unique dans le paysage du rock and roll.

Tout n'est pas rose pour autant, car Tomorrow Belongs to Me comporte quelques moments qui ne fonctionnent pas vraiment. Bien que "The Tale of the Giant Stone Eater" ait ses fans, il peut diviser l'opinion, et pour ma part, je n'ai jamais trouvé grand-chose à admirer dans cette œuvre théâtrale prolongée, en dehors du travail de guitare de Cleminson qui n'est pas glorieux. Pour moi, "Ribs and Balls" aurait dû faire l'objet d'un contrôle de qualité plus rigoureux, mais au moins, elle offre au bassiste Chris Glenn son seul crédit de coécriture sur l'album et elle abrite un travail de clavier funky de McKenna et un riff sale de Cleminson. Quelque part, Bon Scott et le reste d'AC/DC écoutent.

Mais là où ça marche, c'est sans pareil. "Give My Compliments to the Chef" fait mouche d'une manière que "The Tale of the Giant Stone Eater" ne parvient pas à faire. Mais le meilleur de tous est la chanson titre, un morceau de la comédie musicale Cabaret, auquel SAHB a donné une toute nouvelle tournure sinistre et puissante et qui est devenu un spectacle d'un tout autre genre que celui que Fred Ebb et John Kander avaient probablement prévu.

Tomorrow Belongs to Me est l'un de ces albums où il faut prendre les choses à la légère, et il faut se rappeler qu'il s'agit du quatrième album studio de SAHB en trois ans, à une époque où, à moins d'être l'un des méga-groupes de l'époque, il s'agissait de mettre de nouveaux produits sur les étagères aussi rapidement que possible.
C'est un album de chansons, plutôt qu'une écoute entièrement cohérente, mais d'une certaine manière, c'est ce qui en fait le charme.
C'est du SAHB pur jus. Le bon, le mauvais, et les morceaux qui vous font vous gratter la tête.

p_q

[alcat01]

1203

1969 : Ahead Rings Out
Aucune des tendances rock progressives ou des influences classiques de Jethro Tull n'ont suivi Mick Abrahams dans sa création de Blodwyn Pig, même avec l'inclusion des prouesses de Jack Lancaster au saxophone et à la flûte.
Au lieu de cela, Abrahams a construit un solide son blues-rock britannique et a utilisé les cuivres de Lancaster pour ajouter du feu au répertoire jazzy du groupe.
Ahead Rings Out est une excellente concoction de morceaux de blues-rock à la fois grinçants et flamboyants et de jazz ouvert centré sur le jeu de guitare froid de Mick Abrahams, mais c'est l'infusion continuelle d'autres styles qui fait de cet album une écoute si solide.
Après un seul album avec Jethro Tull, Abrahams est parti pour former ce groupe, et il est évident qu'il avait beaucoup d'énergie refoulée en lui lorsqu'il a enregistré chacun des titres de l'album. Avec un barrage de rythmes électrisants et des excursions fugaces au saxophone et aux bois, des morceaux comme "Sing Me a Song That I Know", "Up and Coming" et "Backwash" donnent lieu à des virées très énergiques de rock et de blues. La plupart des morceaux ont une bonne dose de rock au milieu, mais dans des morceaux comme "The Change Song" et "Backwash", les riffs explosifs sont accompagnés d'un enthousiasme de style big band, ce qui ajoute encore plus de profondeur au matériel. Le jeu de basse d'Andy Pyle se distingue nettement d'un morceau à l'autre et n'est pas utilisé comme un simple fond sonore, tandis que qualifier le jeu de batterie de Ron Berg de désinvolte et d'intempestif serait un euphémisme. Il est évident que le style de Blodwyn Pig est effectivement distinct, dégageant une intensité libérée et désinvolte tout en parvenant à rester sur la bonne voie, mais le fait que chaque morceau convoque un type différent de fougue instrumentale est ce qui fait vraiment la réputation de l'album.

Merveilleusement chargé et même un peu hétéroclite à certains endroits, Ahead Rings Out montre la puissance et la vitalité qui peuvent être canalisées en combinant un certain nombre de styles classiques sans paraître prétentieux ou exagéré.

Mike DeGagne

[Algernon]

SAHB était vraiment sensationnel. Cet album est représentatif de leur travail, de leur talent et de leur touche de douce fantaisie. Dommage que cet album ne soit pas plus long (seulement 6 chansons si on enlève l'intro instrumental "Fanfare") et il me manque les images pour être pleinement transporté en Vibrania.

Et comment ! Ce que je me suis pendant des années, avant de voir arriver d'autres live, mais il a fallu du temps. Et des archives filmées, heureusement. Du bonheur total ce groupe.