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Anthology 3 (1996)
"Anthology 3" est une compilation sortie en Novembre 1996 dans le cadre de la collection The Beatles Anthology. Ce double album contient des enregistrements rares et des versions alternatives des chansons des Beatles, depuis les sessions initiales de l’Album Blanc, jusqu'aux dernières de "Abbey Road".
Contrairement aux deux premiers volumes de la collection, aucun nouvel enregistrement des trois musiciens survivants n'y a été inclus.
Fin Mai 1968, au retour de leur séjour en Inde, le groupe s'était réunit à Kinfauns, le domaine de George Harrison, pour y enregistrer des maquettes de plusieurs chansons dont la plupart seront réenregistrées pour leur prochain album. On trouve sept de ces enregistrements. Les vingt-sept pistes seront plus tard remixées et publiées dans le disque bonus de la réédition du 50e anniversaire de l'Album blanc en 2018.
Les autres pistes sont tirées des séances d'enregistrement des albums "The Beatles", "Let It Be" et "Abbey Road". De plus, une demo de la chanson "Come and Get It" est composée et jouée seul par McCartney. Elle sera réenregistrée par Badfinger comme chanson thème du film "The Magic Christian" qui met en vedette Peter Sellers et Ringo Starr. Outre la chanson déjantée inédite "What's the New Mary Jane", certaines pistes seront reprises par leurs auteurs sur leurs albums solo, tels "Junk", "Not Guilty" ou "All Things Must Pass".
"Anthology 3" s'ouvre avec "A Beginning", une orchestration de George Martin qui devait apparaître en introduction de la chanson "Don't Pass Me By" de l'Album Blanc, et ne possède pas de nouvel enregistrement de John Lennon complété par le groupe.
Offerts par Yoko Ono, les Beatles possédaient pourtant deux autres enregistrements de démonstration de leur collègue disparu; "Now and Then" et "Grow Old with Me". Comme cette dernière avait déjà été publiée sur l'album posthume "Milk and Honey" de Lennon, elle n'a pas retenue pour le projet. En 1998, à la demande de Yoko Ono, cet enregistrement, datant de 1980, est réhaussé d'une orchestration composée et dirigée par George Martin, avec son fils Giles à la basse, afin d'être inclus dans l'album compilation "John Lennon Anthology". En 2019, un tout nouvel enregistrement de la chanson, avec McCartney invité à la basse et aux chœurs, est publié par Ringo Starr sur son album "What's My Name". Le producteur Jack Douglas inclus, dans son arrangement de cordes, une courte mélodie tirée de la chanson "Here Comes the Sun" de George Harrison4.
Le 22 Juin 1994, avec Jeff Lynne à la console, Paul McCartney, Ringo Starr et George Harrison tentent de terminer "Now and Then" mais le travail est rapidement abandonné car ce dernier en est insatisfait à cause surtout de la qualité sonore inadéquate. Plus tard, une collaboration McCartney / Harrison intitulée "All for Love" est envisagée mais l'idée meurt dans l'œuf et une relecture de la chanson "Let It Be" est envisagée mais un des membres du groupe y a apposé son véto. Pour entendre une version finalisée de "Now and Then", il faudra attendre jusqu'en 2023, au moment où la technologie de séparation des sons permette un produit final de qualité.
En termes de qualité d'écoute, ce volume est peut-être le plus solide des trois, ne serait-ce que parce qu'il se concentre presque exclusivement sur les enregistrements en studio plutôt que de mélanger des concerts / émissions en live et des chutes. De plus, à cette époque, les Beatles avaient perfectionné leur approche de l'enregistrement, ce qui signifie que même les versions antérieures / alternatives de bon nombre de leurs morceaux étaient souvent d'une qualité exceptionnelle.
Il y a des choses de premier ordre comme des demos unplugged de l'Album Blanc datant de la mi-1968, des versions radicalement différentes de "While My Guitar Gently Weeps" et "Helter Skelter", un "The Long and Winding Road" sans cordes, trois dems solo de Harrison magnifiquement chantées et jouées datant du début de 1969, et plusieurs chansons que les Beatles n'ont jamais sorties, comme "All Things Must Pass", "Not Guilty", "Teddy Boy", "Come and Get It", et "Junk".
Bien entendu, tout n'est pas si génial que cela. Comme sur les précédents coffrets Anthology, certains de ces morceaux alternatifs ne sont que très légèrement différents des versions officielles; les reprises de l'époque "Let It Be" sont des jams hors normes qui ne sont pas à la hauteur du niveau de brillance habituel du groupe.
Il s'agit néanmoins d'une collection quelque peu fascinante, et, cette fois, aucun single ou maxi ne fut publié pour accompagner la sortie de cette dernière compilation.

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2016 Blues of Desperation
"Blues of Desperation" de 2016 est en grande partie une continuation du Blues Rock brillant et varié entendu sur "Different Shades of Blue". Sur cet album de 2014, Joe Bonamassa s'était associé à un certain nombre de compositeurs de Nashville pour l'aider à affiner son matériel original, et il ramène la plupart d'entre eux pour "Blues of Desperation".
La teneur des morceaux est quelque peu lourde et la production porte également un lest, quelque chose qui vient en relief sur le morceau-titre à saveur de Led Zeppelin, mais qui peut être entendu tout au long du disque. Souvent, il revient à ce Blues revigoré, quelque chose qui est plus attrayant quand il boogie ("You Left Me Nothin' But the Bill and the Blues") que quand il claque ("Distant Lonesome Train"), et tandis que cela ancre la majeure partie du disque, les moments qui persistent sont les départs.
En général, cela prend la forme d'un flirt avec la Soul, c'est un courant sous-jacent sur "No Good Place for the Lonely" mais il remonte à la surface sur le doré "The Valley Runs Low", mais le plus amusant est le shuffle vintage de la Nouvelle-Orléans de "Livin' Easy", une chanson qui suggère que Bonamassa pourrait avoir des surprises en réserve s'il décidait un jour de mettre de côté ses fidèles Les Pauls le temps d'un album complet.

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1973 Jumpin' the Gunne
Jay Ferguson a écrit les dix chansons de "Jumpin' the Gunne", un album de 1973 produit par Bill Szymczyk.
En effet, à cette époque, Mark Andes n'est plus là laissant son frère Matt Andes à la guitare et Jay Ferguson aux claviers, au chant et à la seconde guitare, et les abandonnant à leur propre sort.
"At the Spa" et "Monkey Music" ont tous deux leurs bons moments, mais dans ces grooves on ne retrouve pas l'intensité de leur premier succès "Run Run Run".
"To the Island" n'est pas du tout "Thunder Island", tandis que "Getaway" ressemble un peu à une reprise des Doobie Brothers. Jo Jo Gunne a fait la première partie des Doobies après leur premier album. Le son de " Couldn't Love You Better " résume assez bien ce disque: un album Rock sans grand intérêt avec une pochette qui est la plus politiquement incorrecte que l'on puisse imaginer.
L'énigme des ramifications de Spirit est dans toute sa splendeur sur "Jumpin' the Gunne", des musiciens qui auraient dû rester dans le programme original. Les trois quarts de ce groupe se sont réunis avec Randy California, Ed Cassidy et Mark Andes pour l'album live Spirit of '84, et bien que tout soit assez bien accordé, et parfaitement enregistré par Bill Szymczyk, il n'y a tout simplement pas de matériel à proprement parler. Cela aurait été le moment idéal pour le groupe de faire un album de morceaux d'autres personnes.
Il y a de l'énergie, mais, malheureusement, sans accroche ni mélodie, elle se dissipe dans l'air.

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2015 - The Sound of Blue
Phil Manzanera est, indéniablement, l'un des plus grands guitaristes de notre époque; on l'a appelé Maestro Manzanera pour l'édition 2015 de La Notte della Taranta à Melpignano, en Italie.
"The Sound of Blue" est une création et une démonstration d'un héritage vivant façonné par le génie de Phil pour la collaboration créative. Il semble être le fruit d'années d'histoire d'amour avec la guitare. Il est à la fois captivant et enivrant. Il est difficile de l'éteindre et elle reste dans ma tête longtemps après la fin.
Cette œuvre combine des qualités éthérées et une guitare rythmique Hard Rock engageante. Phil fait preuve d'une maîtrise de la production digne d'un magicien. "The Sound of Blue" est orchestré de la première à la dernière piste en séquences rythmiques carrées qui augmentent et s'étendent à chaque nouvelle piste. On a l'impression d'un voyage et d'une histoire.
La musique commence avec "Magdalena", qui s'apaise et prend de l'ampleur à chaque battement. Chaque morceau gagne en intensité, ajoutant une excitation rythmique agrémentée de voix robustes, jusqu'à un crescendo qui se termine par la version de Phil de "No Church in the Wild", avec son adaptation unique et experte du rythme.

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1991 Fellow Hoodlums
"Fellow Hoodlums", paru en 1991, est le troisième album de de Deacon Blue à son meilleur qui montre un groupe plus confiant et concentré, et moins précipité.
Certes, il n'y a pas de véritables Hits et l'album n'est pas beaucoup passé à la radio, il n'a d'ailleurs pas eu beaucoup de succès aux Etats-Unis, mais les chansons sont pourtant tout simplement belles et élégantes.
Les meilleurs titres sont "James Joyce Soles", "The Wildness" et "A Brighter Start Than You Will Shine". Mais le charmant et joyeux "Closing Time" pourrait bien être le meilleur morceau du groupe, juste derrière "Dignity". "Fellow Hoodlums" est bien plus cohérent que "When The World Knows Your Name" de 1989.
De toute la discographie de Deacon Blue, "Fellow Hoodlums" est certainement leur effort le mieux conçu et le plus libre.
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1976 - Hooray for Cool Times
"Hooray for Cool Times", paru en 1976, est un très bon album de l'ancien batteur / chanteur du groupe de Hard Rock Texan, Bloodrock. On y trouve beaucoup de morceaux mélodiques et enlevés, mais aussi des morceaux Heavy Rockin'.
Le départ de Jim Rutledgede de Bloodrock avant l'album "Passage" a marqué ce que beaucoup ont considèré comme un déclin de la qualité de Bloodrock, et Lee Pickens, qui joue sur cet album, est parti à peu près à la même époque. La rumeur veut que Rutledge soit parti à l'origine pour se lancer dans une collaboration avec John Nitzinger pour un album solo, qui a été réalisé mais qui n'est jamais sorti.
La chanson titre est un morceau particulièrement agréable, un morceau réfléchi qui ressemble un peu à "Here I Go Again" de Whitesnake dans la première partie, et les morceaux plus Hard comme "Soul Survivor", "Drivin' You Insane" et "On My Way Up" sont parmi les meilleurs et les plus funky Hard Southern Rocks jamais entendus.
Les autres musiciens présents sur ce disque sont Doug Rhone (Gladstone / Neil Diamond), Michael Rabon (The Five Americans / Choctaw / solo), Jim Grant (Michael Rabon, The Five Americans), Thom Caccetta (Michael Rabon, Doc Severinsen), Dahrell Norris (Sonny & Cher, Freddy Fender, Dr. John) et Kenneth Whitfield (Texas Muzic Machine - With Jim Rutledge)...

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Haute Tension
Après deux titres ("Be Bad Man" et "One Of These Days") sur la compilation "Rock d'ici vol. 2" en 1978 et un premier album en 80, Speed Queen a débarqué chez CBS et a enregistré un album magistral!
Pour des raisons commerciales évidentes, le groupe s'est mis au Français pour l'occasion. C'est que CBS aussi est à la recherche du "nouveau Trust" grâce auquel le label pourrait décrocher la timbale...
Ce changement de langue s'avère payant puisque les titres de cet album bénéficient d'une bonne production qui change un peu la donne.
Le hard de Speed Queen, proche d'AC/DC, a déjà à la base de quoi intéresser tout amateur bde Hard et, en y ajoutant la voix très Rock et sexy de Stewie, on a vraiment de quoi adorer.
Le morceau d'ouverture, "Haute Tension", est particulièrement jouissif czr c'est Incontestablement une des pierres angulaires du Hard Rock à la française.
Certains titres, comme "Pas tout Seul" ou "Cool It Down", auraient quant à eux très bien pu passer à la radio.
A noter la participation vocale de Lemmy, et en français en plus, au morceau "Revanche". Il faut qire que Speed Queen avait tourné en première partie de Motörhead et que le groupe avait déjà dédié un titre de son premier album au fameux bassiste / chanteur...
Malgré tous ses atouts, ce deuxième album restera confidenciel et ce sera le dernier du groupe...

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1971 - The Cry of Love
"The Cry of Love", sorti en 1971, est la première des sorties posthumes du catalogue de Jimi Hendrix et probablement la meilleure, car elle rassemble la plupart des morceaux de studio qui avaient été achevés ou presque avant la mort d'Hendrix.
Certains de ces morceaux, comme "Angel" et "Ezy Rider", sont devenus des pièces bien connues dans le canon de Hendrix, mais ils côtoient des joyaux moins connus comme "Night Bird Flying" et le dylanesque "My Friend".
"Cry of Love", en tant qu'album, n'est plus qu'une note de bas de page, puisque la succession d'Hendrix a recompilé, selon les spécifications d'Hendrix, "First Rays of the New Rising Sun".
Ce double album, à l'origine, contient non seulement l'intégralité de l'album "Cry of Love", mais aussi les meilleurs titres studio de "Rainbow Bridge", "War Heroes" et "Crash Landing", présentés dans un son radicalement amélioré...

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Let It Be… Naked (2003)
Dans sa forme originale, "Let It Be" avait marqué la fin d'une époque, mettant un terme à l'existence des Beatles et marquant, au sens propre comme au sens figuré, la fin des années 60.
L'album de 1970 avait été le fruit de séances de travail frictionnelles que le groupe voulait voir comme un retour aux sources organique et dépouillé. Au lieu de cela, les interminables heures de bandes furent finalement confiées à Phil Spector, car ni les Beatles, qui se divisaient rapidement, ni leur producteur de longue date George Martin ne voulaient passer au crible les volumineux résultats.
"Let It Be... Naked", paru en 2003, remet pratiquement les pendules à l'heure en revisitant les sessions litigieuses, en supprimant les orchestrations de Spector, en retravaillant l'ordre de passage et en supprimant toutes les plaisanteries extemporanées en studio.
Sur cette version de l'album, les titres de remplissage ("Dig It", "Maggie Mae") sont abandonnés, tandis que la juteuse face B "Don't Let Me Down" est ajoutée. Le remaniement le plus évident concerne les chansons dont l'orchestration a été confiée en grande partie à Spector.
La suppression des orchestrations de "The Long and Winding Road" et "Across the Universe" donne à la voix de Paul McCartney beaucoup plus de résonance sur la première, et fait de même pour la voix et la guitare de John Lennon sur la seconde.
Cette version alternative de "Let It Be" renforce la puissance de l'album, retrouvant la qualité brute et sans fioritures qui devait être sa carte de visite dès le départ...

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2018 - Black Coffee
L'association Beth Hart / Joe Bonamassa s'est rapidement avéré mutuellement bénéfique. Leurs deux albums studio et leurs concerts ont montré que l'alchimie entre les deux musiciens était plus qu'évidente: Ils partagent le même langage, celui du Blues de Chicago et de la Soul classique.
Le tandem s'appuit sur cette interaction sans effort sur "Black Coffee", sorti en 2018. En travaillant avec le producteur Kevin Shirley, les deux hommes évitent le traditionalisme pur et dur au profit d'une ambiance propre, colorée et rétro.
Parfois, le duo fait des choix qui sont peut-être un peu trop évidents comme les reprises de "Saved" de LaVern Baker et de "Sittin' on Top of the World" de Howlin' Wolf, mais ils savent aussi comment augmenter l'intensité de ces morceaux tout en évitant de sonner comme s'ils étaient sous stéroïdes.
Cependant, les points forts de "Black Coffee" sont les originaux et les chansons moins connues, car ils révèlent qu'il y a beaucoup de points communs entre le témoignage de Hart et le shredding de Bonamassa.
Il est intéressant de noter que ce terrain d'entente est plus formel que ne le sont leurs albums solo respectifs, Hart se penchera sur les interprétations personnelles de la musique Roots tandis que Bonamassa se laissera aller aux mythes du Blues, mais c'est là tout l'attrait.
"Black Coffee" est peut-être leur testament le plus efficace à ce jour.

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1974 "So...Where's the Show?"
"So...Where's the Show?" de Jo jo Gunne, paru en 1974, est un bon retour en forme. Le remplacement du guitariste Matt Andes par John Stahely a abouti à un groupe plus carré, plus concentré et généralement plus intéressant que jamais.
Jay Ferguso a, en effet, abandonné le synthétiseur au profit d'un son de piano jazzy, une décision inspirée compte tenu des circonstances. La combinaison donne de la vie même aux chansons les plus faibles.
Lorsque le groupe s'attaque à une chanson avec une accroche à peu près décente, le résultat est splendide. Il n'y a pas un seul morceau qui soit vraiment raté.
S'il était inévitable que Jo Jo Gunne se sépare, ils ont au moins laissé un bon album derrière eux, et c'est celui-ci! ...

[lienard]

1976 - Hooray for Cool Times
"Hooray for Cool Times", paru en 1976, est un très bon album de l'ancien batteur / chanteur du groupe de Hard Rock Texan, Bloodrock. On y trouve beaucoup de morceaux mélodiques et enlevés, mais aussi des morceaux Heavy Rockin'.
Le départ de Jim Rutledgede de Bloodrock avant l'album "Passage" a marqué ce que beaucoup ont considèré comme un déclin de la qualité de Bloodrock, et Lee Pickens, qui joue sur cet album, est parti à peu près à la même époque. La rumeur veut que Rutledge soit parti à l'origine pour se lancer dans une collaboration avec John Nitzinger pour un album solo, qui a été réalisé mais qui n'est jamais sorti.
La chanson titre est un morceau particulièrement agréable, un morceau réfléchi qui ressemble un peu à "Here I Go Again" de Whitesnake dans la première partie, et les morceaux plus Hard comme "Soul Survivor", "Drivin' You Insane" et "On My Way Up" sont parmi les meilleurs et les plus funky Hard Southern Rocks jamais entendus.
Les autres musiciens présents sur ce disque sont Doug Rhone (Gladstone / Neil Diamond), Michael Rabon (The Five Americans / Choctaw / solo), Jim Grant (Michael Rabon, The Five Americans), Thom Caccetta (Michael Rabon, Doc Severinsen), Dahrell Norris (Sonny & Cher, Freddy Fender, Dr. John) et Kenneth Whitfield (Texas Muzic Machine - With Jim Rutledge)...

Comique .. je l'ai transféré en version CD il y a 1 an ..

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1976 - Hooray for Cool Times
"Hooray for Cool Times", paru en 1976, est un très bon album de l'ancien batteur / chanteur du groupe de Hard Rock Texan, Bloodrock. On y trouve beaucoup de morceaux mélodiques et enlevés, mais aussi des morceaux Heavy Rockin'.
Le départ de Jim Rutledgede de Bloodrock avant l'album "Passage" a marqué ce que beaucoup ont considèré comme un déclin de la qualité de Bloodrock, et Lee Pickens, qui joue sur cet album, est parti à peu près à la même époque. La rumeur veut que Rutledge soit parti à l'origine pour se lancer dans une collaboration avec John Nitzinger pour un album solo, qui a été réalisé mais qui n'est jamais sorti.
La chanson titre est un morceau particulièrement agréable, un morceau réfléchi qui ressemble un peu à "Here I Go Again" de Whitesnake dans la première partie, et les morceaux plus Hard comme "Soul Survivor", "Drivin' You Insane" et "On My Way Up" sont parmi les meilleurs et les plus funky Hard Southern Rocks jamais entendus.
Les autres musiciens présents sur ce disque sont Doug Rhone (Gladstone / Neil Diamond), Michael Rabon (The Five Americans / Choctaw / solo), Jim Grant (Michael Rabon, The Five Americans), Thom Caccetta (Michael Rabon, Doc Severinsen), Dahrell Norris (Sonny & Cher, Freddy Fender, Dr. John) et Kenneth Whitfield (Texas Muzic Machine - With Jim Rutledge)...

Comique .. je l'ai transféré en version CD il y a 1 an ..

J'étais tombé dessus pae hasard quand je faisait la Bio de Bloodrock!

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2009 - Before The Fire
L'album "Before The Fire", sorti en 2009, montre les Rival Sons comme un groupe qui mélange proprement l'héritage musical d'Anglais comme The Who jusqu'à Free avec une tonalité américaine décontractée comme celle de The Black Crowes.
"Run From Revelation" n'a pas seulement un titre évocateur, mais aussi une guitare pour les couplets pêchée à la Nouvelle-Orléans. Bien sûr, il y a quand même des chansons comme "You Want To", qui est une sorte d'hommage: les riffs de Led Zeppelin, son chanteur Robert Plant. Le puissant monument de deux chansons "Manifest Destiny", un colosse de riffs psychédéliques avec l'empreinte de Led Zeppelin, s'inscrit également dans cette veine.
Mais avec "Nava", il y a aussi un instrumental de guitare acoustique aux accents indiens. Et l'enjoué "All The Way", qui sonne comme si Creedence Clearwater Revival réinterprétait "Let There Be Rock" d'AC / DC, sauf que le chanteur Jay Buchanan ne fait qu'indirectement l'éloge du Rock, en racontant comment la guitare lui a permis, alors qu'il était un jeune homme chétif, de trouver des filles et de prendre confiance en lui. Buchanan souligne encore une fois la polyvalence de son chanteur et de son groupe dans le morceau de fin d'album "True".
"Before The Fire" est un excellent album...

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1992 Roadhouse Stomp!
"Roadhouse Stomp" de Craig Erickson, paru en 1992, est très probablement le meilleur album de Heavy Blues Rock sorti en 1992 dont la plupart des gens n'ont jamais entendu parler.
Originaire de Cedar Rapids, dans l’Iowa, Craig est un guitariste de premier plan. Il est doué pour le Rock, le Blues, le Funk et le Jazz. Son père, qui a été un guitariste de Jazz bien connu dans les années 50 sur la côte Est, a été une grande influence dans sa vie, tout comme Jimi Hendrix, Tommy Bolin, Jeff Beck, Robin Trower ou encore Eric Johnson.
Cet album est un kaléidoscope de genres, mélangeant leurs couleurs exotiques dans un spectacle impressionnant de lumière brillante. On y retrouve le Blues Texan de Stevie Ray Vaughn avec "Heartbreak Train" et "Catch That Plane", "Midnight Highway" qui aurait parfaitement sa place sur les albums de ZZ Top, "Tres Hombres" ou "Fandango", le Funk / Rock de "Overtime", les titres heavy, mais merveilleusement mélodiques, "The Storm", "River Song", "Starry Sea" et "Tell Me The Truth", les guitares à plein régime de "Tearin' It Up", l'élégance profonde de "The Loneliest Hour" et, enfin, le riffing entraînant de "Blues Avenue".
Tout au long de ces chansons, les remarquables solos musclés, subtils et soulful d'Erickson sont d'un tel goût que l'on pourrait presque se lasser de sa douce sonorité, de son sustain exceptionnel et de son phrasé délicieux! Sa voix, profondément émotive, correspond parfaitement à ces chansons.
"Roadhouse Stomp!" est un disque de début remarquable d'un génie malheureusement négligé. C'est un album rare à absolument collectionner!...

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1969 - Led Zeppelin
Rapidement enregistré dans des conditions live, et seulement trois mois après la fondation du groupe par Page, "Led Zeppelin" est sorti le 12 Janvier 1969 sur Atlantic Records aux États-Unis et le 31 Mars 1969. Cet album a lancé la carrière du groupe.
"Led Zeppelin" est produit par Page et les titres ont été mixés par Glyn Johns, ami d'enfance de Page. Selon Page, la majeure partie de l'album a été enregistrée en live, avec des overdubs ajoutés plus tard. Il fut enregistré en seulement 36 heures, ce qui explique l'uniformité et la continuité du son, et sa couleur 'live' malgré l'enregistrement studio, fait inédit pour un groupe aussi jeune.
"Led Zeppelin" est représentatif du style généralement associé au groupe, la fusion de Heavy Hard Rock teinté de Blues, mélangé à des expérimentations psychédéliques, et de passages acoustiques et plus calmes, et de leur son alors unique, conçu en grande partie par Page. Face à des morceaux puissants comme "Dazed and Confused" ou encore "Communication Breakdown" apparaissent des chansons plus calmes, comme l'instrumental aux sonorités orientales "Black Mountain Side".
Quasiment tous les morceaux sont des premières prises sur lesquelles Page a ensuite rajouté les autres pistes de guitare. Cela fut rendu possible par la cohésion du groupe et l'expérience accumulée lors des tournées précédant l'album, notamment en Scandinavie.
Sur "You Shook Me", Page a utilisé la technique de "l'écho inversé". Elle consiste à entendre l'écho avant le son principal au lieu de le suivre, et est obtenue en retournant la bande et en enregistrant l'écho sur une piste libre, puis en retournant à nouveau la bande pour obtenir l'écho précédant le signal.
N.B.: Plant a participé à l'écriture des chansons mais n'a pas été crédité en raison d'obligations contractuelles non expirées envers CBS Records. Mais il a été crédité rétroactivement sur " Good Times, Bad Times ", " Your Time Is Gonna Come ", " Communication Breakdown ", " Babe I'm Gonna Leave You " et " How Many More Times ".
"Led Zeppelin" est l'un des premiers albums à être publié en stéréo uniquement. Auparavant, ils étaient publiés en versions mono et stéréo séparées.
Sa version du son Hard Rock émergent est immédiatement un succès commercial au Royaume-Uni et aux États-Unis, atteignant le top 10 des classements d'albums dans ces deux pays, ainsi que dans plusieurs autres, tandis qu'il atteint la première place du classement des albums en Espagne.
Ce succès annonce l'ascension du groupe au sommet durant les années 1970, avec quatre albums publiés en l'espace de deux années.

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Rainbow Bridge
À l'époque où "Rainbow Bridge" est sorti, en 1971, c'était en fait l'un des meilleurs albums posthumes d'Hendrix. Présenté comme "la bande originale du film" (ce n'était pas vraiment le cas), il s'agissait d'un mélange d'excellents morceaux studio finis et de quelques morceaux live. Malgré cela, il est compréhensible qu'il ne soit apparu dans le monde numérique qu'en 2014.
Lorsque la succession est revenue à la famille Hendrix dans les années 90, trois des titres de Rainbow Bridge ont été utilisés sur l'album "First Rays of the New Rising Sun", qui n'existait auparavant que sous la forme d'une liste de titres écrite à la main par Jimi. Les autres titres sont restés orphelins dans divers coffrets et compilations.
Parmi les points forts, on trouve des perles oubliées comme "Pali Gap" et la version studio rarement entendue de "The Star Spangled Banner" de Jimi, qui est composée de guitares et de basses multipistes.

[Remi Aldo]

1992 Roadhouse Stomp!

Vu en 1994 à Music Expo, dans le style Stevie Ray ou Walter Trout, un blues rock bien musclé ( vu aussi, à ce même Music Expo Michael Lee Firkins)

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1992 Roadhouse Stomp!

Vu en 1994 à Music Expo, dans le style Stevie Ray ou Walter Trout, un blues rock bien musclé ( vu aussi, à ce même Music Expo Michael Lee Firkins)

Et très bon guitariste!

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Love (2006)
"Love" est un album sorti en Novembre 2006 contenant de la musique compilée, réinventée et remixée des Beatles. George Martin et son fils Giles l'ont produit en collaboration avec le Cirque du Soleil pour en faire la trame sonore du spectacle "Love", présenté de 2006 à 2024 sur la scène de l'hôtel du Mirage à Las Vegas.
Pour créer cet album, George et Giles Martin ont utilisé, mais pas sur tous les titres, la technique dite du mashup, c'est-à-dire le fait de mêler plusieurs titres, plusieurs pistes de provenances diverses, au sein de la même chanson.
Les producteurs ont uniquement utilisé les enregistrements originaux, à l'exception d'une nouvelle orchestration composée par George pour la chanson "While My Guitar Gently Weeps", mais ils l'ont présenté d'une manière entièrement différente.
À ce jour, en 2024, l'album s'est écoulé à huit millions d'exemplaires.