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Le troisième album du groupe Livin Blues, "Bamboozle", n'est sorti qu'en 1972.
Cet opus est à classer certainement parmi les meilleurs albums de Livin' Blues car il a un excellent son beaucoup plus adulte.
Nicko Christiansen se démarque toujours avec sa voix rauque et l'harmoniciste John Lagrand est un véritable régal à écouter.
On y trouve encore du Blues traditionnel avec de fortes modifications personnelles pour renforcer leur Blues, mais aussi les compositions originales qui prédominent.

Le Hit "L.B. Boogie" qui ouvre l'album est un véritable classique et il trouve parfaitement sa place, dans l'ombre de "Room to Move" de John Mayall.
"Sunrise" est encore un autre morceau rappellant "Albatross" de Fleetwood Mac et il montre les guitares en plein travail
Suit "Keep on" qui rocke doucement dans un style proche de J.J.Cale avec un très bon travail de guitare et une assise rythmique qui assure parfaitement son rôle.
"Hitch-Hikin'" est un retour impressionnant au Blues avec l'harmonica de Lagrand en avant en intro.
La chanson - titre, "Bamboozle", est un Blues Rock relativement peu spectaculaire, mais toujours efficace.
"Overture" de Rice-Webber est un instrumental joué par des sons très énergiques de guitare sur un groove léger et aérien, avec un harmonica en accompagnement.
"Black Night" est un Blues lent très Soul avec une superbe solo de guitare, le point culminant et le parfait contrepoint de "L.B. Boogie"...
Pour clôturer l'album, "Big City Man" est un Boogie Blues efficace avec les ingrédients habituels, avec un harmonica toujours au Top et un court solo de batterie.

Cet opus permet au groupe d'avoir un gros succès international grâce à "L.B. Boogie" et ils font ensuite leur première tournée en Pologne, où ils sont étonnamment devenus l'un des groupes les plus acclamés de l'histoire.

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Fourplay est le septième album studio du Sensational Alex Harvey Band , et le premier des albums du groupe à être réalisé sans Alex Harvey : le groupe était identifié comme "SAHB (Without Alex)" sur la pochette de l'album. La plupart des membres du groupe avaient enregistré deux albums sous le nom de Tear Gas au début des années 1970, et John Neil Munro déclare dans son livre de 2002 The Sensational Alex Harvey qu'ils avaient prévu d'enregistrer sans Harvey pendant au moins un an avant la scission. Harvey a aidé à sélectionner des chansons pour l'album et a apporté une aide à la production. Certaines chansons, telles que "Smouldering" et "Outer Boogie" avaient été testées sur la route par le groupe lors de parties de spectacles pour leur tournée européenne de 1976 au cours de laquelle Harvey devait se reposer.
En 2004, Ted McKenna avait dit à John Clarkson : "Nous étions de grands fans de groupes comme Little Feat... Alex disait toujours 'Eh bien, à quoi ça sert de faire ça ?' Il avait raison parce que nous jouions du matériel qui avait déjà été fait par les Américains. Même si nous étions assez bons dans ce domaine, et que beaucoup de groupes écossais, comme l'Average White Band, sont doués pour la musique soul et funk et que nous avions aussi un flair pour ce genre de choses, cela ne nous aurait mené nulle part parce que imitait trop d'autres styles de musique. La seule main d'Alex était de nous faire aller dans sa direction".
Fourplay est sorti en 1977 et , bien qu'Harvey ne soit pas sur l'album, il est représenté sur le dos ligoté avec une ficelle et bâillonné derrière un énorme étui avec "The Sensational Alex Harvey Band" écrit dessus, tandis qu'en arrière-plan les quatre autres membres semblent chanter dans un microphone, tourné vers lui. Zal Cleminson a évité son maquillage familier lors de cette itération du groupe.

"Pick It Up and Kick It" / "Smouldering" est sorti en tant que premier single en janvier 1977 et promu lors de leur première performance Old Grey Whistle Test.
Fourplay a été contraint de rivaliser avec un album nominal "best of" de SAHB, Vambo Rools: "Big Hits and Close Shaves" ainsi qu'avec le propre album de Harvey Loch Ness Monster, en 1977.
Moins de huit mois après la sortie de Fourplay Harvey travaillait à nouveau avec une nouvelle version du groupe et un nouvel album de SAHB, Rock Drill , est sorti avant la fin de l'année. Entre Fourplay et Rock Drill, cependant, Hugh McKenna - qui avait été une force d'écriture majeure dans SAHB - a quitté le groupe.
Fourplay est beaucoup plus poli et compatible avec la radio que la plupart des matériaux SAHB conventionnels. C'est peut-être pour cette raison, mais plus probablement en raison de l'absence de Harvey (bien qu'il l'ait clairement toléré), il est généralement considéré comme «non canon».
The Sensational Alex Harvey Band se produira et sortira des albums live après la mort de Harvey, mais leurs performances se concentreront sur le matériel qu'il a co-écrit et joué avec eux, notamment le double CD live Zalvation en 2005.

wikipedia

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1982 Win This Record!
Suite à l'excellent premier album de David Lindley et à une saison de tournées intenses avec El Rayo X, David Lindley et son groupe de cracks enregistrent un deuxième album sur Elektra. Il s'avère qu'ils ont en fait amélioré la quasi perfection du premier.
S'ouvrant sur une excellente version du classique d'Etta James "Something's Got a Hold on Me", ce titre prouve à quel point le groupe est devenu soudé.
Le travail de slide guitare de Lindley est impressionnant, comme toujours. En prime, les harmonies vocales du groupe sont extrêmement serrées et constituent un ajout bienvenu. Une version du classique cajun "Brother John" avait une grande importance à l'époque, peu de temps après la mort de John Lennon, et contient à nouveau certaines des meilleures parties de slide de Lindley à ce jour.

Un disque décousu et amusant, Win This Record est l'un des meilleurs disques de rock des années 80.

Matthew Greenwald

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L'album inédit de 1970 de Heads, Hands And Feet a été publié en 1996 par le label See For Miles sous le titre "Home from Home": une jolie collection d'enregistrements et de demos faites à la création du groupe.

Les sessions initiales pour cet album avaient eu lieu entre Octobre et Décembre de 1968.
Produit par Tony Colton qui combinait ces sessions de nuit à la production du premier album de groupe Irlandais Taste.
Les musiciens pensent que c'est le meilleur album qu'ils aient jamais enregistré.
Alors composé de Tony Colton au chant, d'Albert Lee à la guitare et au chant, de Pat Donaldson à la basse et au chant, de Ray Smith à la guitare et au chant, de Pete Gavin à la batterieet au chant, de Mike O'Neill aux Claviers et au chant, Heads, Hands And Feet a souvent été comparé à quelque chose comme une sorte de version Britannique de Flying Burrito Brothers ou Nitty Gritty Dirt Band, mais c'est beaucoup plus que cela.
De meilleures comparaisons pourraient certainement être faites avec l'original de Poco ou le Manassas de Stephen Stills, bien que le groupe n'ait jamais plagié quiconque.

"Home From Home" est un bon album artistiquement ambitieux, mais cet album souffre surtout de la décision très regrettable de ne pas avoir été publié à l'époque, ce qui amène les gens à penser qu'il n'était en quelque sorte qu'à moitié bon.
Colton indique que la décision a été prise parce que le groupe avait changé juste après l'enregistrement, et ils ont décidé d'enregistrer leur premier album avec les nouveaux membres.
Une décision qu'il regretta plus tard car il pense que c'est son meilleur travail.

"Home from Home" n'a pourtant pas bien résisté à l'épreuve du temps et ce n'est en aucune façon un classique.
Maintenant, ce disque n'est pas mauvais et Colton est un grand chanteur. Mais des titres comme "Friend of a Friend" et "Windy & Warm" ne feront pas l'unanimité.
D'autre part, "Bringing It All on My Own Head" met en valeur l'harmonie et l'énergie brute du groupe.
"Achmed" est un curieux petit bijou.
"Home from Home" est à classer quelque part avec "My Little Town" de Simon and Garfunkel comme l'une des descriptions les plus sombres d'une ville sur disque.
"Make Me Feel Much Better" est assez banal, et le reste des titres est à l'avenant.

Pourtant, ces premières chansons montrent que ce groupe était clairement quelque chose de nouveau et même utile, mais cette promesse précoce ne s'épanouit plus dans leurs efforts ultérieurs.
Dans cet album, il y a beaucoup plus que de la virtuosité de Lee. Le Songwriting de Colton est particulièrement sous-estimé.
Il est vrai que l'on souhaiterait plus de Lee, mais la musicalité est remarquable et l'écriture est excellente.
Les grands fans d'Albert Lee seront déçus car le guitariste n'apparait pas, ou peu sur quelques titres. La seule chanson où il éclate significativement s'appelle "Can You See Me".

Bien que l'album soit présenté comme ce qui aura été la première version du groupe, la qualité n'est pas aussi époustouflante que sur leur première parution réelle. Il est toujours bon d'entendre Lee et Colton ensemble, mais cet album est bien différent de ce qu'est devenu le son de Heads, Hands And Feet.

Cela ne veut surtout pas dire que "Home from Home" n'est pas bon, Il étale même quelques vraies surprises, en particulier, "Hey Achmed". On peut même le qualifier de petit bijou perdu...

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1990 : Faith, Hope, Love by King's X
Au début des années 90, KING’S X a déjà une carrière bien remplie, commencée à la fin des années 70 du côté de Springfield dans le Missouri sous le nom de THE EDGE puis SNEAK PREVIEW avant d’opter en 1985 pour le nom que nous connaissons tous désormais. Et après « Out Of The Silent Planet » et « Gretchen Goes To Nebaraska », deux albums qui assoient quasiment un genre à eux tout seuls, paraît le 23 octobre 1990 « Faith Hope Love », une œuvre ambitieuse et qui se veut un album-charnière dans la discographie du trio.
Composé de Doug Pinnick au chant et à la basse, Ty Tabor, guitare et chant et Jerry Gaskill à la batterie et au chant lui aussi, on voit ces deux derniers se partager le chant principal sur quelques titres, en sus des harmonies vocales qui sont pour une grande partie dans l’identité et la signature sonore du groupe. De quoi multiplier les possibilités donc, ce dont ne se prive pas KING’S X avec ce disque au détour de trois morceaux.
Paru une nouvelle fois chez Atlantic Records/Megaforce Worldwide, faisons ensemble un petit tour, non pas du côté de chez Swann, mais de l’Etat d’adoption du groupe, le Texas, pour survoler ensemble une nouvelle fois les treize chansons de « Faith Hope Love ».
KING’S X, comme je le disais, c’est un son. Et ceux de la basse 12 cordes accordée plus bas que la norme et des effets sur la guitare de Ty, ne laissent aucun doute sur qui l’on a affaire lorsque l’intro de "We Are Finding Who We Are" démarre. D’entrée, les chœurs à trois voix s’emparent des couplets et d’une partie du refrain tandis que l’on est encore une fois transcendé par le timbre de Doug Pinnick, gorgé de soul et de blues (a-t-il aussi bien chanté auparavant que sur ce disque ?). Côté promo, on observera un choix surprenant de la part de la maison de disques qui décide d’utiliser le deuxième titre "It’s Love" comme single car, comme l’a précisé un jour le guitariste Ty Tabor dans une interview, il lui a semblé bizarre de mettre en avant non pas le chanteur principal mais un autre, quitte à perdre un peu l’auditeur ou du moins, amener de la confusion à celui qui découvrait alors le groupe (Ty que l’on retrouve notamment au chant lead sur la finale "Legal Kill", un titre acoustique au sujet délicat, celui-ci abordant l’avortement, sachant par ailleurs que le groupe est très sensible à ce qui a trait à la religion et ses valeurs). Et pour « Faith Hope Love », KING’S X a pu bénéficier de la « rotation lourde » (la fameuse heavy rotation) sur MTV, toute puissante chaîne musicale qui faisait alors en ces temps reculés la pluie et le beau temps en termes de musique à la télévision américaine. Ce qui expliquait les craintes précitées qu’avait le guitariste sur ce choix.
Côté musique, il ne faut pas bien longtemps avant que les harmonies « piquées » aux BEATLES – une de leurs influences – ne pointent le bout de leur nez ("Fine Art Of Friendship" et ses lignes de basse hallucinantes) quand ils ne sont pas tout simplement épaulés à cette tâche par leurs potes des GALACTIC COWBOYS au grand complet, sur "Mr. Wilson" et l’épique morceau-éponyme "Faith Hope Love", une composition longue et alambiquée, presque grandiloquente et qui tranche avec le reste du disque. Pas ratée pour autant, elle ne se veut pas à l’arrivée aussi marquante que les membres du groupe auraient certainement voulu qu’elle soit. Mais, tout étant question de goûts, certains d’entre vous ne seront probablement pas du même avis. Si vous voulez des cavalcades heavy, KING’S X sait aussi en faire sur la frénétique "Moanjam" sur laquelle on retrouve un long et dantesque solo agrémentant les 6 minutes que dure la chanson. Autre ambiance avec ce titre qui n’aurait pas dépareillé sur un des albums des GALACTIC COWBOYS, un "Talk To You" qui souffle le chaud et le froid, le rapide et le lent dans un même élan musical. Au rayon hits, on ne peut tout simplement pas éluder "I Just Can’t Help It" et la ballade "Everywhere I Go" (à ranger aux côtés d’une "Goldilox", que l’on trouve sur « Out Of The Silent Planet », premier album paru en 1988). Pour finir cet état des lieux, "We Were Born To Be Loved" s’impose d’elle-même, véritable pilier des set-lists en concert, au break final « mathématique » à souhait et que le groupe se plaît à jouer au cordeau, les bienheureux spectateurs de leurs concerts pouvant en témoigner.

Ce « Faith Hope Love » aura permis à KING’S X d’entamer sa période faste dans le paysage musical américain. En Europe, le trio était et est resté un truc d’initiés.
Jérôme Sérignac

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1969 : "Zoo"
Ensemble Psyché /Jazz Rock français éphémère mais légendaire, né sous le nom de Question en 1968 du groupe New Strangers avec Joël Daydé à la voix, Daniel Carlet au sax/violon et Michel Hervé à la basse. Le reste de l'équipe était Michel Bonnecarrere et Pierre Fanen à la guitare, Tony Canal à la trompette, Michel Ripoche au violon, bientôt rejoints par André Hervé aux claviers et Christian Devaux à la batterie. Ils forment un petit orchestre de Jazz, sont signés par le label Riviera et enregistrent leur premier album éponyme qui n'a pris que deux jours en avril 69 au studio De La Gaité à Paris, à peu près au même moment où le groupe a changé son nom pour Zoo.

Lors de ces enregistrements, le producteur du label d’Eddie Barclay Riviera n'en revient pas : "Vous jouez comme des bêtes!". "Nous n'avions pas de nom, ça a fait tilt, Zoo était né", se rappelle le bassiste, Michel Hervé.
Après deux jours de travail, Zoo enregistre huit titres qui restent pourtant sur l’étagère.
Barclay le gardera pourtant dans ses tiroirs, et il ne le sortira malheureusement qu'après le succès commercial des albums de Chicago Transit Authority et autres Blood Sweat and Tears et dans une discrétion la plus absolue.

Zoo joue un rock psyché/jazz riche et charmant. Avec un large équipage à bord, ils ont un son agréable, plein de grooves jazzy ou bluesy moelleux, menés par les styles de guitare lisses de Bonnecarrere et Fanen, des touches légèrement folk avec de belles parties de violon et des inspirations psyché avec l'orgue Hammond en évidence. Une énorme aura des instruments à vent flottent toujours dans l'air, ajoutant des touches Soul et Funk au style, tandis qu'il y a aussi quelques reprises incluses : ''Memphis train'' de Rufus Thomas et ''You sure drive a hard bargain'' d'Albert King .
Interplays et longues batailles instrumentales sont toujours présents avec une atmosphère venant d'ambiances légères inspirées du jazz et s'arrêtant sur des thèmes de violon dramatiques. La voix de Dayde est un autre atout positif, un chanteur avec un accord rauque semblable à Roger Chapman de Family. "Rhythm and Boss'' et ''Samedi soir à Carnouet'' sont probablement les meilleurs exemples du Psych/Jazz/Soul Rock inventif de Zoo avec de longs solos d'orgue, des trompettes en orgasme et de superbes textures de violon, mais le titre le plus progressif est sans aucun doute le final ''Mammouth'', une pièce instrumentale magistrale avec des batailles constantes et atonales entre les orgues et les violons, des accords de guitare irritants et des manières schizophéniques d'Hervé vers la partie finale, torturant son orgue encore plus que Keith Emerson ne l'a jamais fait.

apps79

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1993 : Lies
Blodwyn Pig s'est reconstitué, composé de Mick Abrahams (chant principal, guitares), Graham Walker (batterie), Dave Lennox (claviers, chant) et Mike Summerland (basse, chant), avec Jackie Challoner (chœurs) et Nick Payne (harmonica, saxes).
Il s'agit davantage d'un groupe de soul que le Blodwyn Pig original, et heureusement, ils ont laissé de côté le jazz et le rock progressif sur cet album.
En dehors du superbe titre, il y a ici une tonne de morceaux de style R&B, tous joués et chantés difficilement mais bien, avec un niveau de maturité qui ne fait qu'ajouter à la profondeur des performances.
En plus des originaux d'Abrahams, il y a des reprises de chansons de Doc Pomus et Dr. John ("The Victim") et d'Alexis Korner ("I Wonder Who"), cette dernière étant l'un des deux titres live réunissant Abrahams avec ses anciens compagnons de groupe Clive Bunker et Andy Pyle.

Bruce Eder

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1973 - Rockin' At The Tweedmill
Le batteur Jonny Le Jeune a quitté Livin' Blues pour the Schick Band et il est alors remplacé par Arjan Kamminga.
"Rockin' at the Tweed Mill" est le premier album de Livin' Blues à ne pas être produit par Jaap Eggermont.
Cette fois, c'est l'Anglais Mike Vernon, le spécialiste dans la production d'autres groupes de Blues Rock tels que John John Mayall, Ten Years After et autres Fleetwood Mac qui s'y colle. Ce disque a été enregistré dans son studio à Chipping Norton, dans l'Oxfordshire entre le 30 Octobre et le 8 Novembre 1972 et il a été publié avant la fin de l'année.

La couverture de l'album montre le groupe devant le Bliss Tweed Mill à Chipping Norton.
Malheureusement, c'est à ce moment-là que Livin' Blues allait commencer à se transformer en raison de tous ces changements constants de line-up et, surtout, avec le départ de Le Jeune, ils trouvèrent plus difficile d'écrire un nouveau matériel original.
Les travaux d'harmonica épiques de John Lagrand et les prouesses guitaristiques de Ted Oberg sont toujours et encore la marque de fabrique de la plupart des chansons sans oublier la puissante prestation vocale de Nicko Christiansen.
L'album qui en découle est, malgré tout, toujours aussi bon, musicalement parlant.

"Rockin' at the Tweed Mill" est, cependant, plus ou moins une continuation du précédent, "Bamboozle", mais on peut voir d'autres éléments différents sur quelques-uns des morceaux plus doux, même si ce disque ne manque surtout pas d'énergie. À bien des égards il est encore peut-être encore plus bluesy que tous leurs albums précédents.
Tout en étant à court de matériel original pour cette fois-ci, ils ne laissent pas cela affecter le moins du monde la qualité de leur travail, réalisant un album tout aussi fort que les précédents.
Il suffit de l'écouter pour voir que c'est un excellent disque de Blues Rock!

Il s'ouvre avec "Ain't No Use Crying" qui commence de façon lente et sombre. A noter une belle intervention du saxo.
Puis vient le trépîgnant et entrainant "Diving Duck Blues", écrit par Mississippi Fred McDowell et qui est absolument une appropriation de ce morceau par le groupe, et quelle interprétation!... "Rollin' and Tumblin!"...Phénoménal!...
"Eye to Eye" est un Blues tout à fait classique signé Nicko Christiansen / Ted Oberg.
Ce qui suit est aussi trempé dans la même cuvée, avec cette reprise de "Please Don't Leave Me" de Fats Domino sortie en single; bonne interprétation!
"Sweet Suzanne" est un instrumental à la guitare avec intro acoustique à la "Locomotive Breath" de Jethro Tull et une deuxième guitare très Fleetwood Mc qui construit le thème musical ensuite...
"Shady Gilrl, Shady Girl" est un autre Blues joué de façon classique signé Ted Oberg / Nicko Christiansen / John Lagrand
Mais le morceau suivant "Fool on You" est beaucoup plus ancré fermement dans le Hard Rock. A noter un court solo de batterie au milieu!
Quant à "Tongue 'n' Groove", c'est un instrumental bluesy agréable à écouter avec seulement un piano et l'harmonica...
Pour finir cet album, "You're a Stranger" est un excellent Blues de type classique signé Nicko Christiansen / Ted Oberg.

Malheureusement, Arjan Kamminga est forcé de partir peu de temps après la sortie de "Rockin' At The Tweedmill" en raison de problèmes de dos.

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Zalvation
Lorsque le Sensational Alex Harvey Band a commencé à jouer sans Harvey en 1977, peu de gens lui ont prêté attention. L'album qui en a résulté n'était guère plus qu'une réaffirmation des principes de base du rock & roll qui caractérisaient leur période pré-Harvey sous le nom de Tear Gas, et même les fans inconditionnels ont laissé tomber SAHB Without Alex.
Le groupe n'aurait pas pu annoncer plus clairement les défauts de l'album s'il l'avait simplement qualifié d'"ennuyeux". Ainsi, l'idée que, Harvey étant parti depuis longtemps, le même concept puisse être relancé pour une nouvelle ère a d'abord semblé ridicule.
Mais le nouveau SAHB a duré presque trois fois plus longtemps que l'ancien, et un concert qui recrée sans honte le groupe classique pour un public qui n'était peut-être même pas né quand Harvey est mort est maintenant si solide que... et puis quoi encore ?
C'est un super album ! Pas "génial" dans le sens où il est meilleur que n'importe quel enregistrement live de l'époque de Harvey; écoutez attentivement, et vous pourriez encore le prendre pour un album hommage sérieux, par un groupe qui se trouve être de grands musiciens. Mais un ensemble qui fait écho à tous les grands concerts de Harvey dans les années 70, de la mélodie d'ouverture de "Faith Healer" aux chansons préférées du public "Next" et "Isabel Goudie", "Boston Tea Party" et "Swampsnake", n'est rien d'autre qu'un album inspiré, Alors que nous pourrions probablement vivre plus heureux si "Framed" avait été omis (le shtick original de Harvey était trop personnel pour être répété par quelqu'un d'autre), "Vambo" fonctionne étonnamment bien, et "Delilah" est aussi triomphant qu'il devrait l'être.

Zalvation n'est pas l'album qui ramènera les fans d'origine au bercail, s'ils n'ont pas vu le spectacle qui l'accompagne. Mais tous ceux qui ont vu le spectacle du groupe actuel vont l'avaler avec autant d'avidité que les vétérans se sont mis à genoux devant Live.

[media]Dave Thompson

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[alcat01]

1983 El Rayo Live
Le label américain de David Lindley, Elektra/Asylum Records, n'a pas été suffisamment impressionné par les ventes de ses deux premiers albums, El Rayo-X et Win This Record, pour sortir ce troisième album sur le marché national.
Mais la division internationale de la société l'a trouvé digne d'intérêt, ce qui fait que l'on fait l'expérience inhabituelle de devoir fouiller dans les bacs d'importation pour trouver un excellent album d'un artiste américain enregistré dans plusieurs clubs de Californie, mais sorti uniquement en Europe ! (Le même sort sera réservé au quatrième album de Lindley, Mr. Dave, en 1985.)
Lindley, qui joue de la guitare électrique, de la slide guitare, du mellobar et de la lap steel hawaïenne, est typiquement virtuose et loufoque, ouvrant le bal avec "Wooly Bully" et prenant le relais. L'accent est mis sur le travail des cordes, bien que le groupe de quatre musiciens soit très soudé et que la voix étrange de Lindley accentue la nature excentrique des morceaux.

Une autre réussite qui vaut la peine d'être découverte.

William Ruhlmann

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1970 : "I shall be free"
En 1970, une hémorragie soudaine, liée à des divergences musicales, relationnelles et surtout financières fait partir du groupe Zoo les piliers qu’étaient Joël Daydé qui va tenter l’aventure solo et Pierre "Pierrot" Fanen qui part accompagner Eddy Mitchell.
Privé alors de chanteur, Zoo va, par l’intermédiaire d’une petite annonce parue dans le Melody Maker, recruter un chanteur typiquement Anglais appelé Ian Stuart, pour affirmer leur présence sur ce marché. Rebaptisé Ian Bellamy, Ian Stuart tiendra le micro pour enregistrer le deuxième album en Septembre.
Cet opus intitulé "I Shall Be Free" sera enregistré du 12 juin au 9 Septembre. Dans ce nouveau disque, les violons prennent le pouvoir, reléguant les cuivres sur certains titres, et ce, malgré la réussite, en particulier du saxophone, sur "Endless Words".
Apparemment Zoo est cependant resté coincé dans un Brass Rock quelque peu daté avec des inflexions Soul, enlevant certaines des belles épices jazzy du début et montrant finalement un groupe en train de faire marche arrière.
''I shall be free'' est le meilleur exemple d'un groupe insistant sur un son des années 60, alors que les choses musicales évoluaient dans une direction différente.
Beaucoup de trompettes et de vocaux clichées avec une ambiance du milieu des années 60, tandis que l'écriture des chansons devient plus compacte, sacrifiant ce qui était censé devenir une section plus jazzy et plus lâche de guitares, de basse et de batterie. L'orgue, le violon et surtout le travail de la guitare restent assez intéressants et la plupart des morceaux contiennent des extraits de ce que Zoo aurait pu être : De courts mouvements de Psyché Rock jazzy instrumental et varié avec de grandes fuites électriques et un orgue solide partout avec quelques pauses compliquées...

apps79

L’album sera programmé, et servira même d’indicatif pour des radios… Américaines! Nul n’est prophète en son pays...
Effectivement, WOR-FM et WABC-FM, deux des plus grosses stations New-Yorkaises, prendront respectivement les deux titres du single pour ouvrir leurs émissions. Une promo inattendue qui pousse le label RCA à compiler les deux albums pour le marché américain. Un LP compilant des extraits des deux premiers albums, réalisé par Robin Mc Bride, verra d’ailleurs le jour dans ce pays.

[Suricate]

1969 : "Zoo"
Ensemble Psyché /Jazz Rock français éphémère mais légendaire, né sous le nom de Question en 1968 du groupe New Strangers avec Joël Daydé à la voix, Daniel Carlet au sax/violon et Michel Hervé à la basse. Le reste de l'équipe était Michel Bonnecarrere et Pierre Fanen à la guitare, Tony Canal à la trompette, Michel Ripoche au violon, bientôt rejoints par André Hervé aux claviers et Christian Devaux à la batterie. Ils forment un petit orchestre de Jazz, sont signés par le label Riviera et enregistrent leur premier album éponyme qui n'a pris que deux jours en avril 69 au studio De La Gaité à Paris, à peu près au même moment où le groupe a changé son nom pour Zoo.

Lors de ces enregistrements, le producteur du label d’Eddie Barclay Riviera n'en revient pas : "Vous jouez comme des bêtes!". "Nous n'avions pas de nom, ça a fait tilt, Zoo était né", se rappelle le bassiste, Michel Hervé.
Après deux jours de travail, Zoo enregistre huit titres qui restent pourtant sur l’étagère.
Barclay le gardera pourtant dans ses tiroirs, et il ne le sortira malheureusement qu'après le succès commercial des albums de Chicago Transit Authority et autres Blood Sweat and Tears et dans une discrétion la plus absolue.

Zoo joue un rock psyché/jazz riche et charmant. Avec un large équipage à bord, ils ont un son agréable, plein de grooves jazzy ou bluesy moelleux, menés par les styles de guitare lisses de Bonnecarrere et Fanen, des touches légèrement folk avec de belles parties de violon et des inspirations psyché avec l'orgue Hammond en évidence. Une énorme aura des instruments à vent flottent toujours dans l'air, ajoutant des touches Soul et Funk au style, tandis qu'il y a aussi quelques reprises incluses : ''Memphis train'' de Rufus Thomas et ''You sure drive a hard bargain'' d'Albert King .
Interplays et longues batailles instrumentales sont toujours présents avec une atmosphère venant d'ambiances légères inspirées du jazz et s'arrêtant sur des thèmes de violon dramatiques. La voix de Dayde est un autre atout positif, un chanteur avec un accord rauque semblable à Roger Chapman de Family. "Rhythm and Boss'' et ''Samedi soir à Carnouet'' sont probablement les meilleurs exemples du Psych/Jazz/Soul Rock inventif de Zoo avec de longs solos d'orgue, des trompettes en orgasme et de superbes textures de violon, mais le titre le plus progressif est sans aucun doute le final ''Mammouth'', une pièce instrumentale magistrale avec des batailles constantes et atonales entre les orgues et les violons, des accords de guitare irritants et des manières schizophéniques d'Hervé vers la partie finale, torturant son orgue encore plus que Keith Emerson ne l'a jamais fait.

apps79

Jamais écouté auparavant, et c'est excellent... comment à l'époque a t'il eu si peu de succès ????.

Merci pour la découverte (je ne connaissais que de nom....Léo Ferré ....).

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1969 : "Zoo"
Ensemble Psyché /Jazz Rock français éphémère mais légendaire, né sous le nom de Question en 1968 du groupe New Strangers avec Joël Daydé à la voix, Daniel Carlet au sax/violon et Michel Hervé à la basse. Le reste de l'équipe était Michel Bonnecarrere et Pierre Fanen à la guitare, Tony Canal à la trompette, Michel Ripoche au violon, bientôt rejoints par André Hervé aux claviers et Christian Devaux à la batterie. Ils forment un petit orchestre de Jazz, sont signés par le label Riviera et enregistrent leur premier album éponyme qui n'a pris que deux jours en avril 69 au studio De La Gaité à Paris, à peu près au même moment où le groupe a changé son nom pour Zoo.

Lors de ces enregistrements, le producteur du label d’Eddie Barclay Riviera n'en revient pas : "Vous jouez comme des bêtes!". "Nous n'avions pas de nom, ça a fait tilt, Zoo était né", se rappelle le bassiste, Michel Hervé.
Après deux jours de travail, Zoo enregistre huit titres qui restent pourtant sur l’étagère.
Barclay le gardera pourtant dans ses tiroirs, et il ne le sortira malheureusement qu'après le succès commercial des albums de Chicago Transit Authority et autres Blood Sweat and Tears et dans une discrétion la plus absolue.

Zoo joue un rock psyché/jazz riche et charmant. Avec un large équipage à bord, ils ont un son agréable, plein de grooves jazzy ou bluesy moelleux, menés par les styles de guitare lisses de Bonnecarrere et Fanen, des touches légèrement folk avec de belles parties de violon et des inspirations psyché avec l'orgue Hammond en évidence. Une énorme aura des instruments à vent flottent toujours dans l'air, ajoutant des touches Soul et Funk au style, tandis qu'il y a aussi quelques reprises incluses : ''Memphis train'' de Rufus Thomas et ''You sure drive a hard bargain'' d'Albert King .
Interplays et longues batailles instrumentales sont toujours présents avec une atmosphère venant d'ambiances légères inspirées du jazz et s'arrêtant sur des thèmes de violon dramatiques. La voix de Dayde est un autre atout positif, un chanteur avec un accord rauque semblable à Roger Chapman de Family. "Rhythm and Boss'' et ''Samedi soir à Carnouet'' sont probablement les meilleurs exemples du Psych/Jazz/Soul Rock inventif de Zoo avec de longs solos d'orgue, des trompettes en orgasme et de superbes textures de violon, mais le titre le plus progressif est sans aucun doute le final ''Mammouth'', une pièce instrumentale magistrale avec des batailles constantes et atonales entre les orgues et les violons, des accords de guitare irritants et des manières schizophéniques d'Hervé vers la partie finale, torturant son orgue encore plus que Keith Emerson ne l'a jamais fait.

apps79

Jamais écouté auparavant, et c'est excellent... comment à l'époque a t'il eu si peu de succès ????.

Merci pour la découverte (je ne connaissais que de nom....Léo Ferré ....).

C'est une bonne question!
Je pense qu'à cette époque, on était trop orienté sur l'Angleterre ou l'Amérique au détriment de nos propres groupes héxagonaux...
Forcément, c'était mieux aillieurs!...
Il n'y avait pas de comparaison possible...

[alcat01]

L'album A Man and His Blues de John Campbell paru en 1988 débute par une reprise de Lightnin' Hopkins soit Going To Dallas (reprise réussie !), puis suit une de ses compos en acoustique Bad Night Blues; bien joué Johnny d'entrée... pour annoncer la couleur du nouvel album !!
Le 3ème morceau est un titre boogie de Snooky Pryor, chanté uniquement par Darrell Nulisch, ponctué de souffles harmonicaux de Jerry Portnoy, ceci accompagné par JC en seconde guitare solo, la première étant assurée de main de maître par Ronnie Earl, Per Hanson (drums), complétant pertinemment la section rythmique. Le titre suivant - Bluebird - est encore une reprise de Lightnin' Hpokins (aussi remarquable !), toujours en acoustique. Sa compo instrumentale qui suit - Deep River Bag est magistrale à la fois de feeling mais aussi de virtuosité !! Ensuite, arrive le blues/rock Texas Country Boy, titre écrit conjointement avec Jerry Portnoy. Derrière, Sittin' Here Thinkin est une belle ballade bien assurée vocalement par notre serviteur, Ronnie assurant la guitare solo. L'avant dernier titre - Sunnyland Train - est de nouveau une reprise, mais d'Elmore James avec Ronnie Earl à l'acoustic lead guitar cette fois-ci. White Lightnin' qui clôture ledit album, est une bonne adaptation de Campbell d'un titre de Furry Lewis. Au début souhaité, on entend John discuter avec Per Drums ? Pas sûr cependant, mais ce sont bien eux qui jouent la fin de ce sompteux album, qui avaient été nommés (à juste titre !), aux Grammy Awards en son temps, faut-il le rappeler ?!
Cet opus, aurait pu tout à fait s'intituler A Man & His Feeling, tant il regorge de "profondeur" spirituelle bleutée. Coup d'essai ?! Coup de maître oui ! A fortiori, vivement recommandé assurément pour ceux qui veulent découvrir le bonhomme par le bon bout...
Avec une des plus belles voix rauques du blues en bonus, alors pourquoi se priver ?!

PHILIPP

[alcat01]

1970 : Very 'eavy... Very 'umble
Pour son premier album, Uriah Heep est en pleine gestation et n'a pas encore défini quel sera son propre style. Une chose est sure : David Byron s'impose déjà comme un vocaliste d'exception. Si il ne maîtrisait pas encore très bien les aigus (il n'en fait d'ailleurs pas beaucoup sur l'album), il se montre particulièrement brillant dans un registre théâtral ou très doux (sur Come Away Melinda). Bon nombre de groupes estampillés "rock progressif" ne pouvaient pas se vanter d'avoir un tel vocaliste en leur rang.
Quand Very 'Eavy Very 'Umble est sorti, les critiques ne se sont pas faites attendre, l'album a été considéré comme une bonne blague, avec notamment le célèbre "If this band makes it, I'll commit suicide" de Rolling Stones. Cet acharnement n'aidera pas Uriah Heep à être respecté aussi aisément que d'autres groupes de l'époque, bénéficiant d'une meilleure presse.
In Rock était en plus sorti en 1969 et les comparaisons avec Deep Purple allaient bon train, sans parler de la fameuse anecdote évoquant la présence des deux groupes dans les mêmes studios au moment de l'enregistrement de leurs albums respectifs. Si influence il y a du côté d'Uriah Heep, il faut bien garder une chose en tête : Very 'Eavy Very 'Umble est mélodique en permanence, Uriah Heep n'est pas du tout dans le trip bruitiste d'In Rock. En plus, on retrouve davantage de morceaux "Purpleliens" sur Salisbury et Look At Yourself.
Cinq compos sont signées Box/Byron, dont les classiques Gypsy et I'll Keep On Trying, à la fois théâtral, très heavy et ponctués de passages "progressifs" : un nouveau style est en train de naître et on se régale ! Avec la magnifique reprise de Harry Belafonte, Come Away Melinda, on tient là les meilleurs titres, les plus populaires. Come Away Melinda avait aussi été reprise par UFO à leurs débuts, mais la version d'Uriah Heep est meilleure, plus calme et plus adaptée à l'esprit de cette "berceuse".
En dehors de ça, il faut bien avouer que Very 'Eavy Very 'Umble n'a rien d'exceptionnel pour l'époque, presque anecdotique sur le bluesy amusant Lucy Blues, sans grand intérêt toutefois, et également sur Dreammare et Real Turned On, vite oubliés et pas d'une originalité fulgurante non plus (Vanilla Fudge était déjà passé par là).
Et que dire de Wake Up (Set Your Sights), un ovni (dans la carrière du Heep s'entend) sur lequel on ressent clairement l'influence de King Crimson (In The Court Of The Crimson King était sorti l'année précédente), avec une très belle mélodie, des rythmes jazzy et des guitares planantes... "frippiennes" si j'ose dire.

Pas un chef-d’œuvre ultime mais un morceau très attachant, presque touchant par sa naïveté... tout comme Very 'Eavy Very 'Umble dans son ensemble finalement.

DAVID

[Titis]

1970 : Getting to This
Il n'y a pas eu beaucoup de changements entre les deux premiers albums de Blodwyn Pig, mais il y a quand même quelques différences notables. Il semble qu'Abrahams aime faire un peu plus de rock, au lieu d'emprunter un chemin lent et bluesy, ce dont je me réjouis. Les meilleurs de ces morceaux sont "See My Way" et "Send Your Son to Die" qui combinent les éléments du jazz de haut vol de Lancaster et le solo passionné d'Abrahams de façon remarquable avec leur section rythmique fascinante. Je trouve les autres moins intéressants ("The Squirelling Must Go On", "Worry"). Peut-être que Blodwyn Pig a toujours eu plus de blues/rock dans le sang, et qu'il était plus compétent dans cet aspect, mais mes goûts personnels sont un peu différents.
Et ceci nous amène à la deuxième petite différence. Ils ont commencé à devenir légèrement plus aventureux ici et certains morceaux commencent à se démarquer plus que d'habitude. Les meilleurs morceaux de cet album sont probablement "Variations on Nainos", à la manière de Jethro Tull, où Lancaster joue de la flûte psychédélique de manière exaltante, rivalisant avec les meilleurs jours de Ian Anderson avec son groupe, et l'ambitieux "San Francisco Sketches", qui commence à se rapprocher des groupes progressifs de l'époque. Sa sensibilité jazz groovy, ses jeux forts et ses breaks soudains font de ce morceau l'un de mes préférés. "Toys" est un morceau acoustique qui a lentement gagné en popularité, mais "To Rass Man" est un gaspillage très laid de reggae qui s'est en quelque sorte perdu dans cet album autrement solide.

Encore une fois, un album très intéressant de ces gens. C'est difficile pour moi de dire quel album je préfère. Les deux ont leurs hauts et leurs bas, mais je pense qu'ils sont assez similaires dans leur résultat final, bien que j'aime celui-là un peu plus, car il est plus proche de nouvelles eaux musicales que le précédent.

King_Insano

Une pépite cet album que je possède en LP , j'aime beaucoup le son de Mick Abrahams et ce mix Jazz blues est une réussite

[Titis]

Les album de Zoo sont tous excellents , faut dire que les musiciens qui le compose sont le gratin Français de l'époque
Je les possède en réédition CD pas très officielle selon Discogs mais le son est très correct
J'aime beaucoup ce style de musique avec Chicago , Blood Sweat & Tears , The Flock avec son violon et un groupe moins connu mais génial

Trifle
First Meeting 1971

[alcat01]

Les album de Zoo sont tous excellents , faut dire que les musiciens qui le compose sont le gratin Français de l'époque
Je les possède en réédition CD pas très officielle selon Discogs mais le son est très correct
J'aime beaucoup ce style de musique avec Chicago , Blood Sweat & Tears , The Flock avec son violon et un groupe moins connu mais génial

Trifle
First Meeting 1971

Très bon, Trifle!

[Titis]

1970 : Very 'eavy... Very 'umble
Pour son premier album, Uriah Heep est en pleine gestation et n'a pas encore défini quel sera son propre style. Une chose est sure : David Byron s'impose déjà comme un vocaliste d'exception. Si il ne maîtrisait pas encore très bien les aigus (il n'en fait d'ailleurs pas beaucoup sur l'album), il se montre particulièrement brillant dans un registre théâtral ou très doux (sur Come Away Melinda). Bon nombre de groupes estampillés "rock progressif" ne pouvaient pas se vanter d'avoir un tel vocaliste en leur rang.
Quand Very 'Eavy Very 'Umble est sorti, les critiques ne se sont pas faites attendre, l'album a été considéré comme une bonne blague, avec notamment le célèbre "If this band makes it, I'll commit suicide" de Rolling Stones. Cet acharnement n'aidera pas Uriah Heep à être respecté aussi aisément que d'autres groupes de l'époque, bénéficiant d'une meilleure presse.
In Rock était en plus sorti en 1969 et les comparaisons avec Deep Purple allaient bon train, sans parler de la fameuse anecdote évoquant la présence des deux groupes dans les mêmes studios au moment de l'enregistrement de leurs albums respectifs. Si influence il y a du côté d'Uriah Heep, il faut bien garder une chose en tête : Very 'Eavy Very 'Umble est mélodique en permanence, Uriah Heep n'est pas du tout dans le trip bruitiste d'In Rock. En plus, on retrouve davantage de morceaux "Purpleliens" sur Salisbury et Look At Yourself.
Cinq compos sont signées Box/Byron, dont les classiques Gypsy et I'll Keep On Trying, à la fois théâtral, très heavy et ponctués de passages "progressifs" : un nouveau style est en train de naître et on se régale ! Avec la magnifique reprise de Harry Belafonte, Come Away Melinda, on tient là les meilleurs titres, les plus populaires. Come Away Melinda avait aussi été reprise par UFO à leurs débuts, mais la version d'Uriah Heep est meilleure, plus calme et plus adaptée à l'esprit de cette "berceuse".
En dehors de ça, il faut bien avouer que Very 'Eavy Very 'Umble n'a rien d'exceptionnel pour l'époque, presque anecdotique sur le bluesy amusant Lucy Blues, sans grand intérêt toutefois, et également sur Dreammare et Real Turned On, vite oubliés et pas d'une originalité fulgurante non plus (Vanilla Fudge était déjà passé par là).
Et que dire de Wake Up (Set Your Sights), un ovni (dans la carrière du Heep s'entend) sur lequel on ressent clairement l'influence de King Crimson (In The Court Of The Crimson King était sorti l'année précédente), avec une très belle mélodie, des rythmes jazzy et des guitares planantes... "frippiennes" si j'ose dire.

Pas un chef-d’œuvre ultime mais un morceau très attachant, presque touchant par sa naïveté... tout comme Very 'Eavy Very 'Umble dans son ensemble finalement.

DAVID

Chef-d'œuvre ce premier album , je l'ai écouté un million de fois , faut dire qu'il fait parti des albums qui m'on fait découvrir le rock avec In Rock de Deep Purple et Razamanaz de Nazareth
Avant c'était Beatles , Stones et Variété Française , bon j'avais 12 ans alors il me restait des tonnes disques à découvrir

[alcat01]

Jab It in Yore Eye (1974)
Malgré le départ du bassiste/compositeur Andy Fraser et de l'ingénieur Andy Johns après l'album First Water de 1973, the Sharks reviennent avec un deuxième album solide, mettant Mr. Snips au premier plan, non seulement en tant que chanteur, mais aussi en tant qu'auteur ou co-auteur de huit des neuf chansons.
Jab It in Yore Eye présente une couverture d'album absolument épouvantable, qui ne manquera pas de rebuter les acheteurs de disques. Alors que la pochette du premier album était simple et inefficace, cette illustration de Bill Imhoff est tout simplement affreuse - et trompeuse, car la musique à l'intérieur est plutôt bonne.
Fraser a contribué à la moitié des chansons de l'album précédent sans fournir la direction qu'il a aidé à donner à Free. Jab It in Yore Eye semble plus unifié -- l'ajout du nouveau bassiste Busta Cherry Jones et l'expansion du groupe à cinq pièces avec le claviériste Nicky Judd apportent de la définition.
Il serait difficile de dire que Sharks imite Bad Company, puisque les deux groupes ont émergé à peu près en même temps. Mais le noyau bluesy d'une chanson comme "Baby Shine a Light", écrite par le nouveau bassiste, et les longs essais comme "Sophistication" et "Revolution of the Heart" de Snips jouent totalement dans l'univers de Paul Rodgers. Imaginez le "Ready for Love" de Mick Ralphs interprété par Bad Company, sans les riffs puissants de Mott the Hoople, et étendez cette seule chanson sur les deux faces d'un disque - c'est en gros le son de Jab It in Yore Eye.
"Sun Beat Down" et "Rain or Shine" continue l'obsession avec les thèmes de la lumière et du soleil sur la première face. Il semble que le groupe Free n'ait pas été dissous, il a juste été cloné. Chris Spedding ajoute une guitare rythmique complexe sur l'affaire moelleuse, sa présence est un point fort subtil.
Ils ont abandonné le soupçon de glam de leur premier album de l'année précédente et l'ont remplacé par un blues doux et discret. Mais comme pour First Water, il n'y a pas de hit single pour attirer l'attention sur un projet autrement intéressant et écoutable. Le riff mid-tempo de Mr. Snips "Should I Stay or Should I Go" sur "Sophistication" a probablement inspiré les Clash huit ans plus tard, mais même ce moment de rock s'accroche au blues grave sans aucune chance d'être diffusé à la radio. La coécriture de "Surrender" par Spedding avec Snips et des morceaux d'un riff de guitare provenant du monde du disco sont les points forts de l'album...

Joe Viglione