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[Titis]

Colosseum est un merveilleux groupe à la carrière irréprochable
Le mélange de blues, de jazz prog et surtout la qualité du jeu de batterie m'a toujours scotché .

[alcat01]

Colosseum est un merveilleux groupe à la carrière irréprochable
Le mélange de blues, de jazz prog et surtout la qualité du jeu de batterie m'a toujours scotché .

Hiseman était un batteur de génie!

[alcat01]

1972 : Live at the Paramount
En 1972, the Guess Who enregistrent leur album très acclamé "Live at the Paramount" qui fut enregistré au Paramount Theatre de Seattle. Ce sera le premier et le seul album live jusqu'à leurs retrouvailles en 1984.

A catte occasion, le groupe a donné un spectacle véritablement passionnant.
Cet album est une véritable tuerie, montrant un duo de lead guitaristes qui caractérise leur son live dans sa gloire fulgurante, énergisant même des chansons familières comme "New Mother Nature", et Burton Cummings très près du sommet de sa forme avec le groupe en tant que chanteur.

[alcat01]

En 2003, un nouveau album d'Uli Jon Roth, "Metamorphosis of Vivaldi's IV Seasons", est édité.
Les quatre concertos pour violon qui constituent l'œuvre des "Quatre Saisons" de Vivaldi comptent sans doute parmi les thèmes les plus connus de la musique classique. Bien longtemps après la mort de leur auteur, qui ne fut d'ailleurs jamais reconnu de son vivant, cette œuvre continue d'enchanter les oreilles des amateurs éclairés comme celle des profanes.

Adaptée plus de 700 fois, il semble finalement normal qu'elle passe enfin entre les doigts experts du maître de la guitare néo-classique, Uli Jon Roth. Mentor d'Yngwie Malmsteen (parmi d'autres), il a en effet décidé, en cette année 2003, de proposer lui-aussi sa relecture des "Quatre Saisons".
Renommant les différents mouvements et les redécoupant à son goût, Uli ne se contente pas de réinterpréter l'œuvre, il la personnalise à son image.
Accompagné d'un orchestre symphonique, il prend le rôle de premier violon, puisqu'il se sert de sa Sky guitar (guitare à sept cordes) comme d'un véritable instrument classique. L'orchestre ne sert pas de faire-valoir, mais constitue le moule essentiel et principal dans lequel la guitare spéciale vient s'immiscer et s'installer.

Subtil et tout simplement magnifique, le jeu de guitare d'Uli imite le violon non seulement dans les notes jouées, mais aussi dans l'utilisation des différents effets inhérents à l'instrument: vibrato, legato, staccato, pizzicato... le maestro transcende sa guitare au service de l'œuvre, la faisant guillerette et sautillante au Printemps ("Venga la Primavera"), langoureuse et délicate en Automne ("Teardrops in October").
En accordant une importance à chaque détail, à chacune des notes extirpées du son de sa Sky guitar, il offre une leçon à tous les guitar-heroes en herbe et permet à la musique d'atteindre une nouvelle dimension, l'artiste parvenant à donner vie aux notes interprétées. Favorisant le feeling à la vitesse, Uli prouve que la musique n'est pas qu'une succession de notes. La manière dont elles sont interprétées est primordiale, et toutes les nuances proposées par le virtuose sont un véritable plaisir pour les oreilles.

Inutile de décomposer les mouvements, l'œuvre est connue de tous. On note cependant la présence de bruitages d'animaux, d'oiseaux de rivières, de tonnerre (déjà indiqués sur la partition originale), qui permettent de s'imprégner pleinement de chacune des quatre saisons dépeintes.
Parsemant le tout de poèmes de sa composition, Uli dote l'ensemble d'une atmosphère païenne inédite permettant d'apprécier l'œuvre sous un angle légèrement différent. Peintre émérite, l'écoute s'accompagne nécessairement de la contemplation conjointe du livret, ce dernier regorgeant d'illustrations du guitariste lui-même ou de reproductions de Rembrandt et Turner qui, alternant tons chauds et froids, ajoutent à la beauté de l'ensemble et aident à se perdre dans les magnifiques ambiances.
Si certains craignent de ne pas retrouver l'intensité ou la qualité des compositions originales, qu'ils se rassurent. A la fois respectueux de l'œuvre du maître et aventureux dans son propos, Uli reste totalement fidèle à la vision originelle de Vivaldi, épousant l'univers classique du compositeur et faisant de sa guitare un instrument d'orchestre à part entière.

La deuxième partie de l'album, constituée de variations et interprétations personnelles sur le thème des quatre saisons, se révèle tout autant magnifique et chatoyant. Chacune des notes interprétées par l'artiste est un plaisir intense qui génère chez l'auditeur une sorte d'exaltation contenue. L'extase est présente à chaque fin de phrase, à chaque accroche, le maître est au sommet de son art. Virevoltant entre les styles s'accordant plus de libertés sur ces compositions personnelles, Roth livre de véritables moments de pur bonheur.

Pièce maîtresse du style guitare néoclassique et oeuvre majeure dans la discographie du guitariste, "Metamorphosis of Vivaldi's IV Seasons" est à recommander absolument à tous les amoureux de guitare électrique et de musique classique.

[alcat01]

1970 Bitches Brew
Considéré par beaucoup comme l'un des albums les plus révolutionnaires de l'histoire du jazz, Bitches Brew de Miles Davis a consolidé le genre connu sous le nom de fusion jazz-rock.
Le double album original ne comportait que six titres et réunissait jusqu'à 12 musiciens à la fois, dont certains étaient déjà bien établis tandis que d'autres deviendraient plus tard des musiciens de premier plan : Joe Zawinul, Wayne Shorter, Airto, John McLaughlin, Chick Corea, Jack DeJohnette, Dave Holland, Don Alias, Bennie Maupin, Larry Young et Lenny White, entre autres.
Considéré à l'origine comme une série de longues jams enfermées dans des grooves autour de claviers, de basses ou de vamps de guitares, Bitches Brew est en fait un enregistrement que le producteur Teo Macero a assemblé à partir de diverses jams et prises à la lame de rasoir, d'un raccord à l'autre, d'une section à l'autre.

"Pharaoh's Dance" ouvre le set avec ses lignes de trompette glissantes, les figures de guitare serpentines de McLaughlin contournant le bord de la section rythmique et la conga de Don Alias se glissant au milieu. Les claviers de Corea et Zawinul créent un groove modal hanté et riffant, repris et accentué par les basses de Harvey Brooks et Holland. Le morceau-titre a été composé à l'origine comme une suite en cinq parties, mais seules trois d'entre elles ont été utilisées. Ici, les claviers s'imposent dans le mixage et les grands accords font résonner des harmoniques distordues sur lesquelles Davis peut jouer en solo, en dehors du mode. L'accompagnement de McLaughlin crée un effet de vampire, et la basse et la batterie se chargent du reste. C'est un petit avant-goût du funk vaudou profond qui apparaîtra sur les disques ultérieurs de Davis. La troisième face s'ouvre avec McLaughlin et Davis qui échangent des quatre et des huit sur un vamp hypnotique en lockstep sur "Spanish Key". La sensibilité lyrique de Zawinul fournit un quasi-refrain à Corea, dans lequel il peut se balader ; les congas et les batteurs se juxtaposent aux lignes de basse. Ce morceau se transforme presque en un bref "John McLaughlin", avec un orgue jouant des modes sous des notes de guitare blues arpégées. La fin de Bitches Brew, signifiée par l'excellent "Miles Runs the Voodoo Down", reflète l'influence de Jimi Hendrix avec ses accords glissés, et Davis jouant une mélodie fantomatique à travers le funk de la section rythmique. Il semble danser, devenant de plus en plus chaotique jusqu'à ce qu'il se désintègre presque avant de scintiller dans un nadir brumeux et lâche. Le disque s'achève sur " Sanctuary ", une ballade électrique complètement refaite pour ce groupe tout en gardant suffisamment d'intégrité pour être reconnaissable.
Bitches Brew est tellement avant-gardiste qu'il conserve sa fraîcheur et son mystère au 21ème siècle.

Thom Jurek

[ornen]

Selon moi, le plus grand album de Miles, avec In a silent way et Agharta. Enorme formation avec lui, que des géants ! J'ai commencé à aimer le jazz grâce à cet album à la pochette magnifique !

[alcat01]

Selon moi, le plus grand album de Miles, avec In a silent way et Agharta. Enorme formation avec lui, que des géants ! J'ai commencé à aimer le jazz grâce à cet album à la pochette magnifique !

[Tekilla1953]

1971 : So Long, Bannatyne
Enregistré en deux semaines en Juin, "So Long, Bannatyne" est sorti en 1971.
La couverture de l'album et la chanson-titre illustrent une transition dans la vie du membre Kurt Winter.
Bannatyne Avenue est situé à Winnipeg, la ville d'origine de The Guess Who.
Le recto de la pochette du LP vinyl a les mots "So Long, Bannatyne" sur une Chevy rouge avec une plaque d'immatriculation du Manitoba.
Dans le fond il y a un bâtiment portant la mention "Bannatyne Appartments". Sur le verso de la pochette, on retrouve est la Chevy rouge, mais, cette fois, dans un quartier résidentiel.

Produit par Jack Richardson, l'album, de nouveau avec les guitaristes Kurt Winter et Greg Leskiw à bord, s'ouvre par "Rain Dance" et le perceptif "She Might Have Been a Nice Girl", mais il tombe ensuite dans une sorte de méli-mélo de chansons presque sous-développées, décousues, en un mot, décourageantes.
Ainsi, le long "Goin' A Little Crazy", dans un style proche de Zappa dans sa conception est assez dur à écouter!
"Rain Dance", "Pain Train", "So Long, Bannatyne" sont du pur bonheur et "She Might Have Been A Nice Girl" est une superbe ballade.

"So Long, Bannatyne" n'est donc en définitive pas mauvais, mais il n'avantage pas le groupe, et il semble encore, après toutes ces années, comme une étonnante publication sous-produite avec, pourtant, des chansons plutôt mémorables.

Albert Flasher est un très bon morceau aussi, peut-être le plus "roots" de l'album

[Cooltrane]

1971 : So Long, Bannatyne
Enregistré en deux semaines en Juin, "So Long, Bannatyne" est sorti en 1971.
La couverture de l'album et la chanson-titre illustrent une transition dans la vie du membre Kurt Winter.
Bannatyne Avenue est situé à Winnipeg, la ville d'origine de The Guess Who.
Le recto de la pochette du LP vinyl a les mots "So Long, Bannatyne" sur une Chevy rouge avec une plaque d'immatriculation du Manitoba.
Dans le fond il y a un bâtiment portant la mention "Bannatyne Appartments". Sur le verso de la pochette, on retrouve est la Chevy rouge, mais, cette fois, dans un quartier résidentiel.

Si j'ai bonne souvenance, il y a encore une autre photo de la Chevy rouge (mais de profil) sur la pochette interne du disque, où le batteur Petersen nous dévoile son embonpoint déjà plus que naissant et les membres attifés comme des ploucs (qu'ils étaient un peu)

Album très médiocre, malgré quatre titres présentés dans le live (dont deux de plus dans la version CD remasterisée avec des bonus). Autant le Live Paramount était bon (possiblement leur meilleure plaque, à défaut d'être ma préférée), autant So Long et Rockin' sont plutôt mauvais.

Le bassiste s'en ira (je crois qu'il produira certains albums) et les remplaçants vont défiler aux guitares de toutes sortes durant cette période et le restant de la décennie (et nous ne sommes qu'en 71).
Breeeeefffff, TGW ne sera même plus l'ombre de lui-même pendant des décennies, même qd le quatuor de référence se reformera dans les 80's et 00's (sans nouvels albums).
Pour finir, après Paramount, le disque présentant +/- d'intérêt sera le plutôt court The Way They Were, un truc d'archive qui devait être les restes de American Woman et les titres pour l'album suivant.

[Cooltrane]

Selon moi, le plus grand album de Miles, avec In a silent way et Agharta. Enorme formation avec lui, que des géants ! J'ai commencé à aimer le jazz grâce à cet album à la pochette magnifique !

Les albums majeurs de Miles (àmha)

Kind Of Blue
Sketches Of Spain
Miles In The Sky
In a Silent Way
Bitches Brew
Jack Johnson
On The Corner
Live-Evil
Big Fun

Aghartha et Pangaea sont bons (mais pas pour tous les jours), mais ces albums sont bâclés d'une PDV son, je trouve.

BB lancera quatre/cinq groupes majeurs
Mahavishnu (Mcl & Cobbham)
Return To Forver (Corea & White)
Mwandishi (Hancock, Maupin
Weather Repôrt (Zawie et Shorter)
Lifetime (Williams & McL) - même si Lifetime existait déjà avant BB

[alcat01]

Nawfel 1999 Nawfel
Tout le monde connait plus ou moins Nawfel, ce jeune prodige Français de la guitare qui a joué avec Johnny Halliday ou Deep Purple, mais très peu savent qu'il a sorti un très bon album au début des années 2000.
Ce premier opus éponyme enregistré aux U.S.A. est sorti alors qu'il n'avait que 14 ans à ce moment-là.
La première chose que l'on peut dire à son écoute, c'est que Nawfel montre un goût certain en reprenant, entre autres, des compositions comme "Rock Steady" d'Aretha Franklin, "I Want To Take You Higher" de Sly Stne, "Go Back Home" de Stephen Stills, "May This Be Love" de Jimi Hendrix ou encore "Big Bird" des légendes de Motown, Booker T. et Eddie Floyd.
Ces reprises ne se contentent pas de reprendre fidèlement les originaux dans un large spectre musical qui s'étend du Rock au Blues, de la Soul au Funk en passant par le Rock latino.
Il est accompagné par des musiciens plus qu'expérimentés tels que le batteur Jim Keltner, le chanteur Ivan Neville, le claviériste Money Mark (Beasty Boys), ou encore Barry Goldberg qui a agi non seulement en tant que claviériste mais aussi en tant que producteur.
Bref, "Nawfel" est un album qui démontre les débuts incroyables d'un grand talent...
Dommage qu'il n'ait pas continué (il est maintenant disquaire à Soissons), car il était très doué!...

[alcat01]

Dixie Chicken (1973)
Little Feat continue a enregistré "Dixie Chicken" en 1973, un des albums les plus populaires du groupe, qui incorpore des influences et styles musicaux de New Orleans.
"Dixie Chicken" permet à Lowell George d'atteindre un nouveau sommet au niveau vocal.
Les illustrations de la couverture sont encore de l'illustrateur Neon Park. L'album est considéré comme l'album phare qui fera date avec la chanson "Dixie Chicken" comme leur chanson réfèrence qui a contribué à mieux définir le son de Little Feat.
L'adjonction d'un deuxième guitariste, Paul Barrere, permet à George de prouver qu'il est l'un des meilleurs joueur de slide de l'époque. Bill Payne crée des arrangements de cette atmosphère 'Honky New Orleans' et cela donne à l'ensemble un côté décontracté qui estompe quelque peu l'extraordinaire sophistication musicale qui émane du groupe.

Les morceaux sonnent tous parfaitement bien et les compositions sont plus que soignées:
La chanson "Dixie Chicken" assez chaude et funky, peut-être la meilleure du disque, ouvre de façon très agréable cet album.
Suit "Two Trains" continue dans un style funky tout autant inspiré.
La très belle ballade acoustique "Roll Um Easy" prend le relais et elle fait ressortir une atmosphère bérate et bienheureuse.
"On Your Way Down", écrite par Allen Toussaint, est une chanson lente, brûlante et enivrante.
"Kiss It Off" est un morceau étrange chanté joliment par Lowell George mêlant les congas de Clayton et le synthé de Payne.
Le morceau le plus difficile à juger, "Fool Yourself " signé Fred Tackett, est peut-être un peu moins bon, mais il est suivi dans la foulée par une chanson enjouée, "Walkin' All The Night".
Vient ensuite le morceau certainement le plus connu, "Fat Man In The Bathtub", avec l'humour bancal de George.
"Juliette" n'est rien d'autre qu'une magnifique chanson d'amour.
L'album se conclut par un instrumental "Lafayette Railroad", où la slide et les congas s'en donnent à coeur joie.

Ce disque respire le naturel, la sobriété et la passion. Bien que le succès boude le groupe, les fans de Little Feat s'entendent pourtant pour reconnaître que c'est l'album de la maturité.

[Leutte]

Avec l'aide de quelques musiciens de session, Moving Gelatine Plates est retourné en studio fin 1971 pour enregistrer un nouvel album intitulé "The World of Genius Hans".
Ce second opus est paru en Février 1972. Inoubliable de par sa drôle de pochette qui est tout simplement une des dix plus hideuses de l'histoire de la musique enregistrée montrant un homme à tête bovine (une vraie tête de vache), avec un blouson de cuir avec col en fourrure, du persil bourré dans les naseaux, les oreilles et en guise de chevelure, un cigarillo pris entre les 'dents' d'une bouche hautement inspirée, sur fond rose façon boucherie, il y aurait presque de quoi en faire des mauvais rêves. Il vaut surtout par un contenu de première force musicale symbolisant à lui seul toute la pertinence de la scène Française Prog.
C'est certainement une sorte de clin d'oeil au "Trout Mask Replica" de Captain Beefheart!
Dommage que cette pochette ne donne pas franchement envie d'acheter et d'écouter l'album, car "The World Of Genius Hans" est clairement un des meilleurs albums de Prog Rock expérimental Français avec le "Obsolète" de Dashiell Hedayat, le "Camembert Electrique" de Gong, et l'"Album A Colorier" d'Albert Marcoeur. Sans oublier, bien sûr, "Kobaïa" et "Mekanik Destruktiw Kommandöh" de Magma.

En seulement sept titres, "The World Of Genius Hans" est un disque vraiment fou, comme sa pochette. Moving Gelatine Plates n'a certainement pas grand chose à envier à Soft Machine.
Leur style est relativement identique, un Rock Progressif expérimental un peu bizarre, le genre de musique qui, à la première écoute, ne donne pas spécialement envie de passer à nouveau du temps à l'écouter dans le futur. Pourtant, ça serait bien dommage, tant "Astromonster", "Cauchemar", "Moving Theme" et surtout, "The World Of Genius Hans" sont de véritables bijoux musicaux.

L'album, mieux travaillé que le premier, bénéficia d'un meilleur accueil. On peut même dire que l'accueil du public (lorsqu'il pouvait trouver les disques) fut très positif. Mais, pourtant, le disque ne suscita pas une augmentation conséquente de spectateurs aux concerts. La scène a toujours plus servi de promotion au disque que l'inverse.
Les critiques furent aussi, en général, excellentes, du moins pour les journalistes qui avaient reçu le disque.

Ce deuxième LP, fut-il meilleur, ne changea rien au problème. "The World Of Genious Hans" souffrit des mêmes carences promotionnelles que son prédécesseur et scella la fin de Moving Gelatine Plates.
Les problèmes de distribution et de promotion n'ayant pas évolué par rapport au premier, cela a à nouveau pesé sur les ventes du disque. Pourtant, comme pour le premier album, "The World of Genius Hans" a reçu une réponse chaleureuse de la part des quelques critiques et auditeurs qui l'ont entendu, mais il fut, malheureusement, vendu à environ 10 000 exemplaires comme le premier.
C'est un disque finalement rare et méconnu qu'il faut absolument (re)découvrir!

[Cooltrane]

Dommage que cette pochette ne donne pas franchement envie d'acheter et d'écouter l'album, car "The World Of Genius Hans" est clairement un des meilleurs albums de Prog Rock expérimental Français avec le "Obsolète" de Dashiell Hedayat, le "Camembert Electrique" de Gong, et l'"Album A Colorier" d'Albert Marcoeur. Sans oublier, bien sûr, "Kobaïa" et "Mekanik Destruktiw Kommandöh" de Magma.

J'y rajouterais bien

[Harvest]

1969 In A Silent Way
C'est le genre d'album qui donne foi en l'avenir de la musique. Ce n'est pas du rock and roll, mais ça n'a rien de stéréotypé comme du jazz non plus. Tout à la fois, il doit presque autant aux techniques développées par les improvisateurs rock au cours des quatre dernières années qu'au bagage jazz de Davis. Elle fait partie d'une nouvelle musique transcendantale qui chasse les catégories et, tout en utilisant des dispositifs musicaux de tous les styles et de toutes les cultures, se définit principalement par son émotion profonde et son originalité sans affectation.
Miles a toujours suivi sa propre voie, c'est un musicien fort et digne qui n'a jamais fait le compromis (si empoisonné pour le jazz aujourd'hui) avec les modes "pop". Le fait qu'il ne se soit jamais soucié d'imposer des styles, mais qu'il ait poursuivi son expérience profondément ressentie depuis maintenant deux décennies, témoigne de son authenticité. Des albums comme Miles Ahead, Kind of Blue et Sketches of Spain ne vieillissent tout simplement pas et contiennent certaines des expériences les plus émouvantes que la musique puisse offrir. Dans son nouvel album, le meilleur qu'il ait réalisé depuis un certain temps, il se tourne vers la "space music" et vers un royaume révérencieux et intemporel de chansons pures, le genre de musique qui arrive de temps en temps et nous arrête momentanément, nous faisant penser qu'il s'agit peut-être du noyau autour duquel toutes nos routes musicales ont tourné, le son primal mais futuriste et totalement non-contrôlé qui donne la nourriture la plus profonde et la plus durable à nos âmes, la définition vivante et contemporaine du grand art.

Les chansons sont de longues jams avec un minimum de structure pré-planifiée. Qu'elles soient si cohérentes et soutenues témoigne de l'expérience et de la sensibilité des musiciens impliqués. Les lignes de Miles sont comme des coups de passion distillée, le genre de riffs évocateurs et libérateurs sur lesquels des décennies d'efforts construisent leurs styles. À part Charles Mingus, il n'y a aucun autre musicien vivant aujourd'hui qui communique une telle intensité ardente et contrôlée, la transformation des passions et des tensions inachevées de la vie en aventures sonores qui trouvent une place permanente dans votre conscience et influencent vos définitions de base de la musique. Et ses sidemen sont également à la hauteur de l'occasion, la plupart d'entre eux jouant mieux que je ne les ai jamais entendus auparavant. Certes, Herbie Hancock (piano), Wayne Shorter (sax ténor) et Joe Zawinul (orgue) n'ont jamais semblé aussi transportés. Le miracle du jazz est qu'un grand leader peut amener des musiciens simplement compétents à des sommets d'inspiration incroyables —; Mingus a toujours été célèbre pour cela, et Miles a de plus en plus prouvé qu'il était le maître de cet art incroyablement délicat.

La première face est occupée par une longue jam nommée « Shhh/Peaceful ». Le travail à la cymbale et au pinceau de Tony Williams et les subtiles arabesques de l'orgue de Zawinul créent un voyage dans l'espace, une ambiance de temps suspendu et des vues intérieures infinies. Mais lorsque Miles entre, l' humanité et la tendresse des doux cris de sa trompette suffisent à vous tirer des larmes. J'ai entendu dire que lorsqu'il faisait cet album, Miles écoutait Jimi Hendrix et Sly and the Family Stone, mais le sentiment ici est plus proche de quelque chose comme « 2000 Light Years From Home » des Stones. C'est de la musique spatiale, mais avec une composante extrêmement humaine qui la rend beaucoup plus émouvante et durable que la plupart de ses homologues rock.
La deuxième face s'ouvre et se referme sur le meilleur morceau de l'album, une prière intemporelle à la trompette intitulée "In a Silent Way". Il y a toujours eu quelque chose d'éternel et de pur dans la musique de Miles, et ce morceau capture cette qualité aussi bien que tout ce qu'il a jamais enregistré. Si, comme je le crois, Miles est un artiste qui traverse les âges, alors ce morceau fera partie de ceux qui traverseront les vastes étendues du temps pour rappeler aux générations futures l'unité de l'expérience humaine.
Entre les deux prises de "Silent Way" se trouve "It's About That Time", une space jam laconique et retenue qui rappelle un peu celle de la première face mais qui est un peu plus tranchante, permettant à l'éthos blues féroce de Miles de s'exprimer davantage. C'est le morceau qui pourrait être lié à l'intérêt de Miles pour Hendrix et Sly.

On dit que le jazz est devenu ménopausé, et il y a beaucoup de vérité dans cette affirmation. Le rock aussi semble avoir souffert d'une pléthore abrutissante de sons standardisés. Mais je crois qu'il y a une nouvelle musique dans l'air, un art total qui ne connaît ni frontières ni catégories, une nouvelle école dirigée par des génies indifférents à la mode. Et je crois aussi que la puissance inéluctable et l'honnêteté de leur musique prévaudront. Miles Davis est l'un de ces génies.

Lester Bangs

Je sais pas en quelle année Bangs a écrit ce texte, mais dire du jazz qu’il est ménopausé c’est au minimum avoir loupé quelques étapes. Mais bon avec Bangs on est jamais déçu, les conneries écrites fusent.

[alcat01]

Tons of sobs (1968)
Le premier album de Free, "Tons Of Sobs", sorti en Novembre 1968 sur le label Island Records et produit par Guy Stevens est un flop total.
Le titre a été inventé par Stevens et le disque a été enregistré en une semaine. Il est représentatif de ce que le groupe donne sur scène, un Blues Rock chaud et généreux avec des titres originaux signés par Paul Rodgers ("Over the Green Hills", "Worry", "Walk in my Shadow", "Sweet Tooth") un titre signé Rodgers-Kossoff ("Moonshine") et les deux premiers titres signés Rodgers-Fraser, ("Wild Indian Woman" et "I'm a Mover") qui vont devenir les principaux compositeurs du groupe, plus deux reprises: le long "Going Down Slow", reprise d'Howlin' Wolf, et "the Hunter" de Booker T & The MG's qui va devenir leur cheval de bataille sur scène.
Le titre "I'm a Mover" sort en single sans succès, mais il va devenir au fil des ans, le premier classique de Free, repris entre autre par des groupes comme Van Halen et Cinderella.

Malgré le succès timide de ce premier opus, on y entrevoit les bases du style si caractéristique du groupe: rythme lourd et basse élastique agrémentés de la voix magistrale de Paul Rodgers et du jeu de guitare très émotif de Paul Kossoff.
En dépit de leur manque de succès dans les Charts à ce jour, le groupe bénéficiait d'un public fidèle construit sur des tournées régulières en Grande-Bretagne.

[Leutte]

Tons of sobs (1968)
Le premier album de Free, "Tons Of Sobs", sorti en Novembre 1968 sur le label Island Records et produit par Guy Stevens est un flop total.

C’est dingue ça! C'est leur meilleur amha, bien meilleur que "Fire and Water".
Avec l'éponyme qui a suivi ça doit être le seul qu'il m'arrive encore d'écouter. Non pas que F&W soit un mauvais album, loin de là, mais bon entendre encore une fois All Right Now n'est pas envisageable.

[Cooltrane]

On dit que le jazz est devenu ménopausé, et il y a beaucoup de vérité dans cette affirmation. Le rock aussi semble avoir souffert d'une pléthore abrutissante de sons standardisés. Mais je crois qu'il y a une nouvelle musique dans l'air, un art total qui ne connaît ni frontières ni catégories, une nouvelle école dirigée par des génies indifférents à la mode. Et je crois aussi que la puissance inéluctable et l'honnêteté de leur musique prévaudront. Miles Davis est l'un de ces génies.

Lester Bangs

Je sais pas en quelle année Bangs a écrit ce texte, mais dire du jazz qu’il est ménopausé c’est au minimum avoir loupé quelques étapes. Mais bon avec Bangs on est jamais déçu, les conneries écrites fusent.

àmha, la chronique doit dater de la sortie du disque (en tout cas, il ne cite rien de postérieur à cet album... et surtout pas BB)

c'est vrai que LB est souvent un sombre crétin, mais il faut faire gaffe aux traductions numériques. De plus il ne dit pas cela de IASW, et il dit pas que l'expression est de lui, mais plutôt une affirmation de l'époque (et il y avait de quoi, avec les vieux cons d'alors qui crucifiaient Miles allant vers l'électrique).

Donc ici, je lui donne le bénéfice du doute.

[alcat01]

1971 : So Long, Bannatyne
Enregistré en deux semaines en Juin, "So Long, Bannatyne" est sorti en 1971.
La couverture de l'album et la chanson-titre illustrent une transition dans la vie du membre Kurt Winter.
Bannatyne Avenue est situé à Winnipeg, la ville d'origine de The Guess Who.
Le recto de la pochette du LP vinyl a les mots "So Long, Bannatyne" sur une Chevy rouge avec une plaque d'immatriculation du Manitoba.
Dans le fond il y a un bâtiment portant la mention "Bannatyne Appartments". Sur le verso de la pochette, on retrouve est la Chevy rouge, mais, cette fois, dans un quartier résidentiel.

Si j'ai bonne souvenance, il y a encore une autre photo de la Chevy rouge (mais de profil) sur la pochette interne du disque, où le batteur Petersen nous dévoile son embonpoint déjà plus que naissant et les membres attifés comme des ploucs (qu'ils étaient un peu)

Album très médiocre, malgré quatre titres présentés dans le live (dont deux de plus dans la version CD remasterisée avec des bonus). Autant le Live Paramount était bon (possiblement leur meilleure plaque, à défaut d'être ma préférée), autant So Long et Rockin' sont plutôt mauvais.

Le bassiste s'en ira (je crois qu'il produira certains albums) et les remplaçants vont défiler aux guitares de toutes sortes durant cette période et le restant de la décennie (et nous ne sommes qu'en 71).
Breeeeefffff, TGW ne sera même plus l'ombre de lui-même pendant des décennies, même qd le quatuor de référence se reformera dans les 80's et 00's (sans nouvels albums).
Pour finir, après Paramount, le disque présentant +/- d'intérêt sera le plutôt court The Way They Were, un truc d'archive qui devait être les restes de American Woman et les titres pour l'album suivant.

Pour moi, c'est sûr que ce n'est oas un grand disque, mais ce n'est pas non plus une daube!

[alcat01]

Selon moi, le plus grand album de Miles, avec In a silent way et Agharta. Enorme formation avec lui, que des géants ! J'ai commencé à aimer le jazz grâce à cet album à la pochette magnifique !

Les albums majeurs de Miles (àmha)

Kind Of Blue
Sketches Of Spain
Miles In The Sky
In a Silent Way
Bitches Brew
Jack Johnson
On The Corner
Live-Evil
Big Fun

Aghartha et Pangaea sont bons (mais pas pour tous les jours), mais ces albums sont bâclés d'une PDV son, je trouve.

BB lancera quatre/cinq groupes majeurs
Mahavishnu (Mcl & Cobbham)
Return To Forver (Corea & White)
Mwandishi (Hancock, Maupin
Weather Repôrt (Zawie et Shorter)
Lifetime (Williams & McL) - même si Lifetime existait déjà avant BB

"Pangaea", je ne connais pas...
Pour "Aghartha", je suis d"accord, il pourrait être énorme avec un meilleur son!

Quant aux groupes que tu cites, je ne connais pas Mwandishi, mais les quatre autres sont des pointures...