J'ai eu aussi "Kill 'Em & Eat 'Em", mais je l'ai trouvé loin de la follie des premiers disques et je ne l'ai pas gardé non plus!Punker paname a écrit : ↑lun. 23 janv. 2023 23:28Content de voir que tu aime nos chers Pink Fairies outre ceux que tu as présenté; pour ma j'ai un gros faible pour le Pink Fairies Live At The Roundhouse 1975 sorti chez Big Beat Records en 1982 avec sa super reprise du Waiting For The Man et un City Kids archi Killer
Je ne le connais pas tout comme ceux sortis après celui-ci j'en suis reste aux trois premiers et au live 75 à la round houseJ'ai eu aussi "Kill 'Em & Eat 'Em", mais je l'ai trouvé loin de la follie des premiers disques et je ne l'ai pas gardé non plus!
tout à fait!Punker paname a écrit : ↑mar. 24 janv. 2023 09:39Je ne le connais pas tout comme ceux sortis après celui-ci j'en suis reste aux trois premiers et au live 75 à la round houseJ'ai eu aussi "Kill 'Em & Eat 'Em", mais je l'ai trouvé loin de la follie des premiers disques et je ne l'ai pas gardé non plus!
J’adore par contre les deux 45 Tours solo de Larry Wallis sorti chez Stiff Records et Sonics Records et je cherche toujours les rééditions de Shagrat les pré Pink Fairies c'était plus Psyché tirant sur le Folk Rock mais très bien aussi
Quand tu voit la galaxie incroyable de musiciens de talent qui sont passé par les cases Pink Fairies et Deviants ça donne le tournis
analogdemonFlying Again (1975)
Au début de 1973, le nom de Flying Burrito Brothers a été dissous par Rick Roberts après avoir dirigé un groupe sans membres originaux lors d'une tournée en Europe pour remplir des obligations de tournée laissées inachevées lorsque Chris Hillman était parti en octobre 1971.
Plus tard en 1973, la mort de Gram Parsons a créé un certain intérêt posthume pour sa musique, et cela comprenait son temps avec the Flying Burrito Brothers. En 1974, l'ancien manager du groupe, Eddie Tickner, a commencé à lancer l'idée de reformer les Burritos depuis qu'il avait reçu un intérêt de réservation sur le circuit des clubs. Il a obtenu les membres originaux Sneaky Pete Kleinow pour accepter de reformer les Burritos. Ils ont embauché l'ancien batteur des Byrds Gene Parsons, son ami de longue date Gib Guilbeau pour jouer du violon, et ont complété le nouveau groupe avec le guitariste Joel Scott Hill, anciennement de Canned Heat .
Les Burritos "rafraichis" étaient sur la route à la mi-1974, et au début de 1975, ils avaient enregistré quelques demos qui leur avaient valu un contrat d'enregistrement avec Columbia, pour qui Flying Again était leur premier album. Sorti en octobre, l'album présente une écriture inspirée et un groupe de country-rock très compétent et serré. Ironiquement, le disque fut également l'album le plus élevé des Burritos jusqu'à ce point, culminant à la 138e place.
Flying Again s'ouvre sur un arrangement mid-tempo du traditionnel "Easy to Get On", qui cède ensuite la place au magnifique "Wind and Rain". Cette chanson a été à l'origine une demo de Gene Parsons lors des sessions de son album solo de 1973 Kindling, mais a été laissée de côté et a été donnée aux Burritos pour ce projet. La chanson est un air très mélancolique sur la vie sur la route et les voyages (un sujet populaire des chansons de Parsons). De là, nous arrivons à trois reprises directes. La première est le classique "Why Baby Why" de George Jones. La reprise ici ressemble beaucoup à l'original et vous pouvez dire qu'ils n'y ont pas vraiment réfléchi. La reprise suivante, standard, "Dim Lights, Thick Smoke (and Loud Loud Music)" de Joe Maphis, est fait dans un arrangement de rythme rapide et ça marche vraiment bien. Ajoutez à cela le grand jeu de violon de Guilbeau, et vous avez une reprise qui bat absolument la reprise faite par les Burritos originaux lorsque Gram Parsons était encore dans le groupe. La troisième reprise, "You Left the Water Running" de Dan Penn, est un country 'pleureur' typique et assez peu imaginatif.
La deuxième face est l'endroit où l'album devient vraiment intéressant. Le côté commence avec le premier single, une autre reprise de Dann Penn, "Building Fires". C'est absolument l'une des meilleures reprises jamais réalisées par n'importe quelle incarnation des Burritos. Il a tous les ingrédients d'un classique, d'un bel arrangement avec un excellent jeu et de superbes vocaux. Le reste de la face est entièrement original, à commencer par la rétrospective "Sweet Desert Childhood" de Gene Parsons, puis "Bon Soir Blues" et "River Road", tous deux écrits par Gib Guilbeau et tous deux excellents. L'album se termine par une grande chanson qui a un titre terrible. "Hot Burrito #3" est une chanson cool, mais même pas dans le même univers que les deux premières compositions de Chris Ethridge/Gram Parsons sur The Gilded Palace of Sin. Bien sûr, le nom de la chanson invite aux comparaisons inévitables, aussi injustes soient-elles.
C'est absolument le seul album post-original de Burritos que je considère comme essentiel. Si vous aimez le country rock des années 70, vous aimerez la majeure partie de cet album. C'est vraiment aussi simple que cela.
Queen By-TorAmar Caballero, 1973
Un succès et un échec pour Babe Ruth à l'aube de sa deuxième sortie. Après leur magnifique premier album, seront-ils en mesure d'offrir un aussi bon album cette fois-ci ? La réponse courte est non. La réponse longue est à venir. Comme leur premier album, cet album s'articule autour du heavy rock inspiré des groupes plus hard rockant de l'époque tout en essayant d'être un concurrent de Zeppelin tout en ajoutant des penchants progressifs et une touche mexicaine sévère. Étrange en effet pour un groupe britannique.
La pochette de l'album est remarquable dès le départ (sans mauvais jeu de mots). Leur premier album arborait une pochette unique à la Roger Dean, celle-ci présente un groupe de chevaux avec un petit extrait de leur précédent dessin dans le coin inférieur. Le petit homme tenant la batte crie presque "Hé ! On est Babe Ruth !". Vous vous souvenez de nous ?
La meilleure façon de décrire cet album est de dire qu'il est inégal. De la même manière qu'on regarde les statistiques de carrière d'une équipe de baseball, il y a des hauts et des bas dans cet album. En fin de compte, et malheureusement, ce sont les points faibles qui ont un impact sur l'ensemble de l'album, le faisant paraître moins bon qu'il ne pourrait l'être. En termes de structure de l'album, les chansons sont plus courtes (à quelques exceptions près), il y a plus d'humour et elles ne sont (généralement) pas aussi sombres ou moroses que ce à quoi le groupe nous a habitués.
Jenny Haan est toujours une chanteuse plus que compétente, sa voix donnant vie à toutes les chansons, et Shacklock sait toujours comment écrire un bon riff. Il y a également moins de reprises sur cet album que sur leur premier album, avec seulement deux chansons qui n'ont pas été écrites par le groupe.
Les bonnes chansons de l'album sont très bonnes. Comme nous sommes en droit d'attendre du groupe, des morceaux puissants comme le premier morceau Lady avec son chant puissant, l'émotionnel et sombre Broken Cloud nous rappellent pourquoi le groupe a un tel potentiel. On notera également sur la première face la lente et mélancolique Baby Pride avec son piano touchant qui constitue une merveilleuse façon de terminer une face.
La première face est la plus forte des deux, mais elle a aussi ses défauts. La chanson la plus longue de la première face est malheureusement pleine de problèmes : Gimme Some Leg a un riff très peu impressionnant et insuffisant qui n'aide pas beaucoup la chanson à avancer. La voix de Haan est la seule chose qui rachète la chanson, mais même elle est coupée à certains moments par un backing vocal étrange qui est peut-être censé être drôle mais qui ne fonctionne pas de cette façon. Là où le groupe excellait auparavant à être très sérieux, voici une balle courbe qui frappe l'auditeur de manière inattendue et le force à marcher.
Sur la deuxième face, nous avons deux des meilleures et deux des pires chansons du groupe à ce stade de sa carrière. En commençant par le morceau Cool Jerk, qui ressemble étrangement au jingle de Cool Whip, nous avons droit à une chanson qui est en fait une reprise faite par le groupe... mais pourquoi ? Pas du tout impressionnant et une piste qu'il vaut mieux sauter. Heureusement, c'est la chanson la plus courte de l'album. Doctor Love est une autre chanson à éviter, elle n'a rien de mémorable. Cependant, entre ces deux morceaux médiocres/mauvais se trouve un vrai bijou. L'instrumental We Are Holding On est un morceau merveilleux (bien que court) avec des pianos et des guitares complexes et délicats joués avec émotion pour en faire un morceau classique du groupe.
Gardez le meilleur pour la fin, semble-t-il, car en arrivant à la fin, nous avons droit à une excellente suite. Le titre Amar Caballero est un excellent tour de force de 9 minutes de pure joie. Tout ce que le groupe fait de bien est représenté ici, et si le chant n'apparaît que pendant le premier tiers de la chanson (et un peu dans la deuxième partie), on lui pardonne facilement car Shacklock nous emmène dans un voyage qu'on n'est pas près d'oublier. La partie B de la chanson atteint son point culminant avec Haan qui hurle en arrière-plan tandis que Shacklock joue des riffs. La fin de la chanson est une conclusion lente et douce qui met fin à l'album.
C'est quand même un bon album qui mérite votre temps si vous avez apprécié leur premier album. Peut-être pas parfait comme leur premier album, mais c'était un opus difficile à suivre.
Recommandé aux fans du premier album et à tous ceux qui veulent entendre un Led Zeppelin à saveur mexicaine (bien que britannique) avec plus de prog et une chanteuse.
BAYOU1976 - Long Hard Ride
Les pochettes du Marshall Tucker Band sont toujours superbes. Celle de Long Hard Ride, leur cinquième album qui sort en 1976, figure dans leur top trois. Une diligence fonce dans la plaine, on devine le conducteur affolé, les outlaws le pressent, il fouette les chevaux qui se cabrent sous la morsure de la lanière de cuir, dans un paysage de neige.
Et on démarre comme dans un superbe western avec l'instrumental "Long Hard Ride". L’incontournable Charlie Daniels fait péter son violon, et John Mc Eueun du Nitty Gritty Dirt Band son banjo. Ambiance feu de camp et concours de danse country assurée ! La production de Paul Hornsby est superbe et met particulièrement bien en valeur chaque instrument. La musique est d’approche facile, certains la trouveront d’ailleurs trop commerciale, tant l’aspect country & western est omniprésent au détriment du southern-rock dont on ne retrouve pas les thèmes fondateurs.
In fine, c’est certainement l’album le plus abordable de la première période du groupe, avec cette base musicale universelle rehaussée par le saxo et le violon. Et puis, la qualité de l’interprétation ! Doug Cray chante superbement bien, la rythmique est parfaite et Toy Caldwell à la guitare nous gratifie de chorus subtils et somptueux.
Avec le temps, on s’aperçoit pourtant qu’aucun titre ne se détache, ici pas de locomotive comme "Fire On The Mountain" ou "Searchin' For A Rainbow" pour tirer l’ensemble mais huit chansons équilibrées avec outre la chanson éponyme un superbe "Windy City Blues" ou Toy s’envole avec des notes lumineuses. Seul "You Don't Live Forever" qui clôt l’album est un peu faiblard.
Et finalement c’est le vrai paradoxe de ce groupe, pur produit du Deep South des Etats Unis (la Caroline du Sud) qui enregistre, sur le prestigieux label Capricorn de Macon spécialisé dans le southern-rock, de la musique quasiment country, qui ne dépareillerait pas dans le haut du panier des groupes du Nashville Sound. Le banjo et le violon des invités contribuent à accentuer ce grand écart, heureusement que la guitare de Toy Caldwell garde des intonations assez éloignées de la country "classique".
Certes, ce n’est pas le meilleur album du groupe, mais il s’écoute toujours agréablement, il vieillit plutôt bien et sa relative simplicité, qui était un handicap lors de sa parution, est devenu son meilleur atout.
Brett Hartenbach1975 Trouble in Paradise
Avec le producteur Tom Dowd, connu pour son travail chez Atlantic Records, à la barre, the Souther-Hillman-Furay Band semble s'éloigner un peu de ses racines country-rock avec son deuxième album, le bien nommé Trouble in Paradise. Le groupe y développe les aspects plus funky de son premier album, tout en se rapprochant encore plus du 'middle of the road'. Sur ce disque, c'est l'ancien leader de Poco, Richie Furay, qui était responsable des points forts, mais cette fois-ci, c'est J.D. Souther, qui a écrit quatre des neuf titres de l'album, qui mène la danse, avec "Prisoner in Disguise" (enregistré la même année par Linda Ronstadt) et la chanson titre.
Néanmoins, Furay, dont les deux compositions ont été dominées par sa récente conversion au christianisme, se rattache à l'adorable "For Someone I Love", qui précède de façon intéressante les rationalisations sordides de "Mexico" de Souther.
Comme dans le cas de l'album précédent, le trio de Chris Hillman, dont "Love and Satisfy", qui emprunte les paroles de la majorité de ses deux premiers couplets à "Train Song" de Gram Parsons et lui-même, est modérément réussi, bien qu'à la longue, il soit quelque peu oubliable.
Avant l'enregistrement de l'album, le batteur d'origine Jim Gordon était parti et avait été remplacé par Ron Grinel (Souther a également joué de la batterie sur quelques morceaux), et ce qui avait dû sembler être une excellente idée en 1973 montrait des signes d'effritement.
Le groupe a été dissous en 1976 après les mauvais résultats de Trouble in Paradise, et chacun de ses membres principaux a enregistré des disques solos pour Asylum dans l'année. Publié à l'origine par Asylum Records en 1975 et réédité sur CD en 2002 par Wounded Bird.
Greg PratoThe Best of Acoustic Jethro Tull (2007)
Pour certains, Jethro Tull sera toujours associé au jeu de flûte de Ian Anderson et à des moments plus rock, dignes d'une arène.
Mais, à l'instar de Led Zeppelin, Tull a su équilibrer ses sautes d'humeur sonores; il pouvait passer en un clin d'œil du rock'n'roll bruyant et fier au folklore plus tranquille.
La compilation de 2007, The Best of Acoustic Jethro Tull, se passe d'explication, puisque ce coffret de 24 titres se concentre uniquement sur le côté "unplugged" de Tull. Mais certains des meilleurs moments de Tull étaient basés sur la guitare acoustique, notamment des classiques de la première heure comme "Mother Goose", "Skating Away (On the Thin Ice of the New Day)" et "Fat Man" (voici un jeu amusant : la prochaine fois que vous regarderez le film Boogie Nights, essayez de repérer la scène qui utilise cette dernière chanson).
Et si l'interminable morceau-titre de Thick as a Brick est avant tout un morceau rock prog, son intro est certainement l'un des meilleurs moments acoustiques de Tull, et il est inclus ici. Cependant, The Best of Acoustic Jethro Tull ne se limite pas à la période du début des années 70, car il comprend des sélections de toutes les époques, y compris des morceaux oubliés ou souvent négligés comme "Jack in the Green", "Weathercock" et "One Brown Mouse". En tant qu'aperçu du côté acoustique de Tull, The Best of Acoustic Jethro Tull couvre minutieusement toutes les bases.
analogdemonAirborne (1976)
Alors que se passe-t-il après que les Burritos aient sorti leur quatrième grand album studio d'affilée ? Tu l'as deviné! Quelqu'un part ! Le bassiste et membre fondateur Chris Ethridge s'est séparé après Flying Again en 1975 et a été remplacé par l'ancien bassiste des Byrds, Skip Battin. Pendant les deux années suivantes, la section rythmique des Burritos sera la même que celle des Byrds de 1969-1972, et c'est un monde d'éloges. Malheureusement, cet album est assez inégal. Il y a des bons moments, mais dans l'ensemble, il y a beaucoup de matériel vraiment léger ici. Je ne sais pas dans quelle mesure c'était la faute du groupe et quelle était la pression de Columbia après que Flying Again n'ait pas réussi à faire de percées commerciales. Le monde pourrait ne jamais le savoir.
En ce qui concerne les points forts de l'album : "Out of Control" est un excellent country-rock d'époque qui aurait parfaitement sa place dans Flying Again et qui est une excellente façon d'ouvrir l'album. "Toe Tappin' Music" de Gib Guilbeau est génial et fournit une preuve supplémentaire que Guilbeau est un auteur-compositeur qui n'obtiendra jamais le dû qu'il mérite. "Northbound Bus" est une assez bonne chanson mid-tempo avec un beau piano et de belles harmonies vocales. "Big Bayou", comme "Out of Control" est un grand country-rock d'époque et un autre point culminant du recueil de chansons de Gib Guilbeau. "Walk on the Water" est une chanson magnifique et a un superbe travail de pédale steel de Sneaky Pete Kleinowce qui ajoute à la sensation. Enfin, la reprise de "Jesus Broke the Wild Horse" peut facilement tenir le coup avec n'importe quelle reprise réalisée par les Burritos originaux.
Outre ces chansons, l'album contient pas mal de médiocrités et quelques-unes carrément embarrassementes. "Waitin' for Love to Begin" ressemble à peu près à toutes les autres ballades d'amour des années 70 et ne contient rien de mémorable. La reprise faux-reggae de "Quiet Man" de John Prine est une honte absolue. Si c'était du bon reggae, c'est une chose. C'est terrible... vraiment terrible. "Linda Lu" est plutôt bonne si ce n'est immémoriale et en conserve. "Border Town" est plutôt mauvais, mais pas à cause de la musique. La voix de Joel Scott Hill sur cette chanson m'agace. Prononcer des mots comme "radio" comme ""She's a Sailor" de Stevie Wonder avec Stevie au piano. Non merci. Je prendrai l'original doré de Wonder.
Si vous mélangez le bon avec le mauvais, cet album dans son ensemble se révèle au mieux carrément bien moyen.
Mark Levitonlong may you run
En 1973, David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash et Neil Young ont passé autant de temps à se chamailler qu'à essayer d'enregistrer la suite de leur album Déjà Vu.
Avec une tournée CSN&Y en attente, Young a travaillé sur ce qui est devenu Tonight's the Nigh t et On the Beach , Stills s'est occupé d'une tournée de son groupe Manassas et de la préparation de son premier album solo pour un nouveau label, Columbia (le plan était de l'appeler As I Come of Age), et la puissante combinaison Crosby-Nash a joué des concerts en duo tandis que Nash a préparé un LP solo, Wild Tales, sorti en décembre.
En 1974, une tournée des stades a finalement été réservée, considérée par certains comme une «prise d'argent pour les retrouvailles».
Les luttes intestines pouvaient être féroces en dehors de la scène, mais les shows de près de quatre heures ont été accueillies avec enthousiasme par le public. Les tentatives d'enregistrement ensemble en studio ont de nouveau échoué, Crosby et Nash insérant de nouvelles chansons dans l'album Wind on the Water et Stills en tournée solo, déclarant à la journaliste Barbara Charone : « Neil Young me soutient mieux que quiconque au monde. Il comprend ce que je veux faire. Neil me permet d'explorer mes capacités. Ce que je veux faire, c'est faire un album avec Neil. Nous terroriserions l'industrie.
À l'été 1975, à l'improviste, Young rejoignit Stills sur scène sur les campus de l'UC Berkeley, de Stanford et de l'UCLA, avec Stills criant : « L'esprit de Buffalo Springfield est de retour ! après une longue jam de guitare. Au printemps 1976, ils étaient dans les studios Criteria de Miami dans un état d'esprit coopératif : « Chaque fois que nous jouons ensemble, j'apprends un peu plus à Neil à être poli. Il m'en apprend un peu plus sur la réalité », a déclaré Stills. Young a même invité Nash et Crosby à Miami, et ils ont contribué aux sessions avant de retourner sur la côte ouest pour terminer leur propre album Whistling Down the Wire. Leur voix a été supprimée sur l'insistance de Young. "Fuck 'em", a déclaré Nash à Crawdaddy à l'époque, furieux à propos de Stills and Young. « Ils ne sont pas là pour les bonnes raisons. Je ne retravaillerai plus avec eux."
Avec le groupe de soutien actuel de Stills en soutien, le Stills-Young Band a commencé sa tournée le 23 juin 1976 dans le Michigan avec un album en boîte. Il est sorti le 20 septembre sous le nom de Long May You Run, un titre ironique étant donné que Young avait déjà renfloué à mi-chemin des réservations, laissant Stills honorer les engagements du duo. Au fil des ans, Young a été évasif quant à la cause exacte de son départ soudain.
Stills and Young ont produit Long May You Run avec l'aide des vétérans Don Gehman et Tom Dowd. Jerry Aiello contribue aux claviers avec Stills and Young, George « Chocolate » Perry est à la basse; Joe Vitale et Joe Lala s'occupent de la batterie et des percussions. Il n'y a pas de co-écritures sur l'album, qui alterne simplement entre les chansons de Stills et Young, neuf en tout. Parfois, cela ressemble à deux albums solo artificiellement mélangés, mais il y a des moments où la combinaison prend feu et cela ressemble à une véritable collaboration.
La chanson titre, une ode à mi-tempo à "Mort", le corbillard Buick Roadmaster de 1948 de Young, commence. L'harmonica et la guitare acoustique de Young prennent la tête, et sa voix est à double piste la plupart du temps, avec Stills rejoignant le chœur. C'est l'un des airs les plus mélodiques de Young, et il le chante avec une vraie douceur. C'est devenu un hymne que les fans ont utilisé lors de mariages, de funérailles et de toutes sortes de commémorations.
Le passionné "Make Love to You" de Stills est le suivant, avec Aiello jouant un orgue Hammond B-3 parfait, et Stills établissant un certain nombre d'excellentes lignes de guitare, à la fois électriques et acoustiques. Sa voix est convaincante, avec sa légère bavure qui blesse les paroles. Vitale joue de la flûte dans la section inhabituelle du pont.
Les congas de Lala occupent une place prépondérante dans l'arrangement rythmique de la sensuelle et simple "Midnight on the Bay" de Young. Young chante dans son registre le plus élevé et prend un solo d'harmonica efficace, mais il est difficile de cerner la contribution de Stills.
"Black Coral" est une performance de Stills teintée de latino malheureusement étayée par quelques lignes de synthétiseur inutiles et fades. Lala joue des timbales, les lignes de basse sont bien placées, le piano acoustique est remarquable, mais le morceau est un peu raté, tout comme "Ocean Girl" de Young, qui est l'un de ceux qui semblent avoir été lancés en quinze ans. mini-portraits minutes que Young a parlé d'écriture.
"Let It Shine" fait passer la deuxième face du LP à la vitesse supérieure, avec une chanson à moins d'un million de kilomètres de "Time Fades Away" de Young. Le rythme 2/4 est féroce, faisant partie du son classique de la country mutante de Young. À mi-chemin, il y a une belle section où la slide guitare de Stills cède à l'électrique mordant de Young.
"12/8 Blues" est l'un des meilleurs amalgames de funk, de rock psychédélique et de blues de Stills, rappelant ses jours à Buffalo Springfield et "Long Time Gone" de CSN. Il y a certaines des meilleures guitares de l'album.
Il y a un peu d'ADN de Crazy Horse « Down By the River » et « Cortez the Killer » dans la tonalité mineure « Fontainebleau », qui avec « Long May You Run » est le morceau le plus réussi ici. Il pourrait être inspiré par le célèbre hôtel de Miami, mais Young transforme le matériau en quelque chose d'épique et d'énigmatique : "Qui a mis la paume sur ma blonde ? / Qui a mis tout le goudron sur le sable du matin ? / Qui a tout pris là où il était autrefois. /Et mettez-le là où il a été vu pour la dernière fois ? » Si Stills est là-dedans, il est submergé par un certain déchiquetage de la marque Young.
Le morceau le plus long du LP, "Guardian Angel", clôt l'album. C'est une composition de Stills au son merveilleusement spontané, encore une fois avec un rythme de jazz latino et des contributions stellaires de tous les instrumentistes, en particulier les percussionnistes et Stills. C'est un travail puissant qui laisse entrevoir un avenir pour le Stills-Young Band qui ne s'est jamais produit.
Dans l'immense catalogue d'enregistrements de Crosby, Stills, Nash et Young collectivement et individuellement, le seul ensemble Stills-Young Band est une valeur aberrante, un palliatif souvent négligé. Mais il y a des trésors dedans. Au cours des deux décennies suivantes, Stills et Young ont continué à entretenir des relations raisonnablement sympathiques, mais pas aussi fortes que le lien Crosby-Nash. En 2011, Buffalo Springfield s'est réuni pour sept performances en direct, mais Young a soudainement mis fin à 30 spectacles supplémentaires. "C'est ce que l'impétuosité fera pour vous", a déclaré Stills à Rolling Stone. "Quand Neil est impliqué dans quelque chose, vous avez besoin d'une ceinture de sécurité."
Aujourd'hui, les quatre membres d'un groupe autrefois génial entretiennent des rancunes et des ressentiments fumants qui éclatent régulièrement sur les réseaux sociaux et les magazines. Dans une interview de mai 2022, Nash a réitéré qu'une réunion n'aura "absolument pas" lieu. "Pas un coup en enfer." Qu'ils courent longtemps, séparément.
ClemofNazarethBabe Ruth, 1975
Je me demande combien de personnes à part moi ont trouvé que Juanita Haan ressemblait un peu à Annie Wilson ? Non pas que Babe Ruth dans son ensemble ressemble beaucoup à Heart de la même époque, mais Haan et Wilson ont certainement de fortes similitudes vocales. Peut-être un petit peu de Janis Joplin aussi, je suppose, puisque c'est clairement celle que Mme Haan essaie d'imiter.
D'autre part, Babe Ruth, bien qu'il ne soit pas techniquement un groupe de prog, avait un son distinctif. Les plans de guitare sont assez typiques du hard rock des années 70, et la section rythmique n'est pas si unique ou intéressante (en fait, le batteur et le bassiste me rappellent beaucoup le groupe Free). Mais la voix de Mme Haan est forte, passionnée et accrocheuse, et le claviériste donne au groupe un avantage sur une centaine d'autres groupes de hard rock américain des années 70.
Pour autant que je sache, cet album n'a donné lieu à aucun hit et, en général, le groupe était probablement sur le déclin au moment de sa sortie, avec "The Mexican" loin derrière eux, et leur dernier album parsemé de reprises plutôt douteuses, la plus flagrante étant le tube Motown des Capitols "Cool Jerk", une demi-décennie avant que les Go-Gos ne fassent la même erreur. Il y a également une reprise ici, également un morceau R&B - l'hymne des droits civiques des années 60 de Curtis Mayfield "We People Darker than Blue", qui d'ailleurs possède certaines des meilleures basses et guitares funk de cet album.
L'influence de Joplin ressort vraiment sur "Jack O'Lantern", mais le tempo dérive presque en territoire Meat Loaf. Là encore, le travail de la guitare est remarquable, mais il s'agit plus d'un blues rapide que de funk de Detroit.
"Private Number" et "Sad But True" sont des chansons rock purs, tandis que "Turquiose" et "Somebody's Nobody" présentent toutes deux des guitares espagnoles, des percussions syncopées et un sentiment général de sud de la frontière à la Linda Ronstadt, mais peut-être avec un peu de tequila.
La dernière chanson, "Duchess of New Orleans", a également une atmosphère de frontière, mais ici, elle est courtisée par deux guitares électriques et la voix de Mme Haan, qui imite Cher. En fait, j'aime cette chanson pour son orgue électrique dominant, sa basse lourde et sa guitare rythmique envolée, mais ce n'est absolument pas de la musique progressive, alors soyez prévenus si c'est ce que vous attendez.
Des quatre albums de Babe Ruth que j'ai écoutés, je classerais leur premier album en premier, puis celui-ci. Si vous ne pouvez en avoir qu'un, prenez le premier ; sinon, je recommande celui-ci également aux fans de blues rock, de musique lourde au clavier et de voix féminines fortes et mélancoliques.
RDTEN1Grease Band 1971
Pour le meilleur ou pour le pire, Grease Band sera toujours mieux connue sous le nom de backing band de Joe Cocker. Il y a certainement de pires destins dans l'univers musical, mais cela rend également un mauvais service à cette entité talentueuse.
Sous le nom de The Grease Band, en 1969, le line-up était composé du lead guitariste Henry McCullough, du batteur Bruce Rowland, du bassiste Alan Spenner et du claviériste Chris Stainton.
En 1970, Cocker avait été contraint d'entreprendre sa tristement célèbre tournée Mad Dogs and Englishmen de 1970 afin de réussir une tournée américaine dont sa société de management n'avait pas pris la peine de l'informer. Stainton était le seul membre du Grease Band à participer à la tournée. Pour payer leurs factures, McCullough, Rowland et Spenner avaient rejoint le groupe de sessions "Jesus Christ Superstar". McCullough et Spenner avaient ensuite rejoint Spooky Tooth. Rowland avait rejoint Terry Riley pour l'éphémère Heavy Jelly.
En ajoutant l'ancien bassiste de Juicy Lucy, Neil Hubbard à la formation, ils ont réactivé The Grease Band en 1971.
En grande partie attribuable à leur travail sur l'album "Jesus Christ Superstar", le groupe a été rapidement signé par le label Harvest d'EMI. Dans un caprice intéressant du destin, Shelter Records de Leon Russell a acquis les droits de distribution aux États-Unis. Le groupe s'est ensuite rendu aux studios olympiques et insulaires de Londres pour enregistrer son premier album.
Produit par le groupe, Chris Stainton et Nigel Thomas, "The Grease Band" de 1971 fait partie de ces albums qui mettent un peu de temps à révéler ses charmes considérables. Avec McCullough responsable de la majeure partie du matériel, l'album a trouvé le groupe offrant une première version du totem rock américain.
Quelques critiques ont fait une comparaison avec un des premiers albums du groupe, et à en juger par des morceaux comme « Let It Be Gone » et « Willie and the Pig », cette comparaison n'était pas inexacte. En manipulant le chant principal, il n'y avait aucun danger que quiconque confonde McCullough ou Spenner avec Joe Cocker. D'un autre côté, en tant que personne qui n'a jamais apprécié la voix beuglante de Cocker, j'ai trouvé leurs voix sèches et rauques assez agréables - découvrez les performances de McCullough sur "Mistake No Doubt" ou plus proche "The Visitor". Offrant un mélange de blues, de country-soul et de rock roots, ce n'était certainement pas un album trop ambitieux et avant-gardiste, mais il constituait l'une de ces collections chaleureuses et réconfortantes. Pour une raison quelconque, j'ai tendance à le passer pendant les tempêtes de neige.
Étonnamment ennuyeux et laborieux - la première minute de My Baby Left Me a été gaspillée sur une jam sans visage en studio. Malheureusement, lorsque la chanson a commencé, leur reprise du classique d'Arthur Crudup (le crédit d'écriture a mal orthographié son nom en tant que "Grudup") était tout aussi ennuyeuse.
Drôle; Henry McCullough n'avait pas la plus grande voix que vous ayez jamais entendue, mais sur le morceau de country-blues "Mistake No Doubt", son grincement sec était spectaculaire. La voix d'harmonie glorieuse et les doux mouvements de guitare slide de McCullough n'ont certainement pas fait de mal.
Vous êtes-vous déjà demandé à quoi aurait ressemblé The Band s'ils étaient nés et avaient grandi dans le nord de l'Angleterre ? Probablement pas, mais le joyeux "Let It Be Gone" pourrait vous donner une idée de ce à quoi un tel mélange aurait pu ressembler. Une de mes performances préférées sur l'album. Tiré d'une performance de juillet 1969 dans l'émission de télévision ouest-allemande BeatClub, YouTube propose une performance en live de la chanson, bien que vous deviez la rechercher vous-même.
Chaque fois que j'entends 'Willie and the Pig', ça me fait sourire... Qui aurait pensé qu'un groupe d'Anglais maigres et pâles aurait pu réussir une tranche d'Americana aussi agréable dans le style d'un groupe.
L'une des deux compositions de groupe, 'Laughed at the Judge' était un blues-rock correct, mettant en vedette Chris Stainton aux claviers. Je me suis toujours demandé pourquoi le morceau était sorti en single!
"All I Wanna Do" était le morceau pour les gens qui ne pensaient pas que les Anglais maigres, pâles et blancs pouvaient devenir funky. La chanson a été exploitée comme deuxième single américain :
To the Lord (traditionnel arrangé par The Grease Band) Remake teinté de country du classique de l'Évangile... La voix rauque de McCullough et son jeu de lead guitare l'ont rendu étonnamment agréable. La performance était dans la même classe que "In the Presence of the Lord" de Blind Faith.
Je pense que "Jessie James" mettait en vedette Spenner au chant principal ... Une autre tranche d'Americana de style groupe mettant l'accent sur la composante rock. Beaucoup de sterling sur la guitare fuzz deMcCullough, mais pas mon choix pour l'une des performances exceptionnelles.
Écrit par Spenner, 'Down Home Mama' a commencé comme une jolie ballade country-rock décontractée avec quelques savoureux remplissages d'orgue Chris Stainton Hammond B3. Au fur et à mesure de sa progression, la chanson a pris une sensation de groupe de bar plus lourde.
"The Visitor" de McCullough est le genre de chanson folk acoustique dépouillée que je détesterais normalement avec passion. À l'exception peut-être du regretté Ronnie Lane, c'est un genre musical qui me fait régulièrement sortir en trombe. Et voici une autre exception - Jolie mélodie et une autre tranche d'Americana.
Pour soutenir l'album, le groupe a fait plusieurs tournées aux États-Unis deux fois, mais avec peu de ventes à montrer pour leurs efforts, ils se sont séparés au début de 1972.
JonFox1976 Starz
Lorsque Starz est entré en scène au milieu des années 70, l'équipe de management de Bill Aucoin a présenté le groupe comme le prochain grand groupe de rock 'n' roll américain à sortir du pays du gros billet vert. En réalité, la pièce de monnaie polyvalente Aucoin considérait Starz comme rien de plus qu'un compagnon d'écurie de la ligue mineure et une déduction fiscale de KISS.
Le premier album éponyme de Starz est sorti en septembre 1976, sur le label Capitol. La promotion du gang de bandits du rock 'n' roll était destinée aux adolescents aux cheveux longs qui avaient soif de groupes américains comme Aerosmith, KISS et Ted Nugent. De plus, l'artiste Michael Doret a présenté à Starz un logo sympa... de l'or pur des années 70 !
Jack Douglas, de la renommée d'Aerosmith, a été amené à produire le premier disque de Starz. Après l'achèvement d'un travail de pré-production approfondi, Douglas était déterminé à emmener le nouveau groupe en studio et à produire un gros son, construit sur un travail de guitare lourd, ainsi qu'un socle en plein essor de basse pulsante et de batterie qui claque. Voyant rarement la lumière du jour, Douglas a travaillé dur dans le Record Plant studio pendant la journée pour travailler sur l'album explosif Rocks d'Aerosmith et les nuits avec Starz.
Avec Michael Lee Smith, le chanteur en herbe façon Steven Tyler, et le guitariste Richie Ranno à la tête de Starz, le groupe a sorti un album infesté d'accords puissants de riff 'n' roll ringard. Ranno est l'étoile la plus brillante à l'horizon, car son travail de guitare au son mordant et dur est présenté tout au long de l'album. Découvrez simplement le travail à six cordes de Ranno sur "Live Wire".
L'album du grand et brillant Starz est rempli de morceaux rock'n'roll de croisière, qui fournissent une bande-son pour une chaude nuit d'été aux États-Unis. C'est de la musique pour faire exploser les haut-parleurs Jensen dans une voiture musclée qui martèle le trottoir, comme le "Detroit Girls" grondant (oh ces filles de Motor City), le "Live Wire" électro-frit, le "Tear It Down" rampant, le "Now I Can", l'hymne arena "Boys in Action", le doux et dramatique "Pull the Plug", et la pure paire de rocks des années 70, le "Monkey Business" inspiré d'Alice, avec les éclaboussures de la guitare Ranno en mode automatique et "Nightcrawler" sont poussés à un volume insensé.
Unplugged??? Pas question... pas sur ce LP de rockeurs juteux qui crie juste les super années 70.
Poursuivez l'album pétillant de Starz avec l'album déchaîné Rocks d'Aerosmith , et vous serez transporté en 1976 avec les oreilles qui sonnent, souhaitant avoir été de la partie.
Mais pour Ash Ra Tempel l’histoire n’était pas terminée.Ash Ra Tempel (1971)
Moins populaire que ses contemporains Tangerine Dream, Amon Düül II et autre Can, Ash Ra Tempel reste toutefois une référence en matière de krautrock dont l’influence sur la new wave, la techno et le stoner sera certaine.
Après la parution en 1970 de Electronic Meditation de Tangerine Dream, le batteur Klaus Schulze quitte le groupe d’Edgar Froese et fonde Ash Ra Tempel avec le guitariste Manuel Göttsching. Rapidement rejoint par Hartmut Enke à la basse, le trio se paye très vite une solide réputation dans les clubs branchés de Berlin Ouest par leurs concerts. Prestations qui se résument souvent par de longues pièces improvisées.
Cette réputation va rapidement amener le groupe dans les studios afin d’enregistrer ce qui sera un premier album. Produit par l’apôtre du krautrock, Conny Plank cet album éponyme est publié en 1971 et offre deux titres. Une par face donc. À l’écoute on retrouve les éléments qui ont fait la réputation du trio: improvisation, expérimentation sonore et space rock.
La première pièce, « Amboss » commence doucement par des effets sonores à la guitare. Cette guitare lointaine, corrosive, sous acide, inquiétante, d’une tranquillité trompeuse va dévoiler un Manuel Göttsching fasciné par les possibilités sonores de la six cordes électrique. Cette fascination, accompagnée de cymbales discrètes, nous plonge dans une ambiance planante et psychédélique. Puis cela s’accélère avec l’arrivée d’un roulement de batterie et d’une basse menaçante. Virant au cosmique, la guitare s’affole et part dans des soli délirants à n’en plus finir pouvant évoquer le style acid rock californien incarné par Grateful Dead. Renforcée par la wah wah, cette guitare énigmatique, tapageuse, par moment magmatique rappelle bien évidement Jimi Hendrix. Mais dans sa globalité cet « Amboss » fait penser à « Saucerful Of Secret » des Pink Floyd.
Les Floyd semblent être une des influences majeures d’Ash Ra Tempel. En effet, les vocalises que l’on entend dans « Traummaschine », le second titre, nous renvoient à « Careful With That Axe Eugene » des Flamants Roses. Ce titre, que l’on peut traduire par machine à rêve, est beaucoup plus reposant que le précédent. Ce morceau étrange est également plus mélodieux, plus atmosphérique avec ces sons électroniques, étirés, profonds, répétitifs. Pourtant loin d’être cauchemardesque ce « Traummaschine » n’en est pas moins inquiétant. En témoignent ces chœurs fantomatiques et envoûtants, sans oublier ces percussions qui nous transportent au beau milieu du titre vers une transe hypnotique. Cette œuvre tendue, d’une beauté magistrale, allait rapidement rencontrer le succès et devenir un classique du genre en Allemagne et bien au-delà. Malgré cela, quelques mois plus tard, Klaus Schulze quittait le navire pour tenter sa chance en solo.
TrendkillRuby Starr And Grey Ghost (1975)
Ruby Starr, de son vrai nom Constance Henrietta Mierzwiak, est née en 1949 à Toledo dans l’Ohio. Très jeune, elle a commencé à écumer les clubs en chantant des standards de la Country sous le pseudo de Connie Little. En 1969, elle a intégré le groupe RUBY JONES puis enregistré avec celui-ci un album éponyme qui est sorti en 1971. Peu de temps après, elle fut remarquée par Jim « Dandy » Mangrum, le chanteur de BLACK OAK ARKANSAS et son destin allait alors basculer puisqu’elle a alors pris comme nom de scène Ruby Starr et a accompagné en tournée BLACK OAK ARKANSAS, ayant même participé en tant qu’invitée de luxe aux enregistrements des albums High On The Hog (1973) et Street Party (1974). D’ailleurs, sur le titre le plus connu de BLACK OAK ARKANSAS, « Jim Dandy », on l’entend très clairement.
En 1974, désireuse de voler de ses propres ailes, elle décide de monter son propre groupe, Ruby STARR AND GREY GHOST. Celui-ci, signé chez Capitol, enregistre son premier album, sans titre, qui voit le jour en 1975. A la vue de la pochette, il est évident que Ruby Starr est la meneuse, la patronne et question charisme, elle en impose.
Sur le plan vocal, Ruby Starr se situe à cheval entre Janis Joplin et Maggie Bell (l’ex-chanteuse de STONE THE CROWS). C’est particulièrement flagrant sur « Within’ Hour », une compo mélangeant allégrement Funk, Soul et Jazz avec en plus des mélodies aux arômes psychédéliques sur laquelle Ruby Starr donne carrément l’impression de réveiller le fantôme de Janis Joplin et qui permet aux choeurs de bien occuper l’espace sonore sur le refrain. Ceci dit, ce titre n’est pas représentatif du contenu global de l’album. Celui-ci est plutôt orienté Blues-Rock/Classic-Rock. Le groupe semble parfaitement à son aise dans ce registre comme l’attestent « Burnin’ Whiskey », un mid-tempo au refrain accrocheur qui lorgne même vers le Hard Rock et sur lequel la chanteuse crache ses tripes, en impose niveau charisme tant elle met beaucoup d’intensité dans sa performance vocale, « Long Wait », une compo touchante qui prend aux tripes, donnant même l’impression de revenir au tout début des 70’s et dont le refrain fédérateur repris en choeurs, « You Need A Chain », un morceau au rythme nerveux, tonique qui s’avère contagieux grâce à la présence d’un piano jovial qui intervient en même temps que le solo ou encore « Living Proof », un mid-tempo de 6’11 intense, haletant, épique qui est enrobé de nappes de claviers et, dans sa seconde partie, se fait plus emballant, plus Boogie-Rock grâce au travail d’une section rythmique plus impulsive. Ruby Starr et ses compagnons de route s’aventurent également dans les contrées du Rock Sudiste, notamment sur « Did It Again », une compo fort plaisante qui contient quelques éléments proto-AOR, et « Everything Comes And Goes », un titre tout en finesse parsemé de relents Pop et Soul assez coloré, raffiné sur lequel les guitares se font par instants plus mordantes et les choeurs répondent parfaitement à la chanteuse. « Sweet, Sweet, Sweet », compo à cheval entre Classic-Rock et Soul, est surtout portée par ses mélodies fines, enjouées et la performance vocale de Ruby Starr. Une ballade figure également sur cet album, il s’agit de « Fork In The Road », très teintée bluesy/Soul, qui est très poignante, a un fort contenu émotionnel avec un refrain intense repris en choeurs et s’impose comme une réussite magistrale dans cet exercice d’autant qu’elle est pleine de classe, joliment arrangée avec, entre autres, quelques nappes de claviers qui interviennent après le solo.
Cet album est une belle réussite dans l’ensemble, mettant bien en valeur une chanteuse très talentueuse, charismatique à souhait, ainsi que des musiciens solides qui savent très bien l’épauler. Les compos tiennent la route, prennent aux tripes. S’il n’y a aucun titre faible, il n’y a pas non plus de potentiel hymne hors-normes et c’est peut-être pour cette raison que cet album n’a pas attiré l’attention lorsqu’il est sorti en 1975. Ceci dit, ce disque aurait mérité un meilleur sort, un peu plus d’attention et il n’est jamais trop tard pour le redécouvrir, le réhabiliter.
BAYOU1977 - Carolina Dreams
Vraisemblablement le boss de Capricorn a pété une durite en écoutant Long Hard Ride le dernier album très country du groupe. « Bon les gars, on arrête de jouer les bouseux classieux, ici on enregistre l’Allman Brothers Band, du southern-rock pur, donc si vous continuez dans le genre cow-boy, vous enfilez les bottes et vous allez voir à Nashville si l’herbe que bouffe les bisons est meilleure qu’en Caroline du Sud ».
« Et puis ras le bol des pochettes de cow-boy, vous me trouvez un logo du groupe bien calligraphié et basta ! »
Toy Caldwell a compris le message mais il est têtu. Alors il va trouver une sorte de compromis. Pas de guitar-army comme chez Lynyrd Skynyrd, pas de longues envolées comme chez les Allman, mais des compositions costauds, très mélodiques, servies par des sonorités de guitares et de slide à faire chialer le pire des cow-boy (pas taper).
Il compose deux hits “Fly Like An Eagle” (rien à voir avec le titre du Steve Miller Band) et « Heard It In A Love Song », bien sudistes, avec des envolés magnifiques de guitares, le boss est content. Ensuite, il nous sort une sorte de country-rock psychédélique (euh ça existe docteur ce truc où j’ai trop forcé sur le Dr Pepper ?) aérien et cosmique « Never Trust A Stranger » ou encore « Desert Skies » un blues bizarre dans lequel Doug Cray donne sa pleine mesure. La musique respire la sérénité, le groupe a trouvé son équilibre musical après l’avoir cherché du côté de la country. Ici la country sert de point de départ, mais des éléments blues, jazz et soul (dans la voix de Gray) s’ajoutent pour en redessiner les contours, pour explorer de nouveaux horizons, et donner une coloration subtile aux morceaux.
Cet album est moins abordable, que le précédent, plus riche, plus inventif, le groupe ouvre les fenêtres de son inspiration, et les invités, quasiment toujours les mêmes, apportent un plus incontestable. Et puis Toy Caldwell magnifique ! Ecoutez la steel-guitar sur « Never Trust A Stranger”. C’est raffiné, fin, exquis, pour les gourmets, il ne balance jamais de gros riffs bien gras, mais il tisse une dentelle musicale subtile en écho au violon ou au piano.
Ce disque permet au groupe de cartonner (enfin !) et il faut admettre que c’est amplement mérité, le groupe atteint sa maturité, mélangeant habilement de bons morceaux calibrés pour la FM et les routiers et des compositions plus exigeantes, la flûte et le saxo de Jerry Eubanks étant particulièrement en évidence sur cet album. Sans oublier la section rythmique aérienne Paul T. Riddle/ Tommy Caldwell qui permet aux solistes de toujours retomber sur leurs pieds.
UMURStealin' Home, 1975
"Stealin' Home" est le 4e album studio du groupe de hard rock britannique Babe Ruth. L'album est sorti chez Capitol Records en 1975. Le principal compositeur et guitariste Alan Shacklock a quitté le groupe après le troisième album éponyme et j'étais vraiment inquiet de la façon dont "Stealin' Home" sonnerait sans ses contributions.
Il s'avère que "Stealin' Home" n'est pas très éloigné stylistiquement de son prédécesseur. "Stealin' Home" est essentiellement un album rock/hard rock et le style musical n'est pas complètement différent du style musical de Wishbone Ash (sans l'attaque à la guitare jumelle). Une sorte de style hard rock plus doux. La voix de Jenny Haan sonne comme une Geedy Lee (Rush)féminine. C'est une chanteuse très talentueuse avec une grande attitude de maman rock.
Le seul élément de cet album qui relie la musique au rock semi-progressif des premières versions est l'inclusion de claviers/synthés sur certaines pistes, ce qui donne à la musique une légère touche progressive, mieux illustrée sur la piste d'ouverture "It'll Happen in Time. Je peux apprécier la majeure partie de l'album mais j'apprécie particulièrement les morceaux qui mettent l'accent sur le côté rock plus hard du son du groupe. Quand ils ralentissent les choses, ma fascination diminue. Un morceau comme "Can You Fell It" avec ses rythmes reggae est là où je dis stop.
La production sonore est agréable, chaleureuse et agréable. Dans l'ensemble, "Stealin' Home" est une sortie décente de Babe Ruth même si j'écoutais n'importe lequel des trois premiers albums studio avant celui-ci.
hardrockheavymetal1977 Violation
Starz est venu de la scène glam new-yorkaise du début au milieu des années 70 et a servi un festin Hard Rock comme KISS et Angel. KISS et Angel partageaient les labels, KISS et Starz partageaient la gestion…..les graines ont été plantées pour que Starz devienne grand.
VIOLATION est le deuxième album de Starz et c'est un classique du Hard Rock des années 70. 'Cherry Baby' est un succès radio Pop Rock. Très simple et direct avec une grosse basse et des lignes de guitare décentes. Michael Lee Smith croonant dans le refrain accrocheur pour que nous chantions ensemble. 'Rock Six Times' est un riff rock plein de puissance et de punch. Quelques sonorités de guitare intéressantes sur ce morceau ainsi que des percussions plus lourdes. Commençant lentement et facilement avec des pistes rythmiques de base et un riff de guitare de base, 'Sing It, Shout It' s'intègre lentement dans le refrain. Michael Lee Smith a un talent pour la mélodie et les crochets vous font chanter tout le long. C'est un air rock « feel good ». La chose étrange en solo est que Ranno fait une excellente imitation d'Ace Frehley au lieu de faire son propre truc. La chanson titre commence par une intro de batterie qui donne un coup de pied dans les guitares. C'est l'hymne, l'énoncé de mission du groupe. Prenez simplement la première ligne du refrain: « Je veux du Rock'n Roll…. Non… c'est une infraction » Cela aurait pu être un gros single car les années 70 étaient une époque d'hymnes, un véritable coup de poing.
« Subway Terror » est un autre rock musclé qui a un bas de caisse martelant avec de superbes remplissages de guitare. La basse conduit vraiment cette chanson et lui donne une qualité sinistre. Les paroles sont hors du domaine de la fête et plus vers une ambiance diabolique. 'All Night Long' est celui que j'aime le moins sur le disque. Je ne suis pas dans les voix de gang sur le refrain et le rythme plus lent ne me convient tout simplement pas. Cela semble maladroit et laborieux.
Une sensation des années 60 se dégage de "Cool One". Le groupe écrit comme KISS pour faire appel aux pulsions primales des adolescents. Des paroles absolument brillantes sur le fait de se retrouver avec une fille dans une salle de cinéma.
'STEADY' commence lentement et ennuyeux mais reprend le refrain et se transforme en un autre solide morceau de Hard Rock. L'heure de la ballade vient avec 'Is That A Street Light Or The Moon?'. Je n'aime pas la tentative de chanter ultra haut, ça paraît idiot. Smith a déjà une gamme plus élevée, mais cela ressemble à un chat strident. Vers la fin, il revient à son style de chant habituel mais la chanson est déjà un lavis. J'aime l'orchestration et les cordes, mais pas la voix.
Starz est un KISS de qualité inférieure avec une touche d'Aerosmith, de Ted Nugent et de Cheap Trick en un. L'album est plein de Hard Rock solide et les paroles font rire tout en conservant leur mélodie et leur rime. Ritchie Ranno sonne comme Space Ace à plus d'une occasion, mais il délivre une attaque de guitare unique. Ça vaut le coup de vérifier si vous aimez le hard rock des années 70 à propos de faire la fête et d'avoir des filles. Chansons préférées : 'Cherry Baby', 'Violation', 'Cool One', 'Sing It, Shout It', 'Subway Terror'. Si je devais noter cet album sur une échelle de 10, je lui donnerais 8,5.
